Este guión de Jennifer Chambers Lynch, quien además dirigió la película, está protagonizado por Julian Sands quien en el film representa a Nick Cavanaugh, un exitoso cirujano jefe de un hospital, quien es visto como un hombre inteligente, trabajador y curiosamente soltero a pesar de que ya ha pasado los cuarenta. Es la muerte de su madre lo que provoca que Nick reflexione acerca de su vida y su futuro… y acerca del amor, donde Nick vive acosado por el recuerdo de una breve aventura con una mujer.
Si bien la crítica especializada no acompañó a la demencial Boxing Helena, la historia de esta obsesión de Julian Sands tiene todos los elementos que, más o menos criticables, hacen de ésta una película de culto: un guión poco convencional, saltos temporales en el film donde se mezcla la realidad y la imaginación de una mente enferma y, por supuesto, la belleza de Helena -quien cautiva en la mansión del médico – es idolatrada por Nick quien decide amputarle sus miembros con el fin de tenerla ahí, siempre …
La polémica película se hizo famosa antes de su estreno, ello debido a que Kim Basinger, quien había confirmado su participación en el film, se negara a protagonizarla por las escenas de sexo que contenía éste, siendo sustituida por Sherilyn Fenn, conocida por su actuación en la serie “Twin Peaks”. Tras su estreno, sin embargo, su impacto fue bajo y gracias al film su directora Jennifer Chambers Lynch ostentó el premio de la Peor Directora en los Premios Razzers.

Pinche aquí para ver el vídeo

Producidos durante los comienzos de la guerra fría, éstos filmes trataban de eliminar los temores de la población hacia la bomba. En ésos tiempos existía una especie de “halo misterioso” al rededor de la bomba. La gente no sabía realmente que era, salvo que era lo más destructivo jamás hecho. Sin duda alguna éstos filmes que contiene el documental son un pedazo de historia.

“Elige la vida. Elige un empleo. Elige una carrera. Elige una familia. Elige un televisor grande que te cagas. Elige lavadoras, coches, equipos de compact disc y abrelatas eléctricos. Elige buena salud, colesterol bajo y seguro dental. Elige hipoteca a interés fijo. Elige un piso piloto. Elige a tus amigos. Elige ropa deportiva y maletas a juego. Elige pagar a plazos un traje de marca en una amplia gama de putos tejidos. Elige bricolaje y preguntarte quién coño eres los domingos por la mañana. Elige sentarte en el sofá a ver teleconcursos que embotan la mente y aplastan el espíritu mientras llenas tu boca de puta comida basura. Elige pudrirte de viejo cagándote y meándote encima en un asilo miserable, siendo una carga para los niñatos egoístas y hechos polvo que has engendrado para reemplazarte. Elige tu futuro. Elige la vida… ¿pero por qué iba yo a querer hacer algo así? Yo elegí no elegir la vida: elegí otra cosa. ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?”.

Con este monólogo se da inicio a la película que en 1996 dirigió Danny Boyle, basada en la novela del mismo nombre escrita por Irvine Welsh, cuya trama principal se basa en un grupo de adictos a la heroína que viven en Edimburgo, y que no tienen ningún tipo de aspiraciones para la vida.
El título de la película hace referencia al hobby de mirar el paso de los trenes, bastante popular en el Reino Unido, cuyo término anglosajón es justamente Trainspotting.
En la película, xxiste una dualidad brutal en la vidas de estos adictos por un lado, está la placentera sensación de la droga, y por otro, el oscuro abismo y excitación que el adicto enfrenta ante la necesidad de ésta para estar bien. El personaje principal de Traispotting lo encarna Ewan McGregor, con el nombre de Mark Renton. Mark se cuestiona la vida, no sabe para qué elegirla… seguir a la masa no es nada fácil, hacer lo que todos hacen y deben hacer le parece confuso, complicado.

Mark vive la vida del adicto, no trabaja, no cumple horarios, no tiene pareja, no posee mayores responsabilidades que buscar la forma de satisfacer su adicción. En su afán de hacerse de este efímero bienestar se concentra en encontrar lo que sea, con el único requisito que se pueda vender para alcanzar su objetivo final: la droga.

A pesar de que el perfil de un drogo es bastante individualista, Mark, comienza a cuestionarse acerca de esta soledad elegida y obligada a la vez,  y decide cambiar el rumbo de su vida para terminar con esta sumisión y acabar con la monotonía de cada ciclo que enfrenta. “Cambia, todo cambia” dice una canción, y Mark no podía cambiar. Mil intentos y encierros, pero nada se equilibraba en la balanza de la droga, nada podía alejarlo del placer… eso nunca se le olvidó, eso nunca cambió.

