El actor Hal Linden era el presentador de Animales, animals, animals y quien, a través de entretenidos diálogos y canciones, introducía a los temas que trataba esta verdadera enciclopedia animal. Se detallaban mediante historias datos sobre diferentes especies animales, dedicando cada capítulo a un animal específico.

El programa contaba con la participación de expertos en animales, además de cortos animados con anécdotas (con la precaria tecnología de esos años) y canciones compuestas por una dulce joven estilo hippie llamada Lynn Kellog, las cuales eran entondas por ella misma y su guitarra.

Lo más recordado por muchos eran las animaciones y la música, especialmente la introductoria al programa, que era una pegajosa cancioncita country.
En Chile la serie fue emitida por varios años en Televisión Nacional de Chile a comienzo de los 80´s.

Primera Temporada: Luego del estreno y el éxito rotundo de tres telefilmes del personaje, la ABC produjo una serie a partir de enero de 1974. Caidin se mostró disconforme con el cariz que tomaron las historias pues mayormente convertían a su criatura en un aventurero al estilo James Bond pero biónico. Pero cuando la serie comenzó el personaje cambió (gracias a un retoque de Harve Bennett, el productor ejecutivo de la serie) se recuperó una cierta credibilidad y sensatez. Hasta Caidin estuvo conforme y pidió que su nombre reapareciese en los títulos de crédito. Durante esa primera temporada se desarrollaron los cliches que seguirían durante toda la serie. Por ejemplo, las escenas en las que el héroe corría eran siempre mostradas en cámara lenta (supuestamente corría a una gran velocidad y el público perpetuamente lo veía en cámara lenta, una interesante ironía). Otro aspecto particular era el de la vista biónica (que incluía una grilla que permitía ajustar el foco), todo esto con el peculiar sonido biónico que se hizo famoso entre los chicos de todo el mundo. Con el comienzo de la serie el personaje de Oliver Spencer (Darren McGavin), que era el jefe de OSI (Oficina de Información Estratégica), fue reemplazado por el de Oscar Goldman (Richard Anderson). En cuanto al personaje de Rudy Wells se mantuvo, aunque el actor (Martin Balsam) fue reemplazado por Alan Oppenheimer. Sus caracteres fueron más deshumanizados y Austin fue mostrado como un tipo sencillo y convencido de sus ideales. Además las historias solían enfrentarlo a peligros de potencias enemigas y conspiraciones internacionales. Curiosamente el ráting no fue lo esperado y ese año la serie no se ubicó en los primeros 25 puestos del ranking.

Segunda Temporada: A mediados de la segunda temporada (1975-76) los productores dieron la nota en la tecla y comenzaron a dotar las historias con más ciencia ficción y monstruos (que era lo que el público quería ver, pero lo poco de credibilidad que quedaba en los argumentos se fue al tacho). Durante esta temporada hizo su primer ataque Barney Miller, el Hombre de 7 Millones de Dólares (Monte Markham), que había sido un campeón automovilístico antes de sufrir un terrible accidente. Pero Oscar Goldman autorizó el reemplazo biónico, pero Barney queda mentalmente inestable y se convence de que debe ser el único hombre biónico. Este primer combate biónico no fue el último (Miller regresó en la tercer temporada). Sin embargo este no fue el único agregado biónico. Al final de la temporada se presentó en el episodio doble The Bionic Woman la historia de Jamie Sommers (Lindsay Wagner), antigua novia de Steve con quien planea casarse hasta que un severo accidente de ski acuático deja a Jamie al borde de la muerte. Al final, previsiblemente, se produce el reemplazo biónico, pero víctima del rechazo biológico, Jamie fallece (o eso es lo que Steve y el público creen). El capítulo tuvo el mayor ráting de la temporada y el público respondió en masa ante tal injusticia, enviando cientos de cartas que bogaban por la continuidad de Jamie. Los telespectadores querían que Jamie se salvase y querían a Lindsay en el papel, no aceptarían a otra mujer biónica en su reemplazo. Así que gracias a la magia de la televisión, Jamie fue revivida a comienzos de la tercera temporada. En el primer episodio (The Return of the Bionic Woman) se reveló que Jamie no murió sino que fue mantenida en animación suspendida por el Dr. Michael Marchetti (asistente de Rudy Wells). Habiéndose recuperado, Jamie sufre amnesia y no recuerda nada de su relación con Steve. Es notable ver un “crossing” (raros en TV) ya que el episodio doble Welcome Home, Jamie dio origen a la serie de la Mujer Biónica en enero de 1976.

