En 1985, con sólo 10 años, Pablito Ruiz (como era nombrado entonces) se dio a conocer con canciones para preadolescentes como Mi chica ideal, para luego dar paso a otros éxitos tales como Oh! Mamá, Cachetada, Océano, Linda como un ángel, Lady Lady y La malagueña, canción reeditada del mariachi al género pop, entre otras.

Si bien sus letras no se caracterizaban por su osadía lingüística ni por convertirse en un profundo alegato sobre las pasiones y desengaños de la infancia, debemos recordar que se trataba simplemente de un niño cantando para niños (o niñas, en el mejor de los casos).

En esa época el dinero entraba a raudales, gracias a la candidez de su rostro y voz combinada con el furor del “children pop” de aquel momento. A esa altura de los 80´s, dado el impulso de la economía, el nuevo escenario permitía nuevos nichos de mercado inexplorados hasta entonces, lo que fue rápidamente descubierto por los representantes artísticos y los sellos discográficos que supieron explotar la mina de oro que podía ser el pop para niños y adolescentes.

Así en toda América Latina, pudimos ver grupos y solistas que acapararon los mercados con su contagiosa música y Argentina no se marginó de este boom, por lo que en 1984 presentó su apuesta: un niño cantor con el mismo nombre y apellido que el pintor Picasso, Pablo Ruiz, aunque en realidad su verdadero nombre era Pablo Coronel.

Pablito Ruiz–niño vendió discos y cariño a sus fans que al igual que con Luis Miguel y otros ídolos de la década, le dedicaban besos, abrazos y hasta concursos de “un dia con…”, todo para conocer a la persona detrás del cantante partiendo de la premisa de que era el mejor, el sueño de toda mujer (o niña, en realidad). De esa época es el spot de Yogu Up, donde tras sorprender a una embobada fans, finaliza bebiendo esa ochentera bebida-yogurt.

Del ’87 al ’97 Pablito Ruiz grabó siete discos, entre los que se cuentan “Pablo Ruiz”, “Un Ángel”, “Océano”, “Espejos azules”. A principios de los ’90, cuando el cantante contaba con unos quince o dieciséis años, decidió irse a un mercado mayor: México, a fin de engrosar su lista de fans y una cuenta bancaria que iba engordando proporcionalmente.

En 1991, tras un receso mediático, retornó con un nuevo disco cuya canción más conocida fue Paraíso prohibido. Ya en 1995 y cada vez con menos fama, sus singles más escuchados fueron Anoche no dormí y en 1997, Lola y Si tú te vas. En lo sucesivo participó además de otros discos y del programa de la diva argentina Susana Jiménez, en su sección El Circo de los Famosos o El Circo de las Estrellas.

El otrora niño prodigio archivó su carrera como cantante y se dedicó a la actuación y comedia musical en estos últimos años. Trabajó en obras como “Anastasia”, “La Cenicienta” o “La Máscara del Zorro”. Sin embargo, al igual que los zapatos de plataforma, los pantalones Oxford o los políticos latinoamericanos todo vuelve en la vida, más aún en esta época de revisionismo retro. Pablito decidió relanzar su carrera vocal con un nuevo disco, bajo el mismo sello que Cristian Castro y grabado en México, Nueva York y Los Ángeles.

Para el año ’97, sin embargo, las cosas ya no eran las mismas. Pablito rondaba poco más de veinte años y sufrió un cambio de voz en forma más brusca de lo normal. Su sello de entonces decidió lavarse las manos. De un momento al otro, Pablito Ruiz ya no tenía carrera y tampoco cuerdas vocales.

Cuando Ruiz, bordeando los treinta años de edad, se disponía a dar la noticia bomba al mundo, un escándalo se le adelantó por escasas horas. Un programa de TV mexicano mostró unas presuntas fotos en las que el cantante aparecía travestido, junto a otros acompañantes vestidos a tono.

Las imágenes y los titulares recorrieron el mundo: “Pablito Ruiz se hizo travesti”. Al mirar las fotos parecía imposible dudar sobre la identidad del cantante. Sin embargo, tanto el sello como el artista negaron muy presurosos el vínculo. Al parecer se trataba de un travesti muy conocido en el ámbito cultural mexicano, idéntico a Ruiz.