Traisnpotting causó gran polémica, el vox poluli, decía que promovía el consumo de drogas entre los jóvenes. Aún así, esta película se ha declarado como unas de las cinco mejores cintas británicas de todos los tiempos. Una mezcla perfecta entre estética y contenido llenan la pantalla, junto a atrevidos diálogos que desvisten el humano tema de la adicción a la droga.
El sueño de su creador era esperar que los actores envejecieran y con los mismos poder montar una nueva cinta, diez años más tarde; los que ya han transcurrido, y nada se ha si quiera rumoreado de esto.

Trainspotting, tiene una excelente banda sonora, en la que destacan temas tales como: “Lust for”, Iggy Pop; “Deep Blue Day”, Brian Eno; “Trainspotting”, Primal Scream; “Atomic Atomic”, Sleeper”; “Perfect Day”, Lou Reed; “Nightclubbing”; entre otros.

Pinche aquí para ver el vídeo

Filme cuyo guión, dirección y producción estuvo a cargo del genial actor Charles Chaplin quien, por si fuera poco, fue el protagonista de esta película que hacia 1936 impactó a todo el mundo por su ácida crítica al entorno social de la época.

La realización se desarrolló en el traspaso del cine mudo a un cine sonoro, por lo que incluyó efectos como música, cantantes, voces provenientes de radios y altavoces, así como la sonorización de la actividad de las máquinas. Puede incluso escucharse, en el final, la voz de Chaplin que interpreta una versión de la canción Je cherche aprés Titine.

Tiempos Modernos, donde también intervienen los actores Paulette Goddard, Henry Bergman, Stanley Sandford y Chester Conklin, refleja las condiciones de la clase obrera del período de la Gran Depresión, sus desesperadas condiciones laborales y de calidad de vida dadas por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena.

La película incorpora escenas de corte futurista de la factoría en la que trabaja Charlotte (Chaplin), que sin duda recibe una influencia directa del filme de cine mudo Metrópolis, de Fritz Lang.
La historia relata el día a día de Charlotte, un hombrecillo que trabaja en una línea de producción en serie donde su función específica es el atornillar dos tuercas a la vez a gran velocidad, lo que le produce un tic inicial y recurrente que lo lleva al desquiciamiento total. Comienza a partir de entonces a ejecutar esta acción dentro y fuera del trabajo con objetos y personas, lo que sin duda provoca desconcierto en su entorno social.
En una de esas andanzas Charlotte persigue a una mujer con unas llaves en la mano, lo que provoca la reacción de la policía; posteriormente, dentro de la fábrica desata el caos al ser arrastrado por los engranajes de la imponente maquinaria.
Finalmente y tras una serie de dificultades es recluido en un hospital siquiátrico de donde sale más tarde para encontrarse con una realidad muy distinta, donde su fábrica y todas las demás ya no funcionan: es la crisis del 29 que sume en la miseria a los trabajadores no sólo de Estados Unidos sino de todo el mundo capitalista.

Con Tiempos Modernos, Charles Chaplin orienta su obra superando la tragedia individual que caracterizaron a filmes como The Kid, para elevarse a los grandes temas del mundo contemporáneo. Entendió que el escenario social había cambiado y lo seguiría haciendo, con un mundo menos humano y cada vez más focalizado en la acumulación de riquezas.
Si bien se ha criticado la inconexión de las escenas de la película, escenas memorables son el encuentro de Charlotte con una manifestación de obreros despedidos, donde inconscientemente alza una bandera roja de un vehículo que lo convierte en el líder involuntario de ésta, sin darse cuenta era el líder de la causa sin tener claramente conciencia de cuál era ésta.
“Tiempos modernos” es la caricatura de la humanidad degradada en el mundo laboral de la fábrica. Charlotte no es un trabajador regular o medio sino un retrato de la miseria de la condición proletaria. Se reconoce en Chaplin como principal recurso cómico, la dignidad de Charlotte, quien es un vagabundo que se cree un caballero y cuya pretensión no es más que una noble reivindicación de la dignidad humana.

La película “Tiempos modernos”, obra genial de Charles Chaplin, es una alegoría consecuente por la actitud humanista e identificación del autor con las grandes mayorías oprimidas, válida para los tiempos modernos en los 30 y para los tiempos contemporáneos en el actual Siglo XXI. Y es un instrumento legítimo para que la humanidad se mire en ese espejo y se analice desde la perspectiva de lo humano.