Tercera Temporada: Los rátings habían comenzado a subir precipitadamente (la serie se ubicó en el puesto 7 del Ranking Nielsen durante la temporada 1975-76 y 1976-77). El éxito de la Mujer Biónica como personaje de la serie, la catapultó a su propia serie, seguida por millones de televidentes (que la ubicaron por encima del ráting del Hombre Nuclear en un principio). Las historias de ciencia ficción fueron marcando una decadencia de la que jamás se llegó a recuperar. Durante las temporadas finales las historias fueron en general mediocres y los guionistas debían esmerarse con episodios dobles para levantar el nivel. En uno de estos apareció el personaje de Bigfoot o Sasquatch (Piegrande, interpretado por Ted Cassidy, Largo de Los Locos Addams), que era un extraterrestre que asediaba a los protagonistas en varios episodios. También cruzaban episodios de ambas series, con el objeto de atrapar las diversas audiencias. En esta temporada también el actor Martin E. Brooks (más recordado) reemplazo a Oppenheimer en el papel de Rudy Wells.

Últimas Temporadas: Al principio de la cuarta temporada, en el episodio doble The Bionic Boy, se introdujo otro personaje biónico (interpretado por Vincent Van Patten), que era un chico parapléjico que busca vengar la muerte de sus padres luego del consabido implante biónico. Durante la última temporada los episodios mediocres eran salteados con episodios dobles que no generaron mayor interés. Sin embargo hubo algunos episodios con historias realmente buenas, el final ya estaba decretado. La nueva generación de efectos especiales (como los de Superman o La Guerra de las Galaxias) reducían los de las series biónicas a trucos fuera de moda. El último episodio se emitió en marzo de 1978 y el espacio (domingos a las 20 hs.) fue reemplazado con otra serie más volcada a lo que el público quería: Battlestar Galactica (Galáctica).

Presentacion de la serie

Fuente: www.quintadimension.com

Producidos durante los comienzos de la guerra fría, éstos filmes trataban de eliminar los temores de la población hacia la bomba. En ésos tiempos existía una especie de “halo misterioso” al rededor de la bomba. La gente no sabía realmente que era, salvo que era lo más destructivo jamás hecho. Sin duda alguna éstos filmes que contiene el documental son un pedazo de historia.

En 1985, con sólo 10 años, Pablito Ruiz (como era nombrado entonces) se dio a conocer con canciones para preadolescentes como Mi chica ideal, para luego dar paso a otros éxitos tales como Oh! Mamá, Cachetada, Océano, Linda como un ángel, Lady Lady y La malagueña, canción reeditada del mariachi al género pop, entre otras.

Si bien sus letras no se caracterizaban por su osadía lingüística ni por convertirse en un profundo alegato sobre las pasiones y desengaños de la infancia, debemos recordar que se trataba simplemente de un niño cantando para niños (o niñas, en el mejor de los casos).

En esa época el dinero entraba a raudales, gracias a la candidez de su rostro y voz combinada con el furor del “children pop” de aquel momento. A esa altura de los 80´s, dado el impulso de la economía, el nuevo escenario permitía nuevos nichos de mercado inexplorados hasta entonces, lo que fue rápidamente descubierto por los representantes artísticos y los sellos discográficos que supieron explotar la mina de oro que podía ser el pop para niños y adolescentes.

Así en toda América Latina, pudimos ver grupos y solistas que acapararon los mercados con su contagiosa música y Argentina no se marginó de este boom, por lo que en 1984 presentó su apuesta: un niño cantor con el mismo nombre y apellido que el pintor Picasso, Pablo Ruiz, aunque en realidad su verdadero nombre era Pablo Coronel.

Pablito Ruiz–niño vendió discos y cariño a sus fans que al igual que con Luis Miguel y otros ídolos de la década, le dedicaban besos, abrazos y hasta concursos de “un dia con…”, todo para conocer a la persona detrás del cantante partiendo de la premisa de que era el mejor, el sueño de toda mujer (o niña, en realidad). De esa época es el spot de Yogu Up, donde tras sorprender a una embobada fans, finaliza bebiendo esa ochentera bebida-yogurt.

Del ’87 al ’97 Pablito Ruiz grabó siete discos, entre los que se cuentan “Pablo Ruiz”, “Un Ángel”, “Océano”, “Espejos azules”. A principios de los ’90, cuando el cantante contaba con unos quince o dieciséis años, decidió irse a un mercado mayor: México, a fin de engrosar su lista de fans y una cuenta bancaria que iba engordando proporcionalmente.

En 1991, tras un receso mediático, retornó con un nuevo disco cuya canción más conocida fue Paraíso prohibido. Ya en 1995 y cada vez con menos fama, sus singles más escuchados fueron Anoche no dormí y en 1997, Lola y Si tú te vas. En lo sucesivo participó además de otros discos y del programa de la diva argentina Susana Jiménez, en su sección El Circo de los Famosos o El Circo de las Estrellas.