El escándalo le dio una presencia mediática importante, en Chile sin ir más lejos los ya establecidos canales de farándula (inexistentes cuando se conoció Ruiz en Chile), analizaron la información y lo invitaron a responder las dudas. Memorable fue su participación en un estelar del canal Chilevisión, donde una deslenguada Geisha lo invitó a salir del clóset frente a cientos de fans que la abuchearon.

Hoy, más under, Pablo Ruiz ha venido a Chile a revivir sus éxitos como icono kitsch en la mítica discoteque Blondie donde fue la cara visible de un disco cuyo compilado incluye a artistas tan o más curiosos como René de La Vega.

Pablo Ruiz (1985)
1: Bongiorno, my love, te amo
2: Mi locura especial
3: Todo por tu amor
4: El amor esta de moda
5: Te amo, te amo
6: Sol de verano
7: Mi chica ideal
8: Somos jóvenes
9: Rock de la inquietante Susy
10: Por favor ámame

Un ángel (1987)
1: Silbando por la calle
2: Orgullosa nena
3: Lady lady
4: Los juegos del amor
5: Otro momento, otro lugar
6: Linda
7: Oh! mamá
8: Linda
9: Quédate
10: Nena estoy enamorado
11: Cachetada

Océano (1989)
1: Océano
2: Soñando bajo la lluvia
3: La chica de la tele
4: Este mundo
5: Mi corazón se fue
6: Quiero tu amor
7: Hawaii
8: Ámame pronto
9: Hey Valentina
10: Papá
11: Malagueña

Espejos azules (1991)
1: Manías
2: Nuestro amor
3: Espejos azules
4: Fantasmas en tu habitación
5: Pregúntale a la luna
6: No sé qué pasará
7: Loco por ti
8: Carcajadas
9: Manías RMX

Irresistible (1993)
1: Por ella
2: Amo a las chicas
3: El rincón prohibido
4: Aprendiendo a vivir
5: Porqué te fuiste con él
6: Aventura
7: Me gusta verte bailar
8: Evangelina
9: A mi madre
10: Irresistible
11: Por ella (INSTRUMENTAL)
12: El rincón prohibido (INSTRUMENTAL)

60/90 (1995)
1: Presumida
2: Muñequita
3: Anoche no dormí
4: Lucy
5: Maybellene
6: Johnny ven
7: Chica alborotada
8: Quiero ser libre
9: La plaga
10: Medley 60/90 (popurrí)

Aire (1997)
1: Aire
2: Lola
3: Te quiero junto a mí
4: La mar de tu piel
5: Cuerpo a cuerpo
6: Morir de pie
7: Amando amando
8: A flor de piel
9: El viento me lleva a tu corazón
10: Regresa a mi corazón
11: Gota a gota
12: Lola RMX

Was it something that i didn’t say? (1999)
1: Conmigo volarás
2: The love of your life
3: Lost without you
4: All that you want
5: I won’t let you down
6: I can’t get over you
7: El deseo de ti
8: Just let me go
9: Agua de manantial
10: Por ti
11: Just for tonight
12: Indecible
13: Was it something that i didn’t say?
14: El deseo de tí (grupera)

Jamás (2001)
1: Hablame de amor
2: Obsession
3: Jamás
4: Tell me
5: No me tortures
6: A cambio de tu amor
7: I take it back
8: Yo dudo que con él
9: Give me a chance
10: El amor que no te di
11: Mentiras
12: Yo no quiero ser el último
13: No me tortures (salsa)
14: Yo dudo que con él (grupera)
15: Jamás (grupera)

Necesito tus besos (2003)
1: Amor primero
2: Laberinto
3: Necesito tus besos
4: Bendita vida
5: Un sol para los chicos
6: ¿Qué tienes tú?
7: La voy a buscar
8: Agua de lluvia
9: Quiero que vuelva
10: Arréglame el corazón
11: Quisiera poder olvidarme de ti
12: La oportunidad
13: Arrepentimiento