AUDITION

Título original: Odishon

Guión: Daisuke Tengan
Basado en una historia de: Ryu Murakami
Fotografía: Hideo Yamamoto
Música: Kôji Endô
Reparto: Ryo Ishibashi (Shinghearu Aoyama), Eihi Shiina (Asami Yamazaki), Tetsu Sawaki (Shigehiko Aoyama), Jun Kunimura (Yasuhisa Yoshikawa)

Tras el infortunio y la soledad, la necesidad de encontrar a la persona adecuada con la que compartir la vida se vuelve una obsesión. Así inicia esta historia en la que un cuarentón japonés, ayudado por un amigo cuya profesión se lo permite, decide organizar una aparente selección de actrices para un filme con el propósito de tropezar forzadamente con quien busca.
Una joven de apariencia frágil es la elegida, dulce y de bellas cualidades, le hacen creer que nuevamente hay una oportunidad en su vida tras el dolor, aún cuando nada es lo que parece… la ingenuidad, la soledad y el misterio que la envuelve la hace más atractiva aún, pero…
El inicio de la proyección presenta este escenario, casi romántico y por sobre todo triste, y poco a poco a través de un buen manejo del suspenso, lo insano aflora en todas sus magnitudes. La relación que cae en lugares comunes, previsibles y pasivos, va dando paso a una dependencia enfermiza que evoluciona y revela elementos que distan mucho de representar a la perfecta mujer inicial.
Las escenas turbulentas se encadenan ante la mirada atónita del espectador, el cual se sentirá perdido y desorientado e intentando refugiarse de esa confluencia de olas subjetivas que avecinan: alucinaciones, sueños, presentimientos y lo acaecido revuelto en la mente del protagonista; (des)ordenado progresivamente en fragmentos cada vez más sórdidos, ocultos que (des)aportan información al receptor, trasladándole de la certidumbre a la incertidumbre con una permanente angustia de confusión en donde cuando piensa que ya conoce el devenir de los acontecimientos, resulta que ha errado.
Finalmente, todos estos hechos convergerán en un desenlace en el cual el público, todavía mareado, tendrá que extraer sus propias conclusiones.
La persona que acuda a ver esta obra no puede dejar de apreciar lo que se oculta tras sus imágenes, más si cabe en las descarnadas. Pese a la necesaria truculencia de contadas escenas, en base al desarrollo del argumento, por las cuales algunos podrían escandalizarse y calificar de virulenta y salvaje la cinta, nadie puede quedar impávido a la genialidad del director y su audición.

Trailer de Audition

Pinche aquí para ver el vídeo

Este artículo trata sobre la novela de Anthony Burgess, publicada en 1962.

La naranja mecánica, novela de Anthony Burgess, publicada en 1962, fue adaptada por el genial cineasta Stanley Kubrick en la película homónima aparecida en 1971.
Alex, el protagonista, es un adolescente que, junto con sus amigos, se dedica a la ultraviolencia (palizas, abusos, violaciones y humillaciones de aquellos más débiles y de otros grupos de adolescentes, a las drogas y, sobre todo, a la música clásica, principalmente del “lovely, lovely” Ludwig van Beethoven.
Alex, líder del grupo, induce a sus amigos a atacar una casita de las afueras de la ciudad, donde vive un escritor con su esposa y descubre que el dueño de casa escribe una novela titulada La naranja mecánica. Rompe el manuscrito y violan a la esposa del escritor en presencia de éste.
Luego, Alex ingresa en la residencia de una vieja mujer a la cual termina asesinando junto a una escultura en forma de pene. Las dificultades internas del grupo hacen que, a su salida de la casa, sea golpeado por uno de sus propios compañeros con una botella de leche y así es atrapado por la policía, arrestado y encarcelado en una brutal prisión donde es acusado de matar a otro recluso.

Se define, en la historia, que sea sometido a un tratamiento experimental denominado “técnica de Ludovico”, en el que se trata de condicionar su respuesta a la violencia mediante una técnica pavloviana de asociación, exponiéndolo a películas de video muy violentas y de corte sado-sexual mientras se le droga con sustancias que le producen efectos repulsivos. Accidentalmente, la banda de sonido de una de las películas es la Novena Sinfonía de Ludwing van Beethoven, con lo que también a partir de entonces la música clásica queda asociada en su mente a un gran sufrimiento.