El otrora niño prodigio archivó su carrera como cantante y se dedicó a la actuación y comedia musical en estos últimos años. Trabajó en obras como “Anastasia”, “La Cenicienta” o “La Máscara del Zorro”. Sin embargo, al igual que los zapatos de plataforma, los pantalones Oxford o los políticos latinoamericanos todo vuelve en la vida, más aún en esta época de revisionismo retro. Pablito decidió relanzar su carrera vocal con un nuevo disco, bajo el mismo sello que Cristian Castro y grabado en México, Nueva York y Los Ángeles.

Para el año ’97, sin embargo, las cosas ya no eran las mismas. Pablito rondaba poco más de veinte años y sufrió un cambio de voz en forma más brusca de lo normal. Su sello de entonces decidió lavarse las manos. De un momento al otro, Pablito Ruiz ya no tenía carrera y tampoco cuerdas vocales.

Cuando Ruiz, bordeando los treinta años de edad, se disponía a dar la noticia bomba al mundo, un escándalo se le adelantó por escasas horas. Un programa de TV mexicano mostró unas presuntas fotos en las que el cantante aparecía travestido, junto a otros acompañantes vestidos a tono.

Las imágenes y los titulares recorrieron el mundo: “Pablito Ruiz se hizo travesti”. Al mirar las fotos parecía imposible dudar sobre la identidad del cantante. Sin embargo, tanto el sello como el artista negaron muy presurosos el vínculo. Al parecer se trataba de un travesti muy conocido en el ámbito cultural mexicano, idéntico a Ruiz.

El escándalo le dio una presencia mediática importante, en Chile sin ir más lejos los ya establecidos canales de farándula (inexistentes cuando se conoció Ruiz en Chile), analizaron la información y lo invitaron a responder las dudas. Memorable fue su participación en un estelar del canal Chilevisión, donde una deslenguada Geisha lo invitó a salir del clóset frente a cientos de fans que la abuchearon.

Hoy, más under, Pablo Ruiz ha venido a Chile a revivir sus éxitos como icono kitsch en la mítica discoteque Blondie donde fue la cara visible de un disco cuyo compilado incluye a artistas tan o más curiosos como René de La Vega.

Pablo Ruiz (1985)
1: Bongiorno, my love, te amo
2: Mi locura especial
3: Todo por tu amor
4: El amor esta de moda
5: Te amo, te amo
6: Sol de verano
7: Mi chica ideal
8: Somos jóvenes
9: Rock de la inquietante Susy
10: Por favor ámame

Un ángel (1987)
1: Silbando por la calle
2: Orgullosa nena
3: Lady lady
4: Los juegos del amor
5: Otro momento, otro lugar
6: Linda
7: Oh! mamá
8: Linda
9: Quédate
10: Nena estoy enamorado
11: Cachetada

Océano (1989)
1: Océano
2: Soñando bajo la lluvia
3: La chica de la tele
4: Este mundo
5: Mi corazón se fue
6: Quiero tu amor
7: Hawaii
8: Ámame pronto
9: Hey Valentina
10: Papá
11: Malagueña

Espejos azules (1991)
1: Manías
2: Nuestro amor
3: Espejos azules
4: Fantasmas en tu habitación
5: Pregúntale a la luna
6: No sé qué pasará
7: Loco por ti
8: Carcajadas
9: Manías RMX

Irresistible (1993)
1: Por ella
2: Amo a las chicas
3: El rincón prohibido
4: Aprendiendo a vivir
5: Porqué te fuiste con él
6: Aventura
7: Me gusta verte bailar
8: Evangelina
9: A mi madre
10: Irresistible
11: Por ella (INSTRUMENTAL)
12: El rincón prohibido (INSTRUMENTAL)

60/90 (1995)
1: Presumida
2: Muñequita
3: Anoche no dormí
4: Lucy
5: Maybellene
6: Johnny ven
7: Chica alborotada
8: Quiero ser libre
9: La plaga
10: Medley 60/90 (popurrí)

Aire (1997)
1: Aire
2: Lola
3: Te quiero junto a mí
4: La mar de tu piel
5: Cuerpo a cuerpo
6: Morir de pie
7: Amando amando
8: A flor de piel
9: El viento me lleva a tu corazón
10: Regresa a mi corazón
11: Gota a gota
12: Lola RMX