Demasiado tarde (2005)
1: Alguien como tú
2: Prefiero perderte
3: Demasiado tarde
4: Que te ah dado él
5: Quisiera
6: Tras de mí
7: Hoy
8: Ayúdame
9: Te quiero, te quiero
10: Baila conmigo
11: Demasiado tarde (grupera)
12: Alguien como tú (grupera)
13: Demasiado tarde (salsa)

En sus apariciones por la pantalla, Topo Gigio, conversaba con los televidentes, contaba innumerables historias y cantaba canciones tales como “A la camita”, “Lo dije yo primero, lo dije yo primero”, “Quiero ser como mi papá”, “En un bosque de la China”, “Esa es mi mamita linda”, “Hasta mañana”.

Según la ocasión, Topo Gigio, usaba distintos atuendos de doctor, chino, oficinista y otros.

El ratoncito era pacífico y oraba constantemente a “San Peppino”; estaba embrujado con Birigitte Bardot a quien admiraba profundamente, lo que compartía con su contraparte humana que dialogaba con él en los programas y que cambió constantemente.

Topo Gigio que inició sus apariciones en pantalla vistos en blanco y negro; de él se hicieron muñecos para su comercialización y se comunicó en varios idiomas con los niños que lo seguían en los distintos continentes. En español su nombre confundía a los más pequeños pues el Topo-Ratón era sólo esto último: un roedor de ciudad.

La Cuatro Dientes nació en 1980, en el famoso programa de televisión “Sábado Gigante” animado por Don Francisco (Mario Kreutzberger). Representaba a una mujer chilena popular, cuyo nombre se desprendía de una escasa dentadura que lucía sonriente y que se acompañaba de un particular look que incluía pelo rubio, minifalda roja, blusa a lunares, calcetas y zapatos de plataforma.

Poco a poco La Cuatro Dientes ganó el cariño de la gente, logrando gran popularidad en el país donde incluso fue invitada en varias ocasiones al Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar.

El simpático personaje de esta multifacético artista, además de relatar sus historias de barrio, siempre manifestaba pretensiones de noviazgo con los animadores que interactuaban en su rutina: en Sábado Gigante, con Don Francis (como llamaba a Don Francisco); y en el festival de Viña del Mar con Anthony, refiriéndose a Antonio Vodanovic, animador que por años estuvo presente en el certamen.

Clásica es su interpretación de la canción “La Copucha”, tema compuesto por el fallecido cantautor chileno Nicanor Molinare, que ironizaba en coplas la realidad nacional.

Debido a la internacionalización de Sábado Gigante, transmitido por la cadena Univisión, La Cuatro Dientes trascendió las fronteras de Chile y llegó a un público cercano a los 80 millones de telespectadores. Sin embargo, dado que el programa contaba con el auspicio de una pasta dental, se decidió cambiar su nombre al de “La Cuatro”, puesto que no fue bien visto el hecho de que una desdentada mujer se asocie al producto que ahí se publicitaba.

En el año 2006 la “Cuatro” ganó el Premio al Mejor Personaje Humorístico de la historia de Chile en el programa “Chile Elige”, transmitido por Televisión Nacional de Chile (TVN), en el marco de las actividades del Bicentenario.

Hoy, tras 27 años en escena, La Cuatro se luce todas las semanas en el programa que la vio nacer, encantando a todos con un humor que, aunque pícaro, mantiene la inocencia que por años la convirtió en uno de los personajes más queridos de la televisión chilena.

A los 18 años, Lee retornó a los Estados Unidos debido a una solicitud echa por su padre que quería liberarlo de la serie de líos en que el joven se metía. Así comenzó su vida de estudiante de la Universidad de Washington, en Seattle, donde él mismo trabajando como asistente de cocina en un restaurante chino financió su carrera de filosofía.
Luego descubrió que podía traspasar su disciplina y comenzó a impartir clases de boxeo chino en la universidad; además conoció en ese entonces a Linda Emery, quien en 1963 se convirtió en su esposa.