El programa surte efecto, pero a pesar de recuperar la libertad ambulatoria, la vida de Alex ha quedado totalmente destruida. Sus padres, que han alquilado su habitación a un inquilino, le rechazan; sus antiguos compañeros de tropelías han sido contratados como fuerzas del orden; y el escritor, su antigua víctima, a cuya casa recurre en busca de auxilio, le secuestra con un grupo de personas, torturándolo por exposición a la Tercera Sinfonía de Otto Skadeling. El objetivo de estas personas -opositores políticos al gobierno- es provocar en Alex un tormento suficiente para que busque suicidarse; de esta forma la “técnica de Ludovico” seria absolutamente rechazada por la opinión pública y ante la proximidad de los comicios, el gobierno se vería desacreditado y perdería la contienda electoral.
Efectivamente, Alex intenta suicidarse pero no lo consigue. Es rescatado, internado en un hospital y mediante ayuda médica y a través de la hipnopedia profunda, es liberado de los efectos que le ha causado la “técnica de Ludovico”. El Ministro del Interior, promotor político de tal tratamiento, aprovecha la ocasión para brindar una conferencia de prensa junto a la cama de Alex, en la que exhibe su curación como un éxito del gobierno e informa que el escritor opositor ha sido arrestado. Alex recibe allí mismo en obsequio un estéreo y le dan a elegir entre varias piezas de música clásica; elige la Novena Sinfonía de Beethoven y al escucharla con deleite, comprende que ha sido curado.
La película de Stanley Kubrick se caracteriza por extremas audacias de experimentación en términos de imagen: acelera o ralentiza el tempo narrativo, utiliza la composición en friso durante la escena en que la pandilla actúa como conductores suicidas, utiliza a veces la cámara manual y el gran angular, recurre al collage con fragmentos de películas antiguas, en algunas ocasiones anticipando la técnica del videoclip, engendra el género de las películas ultraviolentas, que tanto juego daría posteriormente, y utiliza la innovadora música electrónica en el recién creado sintetizador Moog.
La estética de la película, así mismo, es rompedora en el lenguaje y en el ímpetu desmitificador y cínico que trasluce. El mensaje moral, si lo tiene, se encuentra en el discurso del párroco de la prisión tras la humillación del protagonista reeducado. También hallamos un mensaje de índole moral/social al comienzo de la película donde Alex y sus amigos encuentran al viejo borrachín y este los enfrenta.
Kubrick adapta el guión de la edición estadounidense de la novela que carecía del último capítulo en que el protagonista se regenera. La película es tan violenta que el cineasta prohibió que se estrenase en Inglaterra, donde vivía, pero aún así dio origen a imitaciones insensatas por parte de bandas ultraviolentas. Hasta hoy, esta película es valorada como una obra de culto para los jóvenes de distintas generaciones.

La famosa estrella del rock americano Nick Rivers (Val Kilmer) llega a Alemania del Este para presentarse en un importante festival cultural. Este hecho, sin embargo, forma parte de un plan cuyo fin es distraer la atención del resto del mundo y reunir nuevamente a ambas alemanias bajo el yugo oriental.
El cantante entonces se enfrenta a los temibles altos mandos del país en una carrera contrarreloj en la que se relaciona con  Hillary Flammond (Lucy Gutteridge) quien busca liberar a su padre quien está obligado por el gobierno a construir la súper arma definitiva, la Mina Polaris.
Esta comedia de espionaje, a través de una seguidilla de situaciones absurdas, inimaginables y con entretenidos gags se convirtió, en su género, en un material de culto. Val Kilmer comenzó su carrera con este alocado film.

Jean-Jacques Annaud

Jean-Jacques Annaud en 1992 llevó al cine la novela de la escritora francesa Marguerite Duras. “El amante”, premio Goncourt de 1984, obra que constituye el final y el resumen de la larga y rica vida de la escritora, protagonista número uno del mundo intelectual francés.