Was it something that i didn’t say? (1999)
1: Conmigo volarás
2: The love of your life
3: Lost without you
4: All that you want
5: I won’t let you down
6: I can’t get over you
7: El deseo de ti
8: Just let me go
9: Agua de manantial
10: Por ti
11: Just for tonight
12: Indecible
13: Was it something that i didn’t say?
14: El deseo de tí (grupera)

Jamás (2001)
1: Hablame de amor
2: Obsession
3: Jamás
4: Tell me
5: No me tortures
6: A cambio de tu amor
7: I take it back
8: Yo dudo que con él
9: Give me a chance
10: El amor que no te di
11: Mentiras
12: Yo no quiero ser el último
13: No me tortures (salsa)
14: Yo dudo que con él (grupera)
15: Jamás (grupera)

Necesito tus besos (2003)
1: Amor primero
2: Laberinto
3: Necesito tus besos
4: Bendita vida
5: Un sol para los chicos
6: ¿Qué tienes tú?
7: La voy a buscar
8: Agua de lluvia
9: Quiero que vuelva
10: Arréglame el corazón
11: Quisiera poder olvidarme de ti
12: La oportunidad
13: Arrepentimiento

Demasiado tarde (2005)
1: Alguien como tú
2: Prefiero perderte
3: Demasiado tarde
4: Que te ah dado él
5: Quisiera
6: Tras de mí
7: Hoy
8: Ayúdame
9: Te quiero, te quiero
10: Baila conmigo
11: Demasiado tarde (grupera)
12: Alguien como tú (grupera)
13: Demasiado tarde (salsa)

Esta creación de origen húngaro se hizo conocida en los años 30, cuando la interpretó por primera vez Billie Holliday. Popularmente, “Gloomy Sunday”, es conocida como la “canción húngara del suicidio”. Tal fue el impacto que causó por su relación con múltiples suicidios, que en 1936, las autoridades húngaras prohibieron toda producción e interpretación del conjunto de acordes que la componen.

Se estima que en el mundo se han registrado alrededor de 100 suicidios que se podrían tener algo que ver la unión de aquellas notas musicales.

“Gloomy Sunday” se ha convertido en una tradicional y mítica leyenda urbana. Desde su creación y a través del tiempo ha sido interpretada por varios cantantes, entre los que destacan: Billie Holliday, quien logró masificarla; Bjork, Sara Brightman, Sinead O´Connor, Diamanda Galas, entre otros.

“Sunday is gloomy,
My hours are slumberless
Dearest the shadows
I live with are numberless
Little white flowers
Will never awaken you
Not where the black coaches
Sorrow has taken you
Angels have no thoughts
Of ever returning you
Wouldn’t they be angry
If I thought of joining you?

Gloomy sunday

Gloomy is sunday,
With shadows I spend it all
My heart and i
Have decided to end it all
Soon there’ll be candles
And prayers that are said I know
But let them not weep
Let them know that I’m glad to go
Death is no dream
For in death I’m caressin’ you
With the last breath of my soul
I’ll be blessin’ you

Gloomy sunday

Dreaming, I was only dreaming
I wake and I find you asleep
In the deep of my heart here
Darling I hope
That my dream never haunted you
My heart is tellin’ you
How much I wanted you
Gloomy Sunday”.

Mi Pequeño Pony, es un juguete que nació en los años 80. Se le atribuye el diseño a Bonnie D. Zacherle, Charles Muechinger y Steve D, quienes lo abrían entregado a la empresa Hasbro a comienzos de 1981. De esta forma nació el primer “My Little Pony” más conocido en un principio como “My Pretty Pony”.

A fines de 1982 fueron lanzados al mercado con gran éxito, vendiendo más de 10 millones de los tiernos juguetes en el mundo. En 1983 Hasbro decidió innovar creando los “Earth Ponies”, con nuevas poses y colores más vivos: unicornios, pegasos, entre otros. Así la línea de ponies, se convirtió en un potente referente para millones de niños disfrutaron de ropa de vestir, ropa de cama, una serie de dibujos animados y hasta una película de “Mi Pequeño Pony”.

Actualmente, Hasbro está tratando de reinventar su producto “My Little Pony” para las nuevas generaciones, sin perder el estilo pero adecuándose a los nuevos tiempos agregando accesorios más actuales para las niñas de hoy.

Algunos de los episodios de la serie de dibujos animados en su primera
temporada fueron:

The Ghost of Paradise Estate
The Glass Princess
Bright Lights
The Return of Tambelon
The Magic Coins
Fugitive Flowers
ony Puppy
Sweet Stuff and the Treasure Hunt
Little Piece of Magic
Would Be Dragonslayer
La segunda temporada contó con:

The Quest of the Princess Ponies
The Golden Horseshoes
Flight To Cloud Castle
Somnambula
Spike’s Search
The Ice Cream Wars
The Prince and the Ponies

Niño 1

Mi mamá me quiere todo esto.