Luego del matrimonio y con la conformación de su escuela oficial de artes marciales, Lee comenzó a tener problemas con la comunidad china residente, quienes se negaban a traspasar las enseñanzas de ese arte a occidentales. Sin hacer caso a lo anterior, en 1964 asistió como invitado a la exhibición del fundador de la Tempo Karate en Estados Unidos, Ed Parker, demostrando habilidades que dejaron sorprendidos al público asistente, entre ellos a un productor de TV llamado William Dossier quien le solicitó que se presente a algunos castings para sus proyectos televisivos. 
Ya en 1966, Bruce Lee aceptó un papel ofrecido para la serie televisiva “The Green Hornet” o “Avispón Verde”, donde su rol secundario de un chofer japonés llamado Kato, le permite lucirse al demostrar una innovadora técnica de lucha desconocida para el público estadounidense, acostumbrado a peleas de boxeo. Para sorpresa de todos, la serie que terminó al año siguiente, tuvo similar éxito en Hong Kong.
En 1967, para poder financiarse Lee retomó sus proyectos de escuela de Kung Fu y adiestró a muchas personalidades del cine. Hizo además una gran amistad con Dan Innosanto, un americano de ascendencia filipina, experto en el arte del palo corto llamado Kali.
Otra serie que se le ofreció fue “Kung Fu”, participando activamente en la idea original de ésta, sin embargo se designó a David carradine para protagonizarla lo que consideró Lee una discriminación a su ascendencia china lo cual no fue bien visto por los americanos. 
Si bien Bruce lee se hizo conocido por la serie televisiva el Avispón Verde, el salto hacia la pantalla grande fue recién en 1971. Estando en Hong Kong, el productor Raymond Chow, de la Golden Harvest ofreció a Bruce la participación en uno de sus proyectos cinematográficos cuyo film se llamó Big Boss (Karate a muerte en Bangkok o El Gran Jefe), el cual fue de inmediato un tremendo éxito en Hong Kong acopiando beneficios de millones de dólares. Bruce Lee se ganó el top de la popularidad china quienes lo consideraba un héroe nacional.
El mismo año participó de su segundo film de artes marciales llamado “Fist of Fury” (Furia Oriental o Puños de Furia) donde se explotó la supuesta superioridad del Kung Fu sobre el Karate japonés, como una forma literal de explotar el sentimiento de inferioridad de los chinos frente a los japoneses. El éxito de este film superó toda expectativa y Bruce Lee se transformó en una consolidada estrella de films de artes marciales.
En 1972, como actor, guionista, co-productor y director, participó en el film “The Way of the Dragon” (El furor del Dragón o el Camino del Dragón) filmado en Roma junto a Chuck Norris. El film fue otro éxito de taquilla dentro del circuito chino. Esta película es considerada un clásico de las artes marciales y la lucha en el Coliseo es una de las más memorables de la filmografía de Bruce Lee, la que se conoció como el combate del siglo. Como dato curioso en el tema central de la banda sonora, él se encargó de tocar la percusión.
Lee trabajó en una película que quedaría inconclusa llamada “Game of Death” (Juego de la Muerte) junto a sus amigos y discípulos Dan Inosanto y Kareem Abdul-Jabbar, de la cual están rodados sólo 11 minutos.
Una nueva oferta coparticipativa entre una productora americana y china para desarrollar la película “Enter the Dragon” (Operación Dragon) le fue ofrecida a Lee, quien aceptó con entusiasmo como codirector de las escenas de lucha y actor principal. En esta película Bruce Lee se granjeó una fama póstuma entre el público estadounidense y es considerada la obra cumbre de Lee. Fue finalizada en abril de 1973, 4 meses antes de su muerte y exhibida un par de meses después de su deceso con un éxito de taquilla abrumador.
El 20 de julio de 1973, Lee en la cumbre del éxito, muere en misteriosas circunstancias a los 32 años en un apartamento en Hong Kong. A las 14 horas de ese día, en el departamento de su amiga  Betti Ting Pei, Lee sintió un profundo y agobiante dolor de cabeza que le hizo tumbarse en la cama y Betti, según su versión que es considerada como oficial, le proporcionó un analgésico. Lee se sumió en una profunda inconsciencia de la cual ya no volvería, entró en estado de coma. Fue llevado a un hospital, en el que ingresó ya fallecido.
Actualmente todavía se especula sobre las causas de la muerte de Bruce, pues no hay un diagnóstico certero que despeje las dudas. La más real es que pudo haber muerto por una complicación derivada de un ataque de epilepsia, efecto que sólo después de 20 años de su muerte la medicina parece haber descubierto. Filkins, un médico de gran prestigio afirmaba que la explicación oficial en torno a la causa de la muerte de Lee es errónea, puesto que en las reacciones alérgicas a los fármacos se suelen presentar indicios como hinchazón irregular en el cuello o insuficiencia respiratoria. En vez de eso, Filkins piensa que Lee murió a causa de un síndrome de muerte súbita inesperada, derivada de la epilepsia Sudep, síndrome que no se identificó hasta 1995.
Lee tenía casi 33 años y los médicos aseguraron que su cuerpo -admirablemente formado- no representaba más de 18 años biológicos. Su muerte sorprendió al público de Hong Kong y en un principio se atribuyó como falsa la información.
Se ha sabido que antes de su muerte Lee había sufrido unos extraños desmayos anteriores de los que se había recuperado. La autopsia de Lee demostró que su cerebro se había inflamado masivamente comprimiéndose dentro de la caja craneana.
El funeral que siguió fue apoteósico en Hong Kong; la multitud de admiradores fue tan impresionante que el ambiente donde estaba el ataúd de Lee era sofocante. Fue enterrado en Lake View en Capitol Hill, Seattle, EE.UU. Tuvo con su esposa Linda Emery (ahora conocida como Linda Lee Cadwell), dos hijos: Shannon Lee y Brandon Lee. Este último, al igual que su padre, falleció en un extraño accidente en el rodaje de la película The Crow (El Cuervo)
Sus participaciones cinematográficas, su carisma y la influencia lograda en el mundo occidental, contagiaron la pasión por las artes marciales a los habitantes de Estados Unidos, Europa e incluso en Latinoamérica. Una gran cantidad de seguidores de todo el mundo disfrutaron de su técnica, que dejó una huella que aún perdura en el tiempo.