 
Esta breve obra relata la historia de amor que vive una niña blanca de quince años de edad y un joven y rico comerciante chino, que se conocen en un barco que atraviesa el río Mekong en el Vietnam dominado por el colonialismo francés de finales de los años veinte. Entre ellos nace un amor obsesivo y desenfrenado que es aplacado por la hostilidad familiar, las diferencias culturales y los convencionalismos sociales que impiden que prosiga esta pasión.  
Esta intensa historia, aparentemente simple, ocupa el primer lugar de la escena, sin embargo el relato nos descubre poco a poco la historia de una familia compuesta por la madre, joven viuda y maestra francesa en la colonia, y sus tres hijos, dos varones y una la joven, esta última protagonista y narradora a la vez de la acción.
Como en varias de sus obras, Duras detalla vívidamente ambientes donde nació y creció: la Indochina francesa; sin ser una autobiografía se refleja la historia de los años difíciles de su adolescencia, con paisajes que adornan esta historia.
“El amante”, en el filme, mantiene la estructura del escrito, no respondiendo a las estructuras del relato tradicional sino, que, como la misma autora del libro lo describe, es “una serie de comentarios unidos por un misterioso eje interior, que giran en torno a unas viejas fotografías”.
Marguerite Duras, y Annaud en su interpretación, consiguen que esta obra cobre nuevos valores al tratar potentes temas de índole social, como lo son la situación colonial, el racismo y la corrupción administrativa en el Vietnam colonial, lo que lo convierte en un atractivo registro de un mundo no del todo conocido para occidente.
La película franco-británico-vietnamita contó con la actuación de la joven actriz Jane March y el actor oriental Tony Leung Ka Fai.
 
She gave her innocence, her passion, her body.
The one thing she couldn’t give was her love.

The Shining, 1980

En un hotel, en temporada baja, nace la idea de Stephen King que dio nacimiento a la novela de terror “El resplandor”, la que empieza a escribir en 1975 y publica en 1977. El brillante director Stanley Kubrick, tras revisar el manuscrito que aún no se encontraba a la venta, decidió realizar la adaptación de la obra de este joven escritor desconocido aún en esos años.
El nombre del protagonista ya estaba elegido casi antes de existir el propio proyecto, era ni más ni menos que el de Jack Nicholson. A la Warner y al propio director les habían entusiasmado sus interpretaciones en “Alguien voló sobre el nido del cuco” (1975) y “Chinatown” (1974). Stephen King fue el único en mostrarse disconforme con esta elección, aunque nunca fue de peso su opción al respecto.

Danny Lloyd fue el pequeño elegido para representar el papel del menor del filme, seleccionado de entre 5000 aspirantes. El actor Scatman Crothers consiguió el papel de Dick Halloran gracias a que, tras leerse el guión, pidió a Nicholson (trabajaron juntos en “Alguien voló sobre el nido del cuco”) que le recomendara ante el director. Kubrick no muy convencido le contrató.
Kubrick en este filme se propuso rodar la esquizofrenia, representarla, y sin duda lo logró. El relato de Stephen King fue trasladado a la pantalla con una narración inquietante y, por momentos, angustiosa. El poder de la imagen consigue una atmósfera opresiva, con algunas de las escenas más impactantes del cine de terror de las últimas décadas. El mérito es aún mayor cuando, a diferencia de lo habitual en el género, el director no se refugia ni un segundo en la oscuridad para provocar miedo o tensión. Como muestra: pocas veces en la historia del cine una simple escena como un niño montado en un triciclo, paseando por los pasillos de un hotel, provocó un suspenso tan extraño e inquietante.

La película

Jack Torrance (Nicholson) es contratado para mantener el hotel Overlook durante los meses de invierno en los que permanece vacío. Junto a su hijo Danny, que tiene un extraño poder de premonición llamado “resplandor”, y su mujer Wendy, se trasladan al hotel, situado en medio de la nada.
La idea de Torrance es escribir su novela al tiempo que cuida de las instalaciones durante esos largos y solitarios meses, pero desde su llegada al hotel, Jack comienza a padecer inquietantes transtornos de personalidad, al mismo tiempo que en el lugar comienzan a suceder diversos fenómenos paranormales
Con la llegada de la nieve, la carretera que les comunica con la ciudad más cercana es cortada, y en medio del aislamiento terroríficos poderes empiezan a desatarse en las habitaciones del hotel y en la mente del propio Jack, que irán trastornándolo hasta convertirlo en un psicópata.

Al final, tras una atormentada persecución a su propia familia, Jack acabará muerto en el laberinto de setos totalmente congelado. Dicho laberinto –según el escrito original de King- debía tener formas de animales que cobraban vida, sin embargo dado las posibilidades de la época no se pudieron realizar los efectos especiales que se requerían. Wendy y Danny lograrán escapar.

La película finaliza con una foto en blanco y negro de 1921 donde aparece Jack con la enigmática sonrisa que caracteriza a Nicholson. Tras los créditos finales se escucha a los fantasmas aplaudiendo y murmurando en los vacíos pasillos del hotel…

El Resplandor

Pinche aquí para ver el vídeo