Mi mamá me quiere todo esto y la Luna.

Mi mamá me quiere todo esto y la Luna y el Sol.

Mi mamá me quiere todo esto y la Luna y el Sol y el ¿? (palabra enigmática).

Mi mamá me da manjar Colún, me da panqueques con manjar Colún, me da tortas con manjar Colún y me da, y me da empolvados con manjar Colún.

Niño 2

¡A mí también!… ¡si somos hermanos!

Ambos

¡Chócale!

Sobre qué decía el niño, hay muchas versiones… Cada uno de los telespectadores que vieron una y otra vez este popular comercial, interpretó lo que el niño decía. Al parecer “gato” sería la palabra enigmática… los “astros”, “verano”, “ato”, están entre los comentarios de los foros que al respecto hay en la ínternet.

Hace un tiempo, señala uno de los posteadores de estos foros, habrían entrevistado al niño que protagonizó este spot publicitario –un adulto ya- quien señaló que la palabra misterio del comercial es “el gato”. La razón, según explica el mismo pequeño actor, es la libertad que le dieron de decir lo que quisiera, siendo esta palabra la que se le vino a la mente en el rodaje y simplemente… quedó.

En sus apariciones por la pantalla, Topo Gigio, conversaba con los televidentes, contaba innumerables historias y cantaba canciones tales como “A la camita”, “Lo dije yo primero, lo dije yo primero”, “Quiero ser como mi papá”, “En un bosque de la China”, “Esa es mi mamita linda”, “Hasta mañana”.

Según la ocasión, Topo Gigio, usaba distintos atuendos de doctor, chino, oficinista y otros.

El ratoncito era pacífico y oraba constantemente a “San Peppino”; estaba embrujado con Birigitte Bardot a quien admiraba profundamente, lo que compartía con su contraparte humana que dialogaba con él en los programas y que cambió constantemente.

Topo Gigio que inició sus apariciones en pantalla vistos en blanco y negro; de él se hicieron muñecos para su comercialización y se comunicó en varios idiomas con los niños que lo seguían en los distintos continentes. En español su nombre confundía a los más pequeños pues el Topo-Ratón era sólo esto último: un roedor de ciudad.

La Cuatro Dientes nació en 1980, en el famoso programa de televisión “Sábado Gigante” animado por Don Francisco (Mario Kreutzberger). Representaba a una mujer chilena popular, cuyo nombre se desprendía de una escasa dentadura que lucía sonriente y que se acompañaba de un particular look que incluía pelo rubio, minifalda roja, blusa a lunares, calcetas y zapatos de plataforma.

Poco a poco La Cuatro Dientes ganó el cariño de la gente, logrando gran popularidad en el país donde incluso fue invitada en varias ocasiones al Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar.

El simpático personaje de esta multifacético artista, además de relatar sus historias de barrio, siempre manifestaba pretensiones de noviazgo con los animadores que interactuaban en su rutina: en Sábado Gigante, con Don Francis (como llamaba a Don Francisco); y en el festival de Viña del Mar con Anthony, refiriéndose a Antonio Vodanovic, animador que por años estuvo presente en el certamen.

Clásica es su interpretación de la canción “La Copucha”, tema compuesto por el fallecido cantautor chileno Nicanor Molinare, que ironizaba en coplas la realidad nacional.

Debido a la internacionalización de Sábado Gigante, transmitido por la cadena Univisión, La Cuatro Dientes trascendió las fronteras de Chile y llegó a un público cercano a los 80 millones de telespectadores. Sin embargo, dado que el programa contaba con el auspicio de una pasta dental, se decidió cambiar su nombre al de “La Cuatro”, puesto que no fue bien visto el hecho de que una desdentada mujer se asocie al producto que ahí se publicitaba.

En el año 2006 la “Cuatro” ganó el Premio al Mejor Personaje Humorístico de la historia de Chile en el programa “Chile Elige”, transmitido por Televisión Nacional de Chile (TVN), en el marco de las actividades del Bicentenario.

Hoy, tras 27 años en escena, La Cuatro se luce todas las semanas en el programa que la vio nacer, encantando a todos con un humor que, aunque pícaro, mantiene la inocencia que por años la convirtió en uno de los personajes más queridos de la televisión chilena.