Películas
• The Big Boss (“El Gran Jefe”, “Karate a muerte en Bangkok”) (1971)
• Fist of Fury (“Puños de Furia”, “La Conexión China”, “Furia Oriental”) (1972)
• Way of the Dragon (“El Camino del Dragón”, “El Regreso del Dragón”, “El furor del Dragón”) (1972)
• Enter the Dragon (“Entra el Dragón” u “Operación Dragón”) (1973)
• Game of Death (“Juego de la Muerte” o “Juego con la Muerte)- inconclusa (estrenada en 1978).

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Escenas de la pelicula “Fist of Fury”

Esta serie infantil de los 70´s se tituló originalmente “Seigi no Asiru Mono Gekko Kamen” y fue conocida con múltiples denominaciones como Moonlight Maskman, Moon Mask Rider y Gekko Kamen. En 1958 el japonés Kohan Kawauchi creó el original Capitan Centella, una película para televisión en vivo, destinada a competir con los héroes occidentales Superman y Batman.

El éxito del film fue increíble: pronto un libro con más historias del primer superhéroe de

la TV japonesa fue publicado y al año se estrenó una segunda película del ya famoso Capitán Centella, quien estableció el estándar para los posteriores “competidores” salvadores del mundo.

La televisión hacia esos años era nueva en Japón, así que muchos niños que no tenían TV se reunían en las casas de sus amigos o vecinos; era tal la admiración por el Capitán, por lo que compraban capas, visores, máscaras, pistolas y jugaban a ser Centella en el patio de la escuela y patios traseros. Como todo superhéroe, eso sí, los niños japoneses (y también los estadounidenses), tuvieron accidentes cuya responsabilidad se les atribuyó al Capitán Centella y sus mortales técnicas.