En el popular juego deben participar como mínimo 2 jugadores que intercaladamente van lanzando un par de dados, así van avanzando por un tablero compuesto de 63 casillas donde, el primer jugador que llegue a la última casilla, es el ganador. En el tablero hay 12 casillas denominadas “oca”, que son una suerte de comodines donde los jugadores caen y avanzan hasta el siguiente cuadro “oca” y deben decir la frase: “de oca a oca y tiro porque me toca”.
En la versión de televisión, se reemplaza el tablero por un plato de gran tamaño en el que los concursantes -cuatro en total- por cada casilla que avanzan y cada prueba que pasan acumulan cierta cantidad de dinero. En cada prueba, los concursantes apuestan una cantidad de su dinero acumulado y si la supera duplicará lo apostado y se sumará a su premio. No todas las casillas son para acumular dinero, hay algunas casillas denominadas castigo, en las que pueden restar dinero, pintar alguna parte de tu cuerpo o cortarte el pelo al cero.

Al igual que el juego de mesa, el primero de los concursantes que consiga llegar al final del recorrido se lleva de premio todo el dinero acumulado; adicionalmente, está la opción de enfrentarse a una prueba final para llevarse además un automóvil.
Este programa tuvo varias ediciones en Italia y España y a través de las distintas señales internacionales que pudieron llegar a numerosos países de todo el mundo los que, en muchos casos, replicaron y adaptaron el tradicional juego.

El preadolescente Ken Silverman envió su propia versión de Wolfenstein 3D (llamado Ken’s Labyrinth) a Apogee, anunciando que había comenzado a programar un motor 3D por lejos superior a todos los realizados hasta entonces. Sorprendidos por esta reproducción mejorada del Wolfenstein decidieron darle la oportunidad y lo contrataron. El resultado fue el motor gráfico Build que no sólo fue adoptado en Duke Nukem 3D sino también en otros 11 juegos comerciales y alguno más, incluyendo Blood, Shadow Warrior y Redneck Rampage, por nombrar sólo tres de ellos.

Build introdujo por vez primera muchos de los elementos que hoy son tan comunes en los juegos de acción en primera persona. Y el primer juego en beneficiarse de ello fue Duke Nukem 3D.
El personaje protagónico, Duke Nukem, debe batallar durante 28 niveles, los cuales están divididos en tres capítulos (posteriores versiones incluyeron un cuarto capítulo con 11 niveles extra). Como es habitual en este tipo de juegos, el jugador se encontrará con una amplía variedad de enemigos alienígenos y armas a lo largo de la aventura.
Además de matar repulsivos seres, el jugador deberá resolver diversos puzzles e incógnitas para avanzar a los siguientes niveles o a niveles extra escondidos.
Uno de los más grandes atractivos es el diseño de sus niveles pues se puede apreciar, contrario a los shooters que le preceden, una gran cantidad de espacios abiertos, ambientación desde calles, ciudades sumergidas e incluso estaciones espaciales.

Un punto atractivo además es el hecho de que no necesariamente el juego obedece a un desarrollo completamente lineal, sino que también ofrece la opción de utilizar pasadizos dimensionales lo que lo hace muy entretenido, especialmente para la opción multijugador. Este modo de hasta 8 jugadores, por otra parte, permite configurar al enemigo o jugar de modo cooperativo contra los enemigos.
Los niveles de Nuke Dukem 3D cuentan con una decoración cuyos objetos permiten interactuar con el jugador y muchos de ellos son destruibles.
Los niveles exigen e incluyen una amplia variedad de armas, desde las pistolas y escopetas comunes pasando por lanzamisiles o bombas, hasta armas específicas con características distintas entre sí, las cuales permiten congelar a los enemigos o incluso encogerlos.
El jugador también puede recoger diversos objetos durante los niveles, los cuales permiten que Duke Nukem enfrente situaciones cuyas capacidades como ser humano no está capacitado de enfrentar. Por ejemplo, existen esteroides para incrementar la fuerza y velocidad, un equipo de buceo, un jetpack para volar, gafas de visión nocturna o un doble holográfico llamado Holoduke, cuya función es distraer a los enemigos.

Los enemigos de Nuke Dukem 3D

Duke Nukem 3D posee una gran variedad de enemigos, los cuales van sumándose a través del juego y van aumentando su fuerza de forma creciente, además de incorporar cada vez más alta tecnología en sus artefactos.

Algunos enemigos hacen uso de armas u objetos comunes al personaje del juego, por lo que al ser asesinados por Duke Nukem, éste puede apropiarse de ellos recogiéndolos. Además de estos enemigos, como es común en este tipo de juegos, al final de cada fase hay un jefe de nivel.