El slogan de nuestro héroe: “No odies ni mates, perdona a tu enemigo”, provocó muy favorable reacción en el público y en 1970 Capitán Centella fue adoptado para la conocida serie animada, que no solamente conquistó a la teleaudiencia del Japón sino también causó furor en occidente. Más de 30 países la convirtieron instantáneamente en la favorita de los niños y su música, creada especialmente para la serie, fue grabada en un longplayque vendió más de un millón quinientos mil dólares sólo en los primeros tres años.

Esta serie cuenta las aventuras de un súper héroe enmascarado llamado Centella, el cual viste un traje de blanco con capucha blanca, unos visores como anteojos y un casco también albo con una media luna dorada al frente. Sus principales armas son unas estrellas que lanza al estilo ninja, un látigo, un par de pistolas y unas medialunas que lanza como un boomerang.

Su capa la utiliza muchas veces como escudo protector contra gases u objetos que le son lanzados en su lucha contra la adversidad; su vehículo es una motocicleta blanca con un diseño especial, el frente se asimila a un faro con una especie de cúpula tipo bala de color rojo.

Sus principales enemigos son el Doctor Dogma,

La Garra de Satán, El Dragón y Godán, quienes junto a un sinnúmero de otros personajes ofrecen la entretención y la aventura capítulo tras capítulo.

La ambientación de este anime es oscura, tal vez porque centella sólo aparecía de noche ya que de día es un inspector de una agencia de detectives llamado Juro Iwai. Cada vez que centella luchaba contra sus enemigos, este fondo oscuro cambia a diversos colores sicodélicos al estilo de la moda de los años 60´s y, los momentos en que afortunadamente se imponía sobre sus enemigos, comenzaba a sonar el tema principal de la serie y su famoso eslogan: “Yo soy Centella, el defensor de la justicia; has hecho daño al mundo, así que te las verás conmigo”.

También, como buen superhéroe cuenta con un cómico asistente llamado Gorohachi Fukuro, su amigo el inspector Matsuda, y los niños Shigeru, Kaboko y Fujiko que ignoran la identidad pero que admiran al enmascarado.

La serie, fue exhibida entre el 24 de febrero de 1958 y el 5 de julio de 1959, con un total de 130 ó 131 capítulos divididos en cinco segmentos

Coincidiendo con la serie de anime fueron producidas algunas películas donde el protagónico fue interpretado por Fumitake Omura. Todas las películas (las cuales están en blanco y negro, como las series de TV) son básicamente adaptaciones de las historias del programa y fueron filmadas en “ToeiScope”.

Una nueva película fue producida en 1981 y denominada Tokusatsu Moonlight Mask, a cargo de Purumie International/Herald Enterprises y distribuida por Nippon Herald Pictures. Fue lanzada al cine el 14 de marzo de ese año como respuesta japonesa al Llanero Solitario (lanzada en el mismo año). Esta versión actualizada tuvo un enorme éxito en las taquillas japonesas. Daisuke Kuwahara  interpretó a George Owara (el nuevo alter ego de Centella) y el resto del elenco estuvo conformado por Sue Shihomi, Daijiro Harada y Takayuki Godai. Ninguno de los personajes originales apareció.

En 1999 surgió la serie gag-anime, una versión cómica del héroe enmascarado producida por Tokyo Movie Shinsha y transmitida por TV Tokyo del 3 de octubre de 1999 al 26 de marzo de 2000, con un total de 25 episodios. El tema de inicio es una versión actualizada y fue cantada por COA.

Capítulos

Serie “

La Garra de Satán” (Episodios 1-13)
En esta serie

La Garra de Satán es una presencia maligna y perversa que con distintas apariciones impone sus designios, no dudando en matar cruelmente a sus lacayos cuando fallan en su objetivo; al final adopta una apariencia perfectamente demoníaca en su enfrentamiento con Centella.

Serie “Rey Kong” (Episodios 14-26)

Inicia prometedoramente con la fuga de una gran cantidad de presos sentenciados a muerte o cadena perpetua gracias a la ayuda del Doctor Dogma, y la aparición de un gorila gigante manso y amistoso que se gana la simpatía de los niños del Japón y que el Doctor Dogma mata y posteriormente lo revive como un monstruo gigante.

Serie “Colmillo de Dragón” (Episodios 27-39)

La serie se centra en la constate búsqueda por parte de El Dragón y su secuaz Godam de los cristales H-O, pequeños cristales catalizadores de asombrosas propiedades, que pueden ser utilizados para hacer un gran bien a la humanidad purificando el agua contaminada y convirtiéndola en oxigeno e hidrógeno o como arma mortal, provocando la inmediata deshidratación de los animales y plantas en su cercanía.

Clásico infantil fue “Hugo”, programa animado por Ivette Vergara y que trataba básicamente de un espacio enfocado en un juego interactivo. La gente se comunicaba con el canal y luego a través de su teléfono jugaba en diferentes etapas. Otros programas interactivos de éste tipo, eran “Sega Acción” con Jennifer Warner y “Nintendo Manía” con Julián Efelbein.

Entrados los 70´s aparecieron varios programas que incorporaron como novedad al público infantil en el estudio, lo que generaba un ambiente más interactivo y dinámico. De esta época son clásicos como “Los Bochincheros”, “La Cafetera Voladora” y “La Tía Patricia” junto al Buzón Preguntón, quien era interpretado por el gran Florcita Motuda.

El primero de ellos, Los Bochincheros, fue emitido entre los años 1976 y 1983 en el actual canal Chilevisión. Su conductor era el empresario radial Domingo Sandoval, el “Tío Memo”, quien junto a su esposa María Pastora, la “Tía Pucherito”, entretenían de lunes a viernes a los niños chilenos. Figuraban también personajes como Huichipirichi, los payasos Piolín y Tiquitaca y una pequeña chancha llamada Piggy.

Memo Bochinche además de su labor televisiva, desarrolló una serie de producciones discográficas con canciones del programa como “Somos los bochincheros” (1976), Las palabras mágicas (1977) y La colita es mía (hacia 1980). Canciones famosas y recordadas fueron Eco, Hola Don Pepito, Hola Don José, El Auto de Papá, Mi Ombliguito, Manolito Zapatero, entre otras, que se hicieron muy conocidas por los niños de entonces y aún están presentes en el inconsciente colectivo.

Uno de los segmentos más recordados del programa “El Show de Los Bochincheros” lo constituyó el Club de Dadores Voluntarios de Chupetes, campaña que llevó adelante el programa con el objetivo de que los niños mayores de un año dejaran en forma voluntaria la costumbre de usar chupete, por las deformaciones que este artículo provocaba en su dentadura.
El Tío Memo considera su programa parte de la memoria colectiva nacional por su carácter de programa para niños “cuya única pretensión fue hacerlos felices, en vez de enseñarles y meterles cuestiones”. Lo anterior, se reafirma dado que en el estudio, cada vez que finalizaba una canción, el Tío Memo alentaba al particular auditorio con su famoso “¡¡el grito, el grito, el grito…!!”, el que era respondido obviamente, con un estruendoso “aullido” colectivo de decenas de infantiles gargantas. Suena conocido…

Himno de Los Bochincheros

Somos los bochincheros,
¡Sí, señor!
Nos gusta meter bochinche,
Que es mejor.
Jugando, saltando, sí, señor…

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La génesis de la historia de los programas infantiles chilenos es de mediados de los 60´s, con las primeras apariciones experimentales y universitarias del actor Jorge Guerra, que en canal 13 comenzó a dar vida a su mítico personaje llamado Pin-Pon. La escenografía que utilizaba simulaba una pequeña caja de cartón, desde la cual el muñeco se comunicaba con su amigo Valentín, quien era interpretado por el mismísimo Valentín Trujillo.