Reconocemos:
• Protozoid Slimer
• Enforcer
• Sentry Drone
• Assault Commander
• Turret
• Protector Drone
• Mini-Battlelord
Y como enemigos de fin de fase:
• Battlelord
• Overlord
• Cycloid Emperor
• Queen Alien (sólo en Plutonium Pak)

Duke Nukem 3D fue duramente criticado por su marcada actitud machista que en sus distintos niveles expone a prostitutas o strippers las cuales destapan sus pechos si el jugador les ofrece dinero. Otro punto impopular fue la violencia demostrada por el videojuego así como las frases del personaje, que también generaron controversia. Para paliarlo se incluyó la posibilidad de activar una especie de Control Paterno, que eliminaba del juego todo el contenido que pudiera resultar ofensivo o perjudicial para los menores de edad.
Uno de los puntos fuertes de este juego y que ninguno de sus predecesores ha podido superar (quizás igualar), es su gran adicción. Miles de personas lo afirman. No se sabe si es por ciertos elementos para adultos que se han incluido, por las originales armas que hay, la capacidad de movimientos por la pantalla o el elevado número de mapas disponibles lo que le ha otorgado este honor, pero así es.
Si bien su importancia fue decayendo, no puede desconocerse el hecho de que fue el videojuego que se transformó en uno de los mayores fenómenos de masas. Quien más quien menos conocía el juego con lo que Duke indiscutiblemente tiene sitio en la Historia de los Videojuegos.

A su vez, TVN, encantado con la original idea, decidió presentar el proyecto al FondoPro, una instancia del Consejo Nacional de Televisión que impulsa la producción de programas de calidad para la TV chilena. FondoPro, valoró la creatividad e innovación que conllevaba la propuesta, además de su nexo con la Corporación Nacional del Medio Ambiente (Conama), que patrocinaría la sección denominada “La Nota Verde”.
El Conductor del noticiario “31 Minutos”, es un destacado títere periodista, su nombre es Tulio Triviño; se hace acompañar también de un equipo que son quienes hacen posible que el noticiero salga al aire y apoyan a Tulio en esta cruzada. Dentro de estos simpáticos personajes están Patana, una pata comunicadora autodidacta sobrina de Tulio; Juanín, simplemente un juanín y productor del espacio; los funcionarios, cuyo rol incidental es de gran atractivo; Policarpo, quien se dedica a la prensa de espectáculos y presenta el Ranking Top de 31 Minutos.
Por otro lado, en terreno se desempeña el místico periodista Juan Carlos Bodoque, una especie de conejo rojo de largas orejas, quien da vida a “La nota Verde”, donde expone temas actuales relacionados con el medio ambiente. En su particular estilo, cada semana este reportero muestra in situ diversos temas y problemáticas presentes en la actualidad en esta área.
Con una propuesta original y divertida, el reportero estrella, pretende desde una perspectiva didáctica sensibilizar a los niños y sus familias sobre los fenómenos que ocurren en la naturaleza producto de la acción del hombre. Además entrega herramientas con variadas soluciones mediambientales como el reciclaje, por ejemplo, que aporta a la descontaminación, el tratamiento de aguas servidas, por nombrar algunos.
Otros muchos personajes acompañan el set, como Calcetín con Rombos Man, el superhéroe que cada semana presenta una nueva aventura; Cindy, la novia de Tulio, que conoció un verano en Cartagena; Lolo, el carismático interprete de la canción “Lala”; entre muchos otros extraños y entretenidos personajes que nos acercan a una realidad caricaturizada de lo que somos, de nuestra idiosincracia .

El nombre de la cerveza, “Duff”, es utilizada popularmente para referirse al trasero de alguien. “Duff”, se relaciona además, con múltiples características de Homero: quienes la consumen son sedentarios, gordos u obesos, gustan de la televisión y son perezosos de alma. El nombre de la bebida, podría tener que ver con “Duff”, el adjetivo califiticativo utilizado por los británicos para aludir la idea de defectuoso o inservible.

“Duff”, tiene un representante en Springfield, su nombre es Duffman, quien siempre está vestido con un traje de de lycra ajustado, muy similar al de Superman.

Esta paródica cerveza, tal como en el mundo real, donde las bebidas se categorizan en múltiples variedades; para diversos gustos y paladares, posee igualmente múltiples formatos:

Duff Lite (Duff Light)
Duff Dry (Duff Seca)
Duff Jr.
Duff Dark
Lady Duff
Raspberry Duff
Tartar Control Duff (Duff Anti-Sarro)
Henry K. Duff’s Private Reserve (Semiimportada)
Duff Blue
Duff Stout
Duff Zero (Sin Alcohol)
Duff Extra Cold
Düff (la tradicional, pero con distinto nombre)
Duff Microbrew
Duff Gummi Beers
Duff Experimental
Duff Red
Duff Ice
Duff Special Reserve
Duff Draft
Duff Malt
Duff Christmas Ale
Duff Amber Fire-Brewed Barley Export
Duff’s Double-Dunkin’ Breakfast Lager
Duff’s Bugs Free
Duff’s Fly cube drink (sólo en bares)

La cerveza “Duff” se ha concretado en el mundo de los humanos. En 1990 en Australia se elaboró una bebida con este singular nombre, pero el negocio no se mantuvo en el tiempo, pues Century Fox lo denunció por uso indebido de la marca, juicio que finalmente ganó, y por ende, el producto tuvo que sacarse de circulación.