Hacia 1970 este niño muñeco emigró de su casa televisiva a la competencia: TVN, con una corta estadía hasta 1974 que dio paso al exilio del creador de este personaje infantil.
Quizás muchos de nosotros nos acordemos de este programa en su versión noventera, que intentó rescatar el espíritu del Pin-Pon antiguo, cuyas canciones contagiaban por su tono meloso, que invitaba a realizar actividades como lavarse los dientes, ser ordenados y correctos.
TVN fue quien acogió este programa, y por dos años (1992-1994) intentó reencantar a los nuevos niños que, claramente ya eran otros…

Su canción más célebre

Pin Pon es un muñeco
Con cara de cartón
Se lava la carita
Con agua y con jabón, con jabón
Se peina los cabellos
Con peine de marfil
Y aunque le den tirones
No llora ni hace así, ni hace así
Como siempre obedece
Lo que manda mama
Estudia las lecciones
Antes de irse a acostar, a acostar
Y cuando las estrellas
Empiezan a brillar
Pin Pon se va a la cama
Reza y se echa a soñar

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Otrora hombre de confianza de Mario Kreutzberger, el popular coanimador extrajo del baúl de los recuerdos momentos inolvidables de Sábados Gigantes. De su relación con Don Francisco, el quiebre, la crítica y su presente profesional: la producción de reportajes y documentales.

En los 80 llegó a ser la mano derecha de Mario Kreutzberger, pero complejas circunstancias que él describe como “oportunismo para desprestigiarlo” lo marginaron del mítico programa de concursos Sábados Gigantes.

Tras doce años coanimando junto a Don Francisco, hoy José Pizarro, más conocido como Pepe Yeruba, dice estar tranquilo y feliz. Las diferencias con su ex partner para él ya son prueba superada y prefiere hablar del futuro: “Me interesaría aprovechar esta vuelta de viejas figuras a la televisión”, aseguró.

Animador de eventos universitarios y locutor de Radio Minería, por azares del destino a fines de los 70, Yeruba tuvo que contactar para su show al entonces emergente animador de Canal 13. “Fue difícil, un mes anduve tras sus pasos. Lo seguí a grabaciones, a todos lados. Me había prometido entrevista y nada”. Finalmente, Kreutzberger, tras reconocer al joven locutor de Radio Minería (Yeruba había sido Revelación Radial en 1977) accedió a participar en el show.

Durante el evento, mientras Yeruba animaba, Don Francisco observaba su actuación. Sin saberlo, el joven locutor estaba rindiendo un importante examen que lo llevaría a coanimar Sábados Gigantes.

En 1979, José Pizarro se transformó en coanimador del espacio sabatino. Pero, tras años de éxito y aprendizaje, Pepe Yeruba se vio envuelto en una polémica que acabaría con su participación en el programa. “Una productora me pidió hacer una película picaresca para un video club y el oportunismo -refiriéndose a algunos medios escritos- se encargó de colgarme una serie de acusaciones falsas. Yo era muy exitoso en el medio” aseguró Yeruba.

Debido al escándalo, Canal 13 no renovó contrato con Pizarro. “Se me cerraron muchas puertas”, reconoce. Dos semanas después de su despido, Yeruba firmó con la productora personal de Mario Kreutzberger, pero su imagen estaba muy dañada, lo que llevó a su salida de pantalla para dedicarse a la producción y a su viejo amor: la radio.

Proyectando sus próximos pasos

Tras un fugaz paso por el programa Sábado Entre Amigos, Yeruba instaló una productora audiovisual, la que hasta hoy le ha servido de sustento. Actualmente, cuenta con más de 130 reportajes-documentales de Chile y el mundo, los que vende a instituciones turísticas y educacionales. Además, se dedica a la facturación de spots por encargo, actividad que hasta hace poco compatibilizaba con su actividad en Radio San Bernardo.

La política, en tanto, es otro de los ámbitos en los que el locutor se desenvuelve, ya que en las pasadas elecciones municipales, postuló a concejal. “Saqué más de 2 mil votos, pero por acuerdos del partido no salí”, aseguró el locutor.

Ajeno a las peleas por el rating y a la televisión actual, Pepe Yeruba espera la oportunidad, que hasta el momento el competitivo medio no le ha dado, pero del cual siempre ha guardado una esperanza. “En mis planes está volver a la televisión y hacer algo en un formato festivo”, proyecta el animador, quien espera su momento con la misma frescura y chispa que irradiaba en pantalla hace tiempo atrás. Quizás demasiado.

Fuente: www.lanacion.cl