Hace pocos años Rodrigo Contreras, un mexicano lanzó al mercado la marca “Duff”. Sin problemas la patentó, al no encontrarse ésta registrada. Actualmente, su negocio es todo un éxito, se fabrica en la planta de cerveza Minerva, es de color claro, con maltas finas de gran calidad y tiene 5 grados alcohol.

Su disco “Abajo en la costanera” es un álbum imprescindible de la historia del rock chileno; con esta producción la banda de Concepción logró el anhelo de perpetuarse en el tiempo, convirtiéndose en un grupo de culto para las generaciones actuales.

El álbum, de 1987, es una interesante confluencia de muchos códigos del pop y rock, principalmente británicos, trabajados con el estilo que Yogui Alvarado cultiva hasta hoy como cantante y compositor. Además de “El nuevo baile” –una canción que fue creciendo en popularidad incluso luego que el grupo había optado por disolverse-, “Cajitas rectangulares” y “Te tengo atrapada”, aportaron hitos de frescura y elegancia a la historia del rock chileno de esos años.

“El nuevo baile”, fruto de los tiempos pasados de la década de los 80, hacía alusión de una televisión y publicidad de carácter político, donde se buscaba mantener a las masas en total contención, sin pensar. Hoy, sin dictadura, esta canción no ha dejado de tener vigencia en una sociedad exitista comandada ya no por militares sino por imperios económicos, que anuncian lo que hemos de usar y pensar. Estar fuera, es ser el arrítmico y alienado personaje de la canción.

Emociones Clandestinas se disolvió sin conflictos a fines de 1989 con la misma formación inicial: Jorge “Yogui” Alvarado en voz y guitarra; Mauricio Melo (quien más tarde participó del proyecto rock Santos Dumont), en bajo; Francisco Muñoz (de Machuca), en guitarra; e Iván Molina (Santos Dumont, Matorral), en batería.

Yogui Alvarado confirma que, durante ese período, la banda tenía listo el material para entrar a estudio y grabar un segundo álbum. La crisis por la que entró la industria, sin embargo, apuró la decepción y finalmente la separación del grupo. El material quedó guardado y resurgió parcialmente más tarde en tocatas y en grabaciones posteriores que incluyeron canciones pendientes como “Cocaína” y “Nos siguen matando”, además de composiciones totalmente nuevas y contingentes.

El show actual de la banda, que tan sólo cuenta con el vocalista de la formación original, reboza de energía y vitalidad. El resto de sus integrantes igualmente ha continuado en el ambiente musical, con el legado de Emociones Clandestinas y en proyectos de similar éxito y reconocimiento tanto por la crítica como por el público en el medio rockero de hoy.

Nadie en Chile puede decir que no ha escuchado alguna vez “Un nuevo baile”, el clásico tema de los 80 y bien vale la pena volver a escucharlo puesto que, como asegura Yogui Alvarado, “El público no va a salir defraudado de esto, porque va a ir por “El Nuevo baile” y se va a encontrar con mucho más”.

Sims, es un juego que alborotó el mercado, pues no sólo los niños querían ser un sims sino también adolescentes y adultos. Es que es fantástico: es una mezcla de los juegos tradicionales que han marcado varias generaciones, es pasar el tiempo jugando a las muñecas, al papá y la mamá, a la familia, a ser arquitecto, diseñador, decorador y mucho más. Cada integrante de una familia Sims tiene su propia personalidad y gustos.

La familia Sims posee su propio lenguaje, un idioma denominado Simlish, una mezcla a base de italiano, japonés, checo y con algo influencia latina, creado por los comediantes Gerri Lawlor y Stephen Kearin. Las voces dentro del juego juegan sólo un rol estético, pues, no es necesario entenderlo para vivir Sims. El grupo Español, la Oreja de Van Gogh grabó una canción en este particular idioma

Aprender a ser organizado, sociabilizar, estudiar, divertirse, trabajar… no es tarea fácil. Así, para facilitarle la vida a los fanáticos, en la ínternet se pueden encontrar algunas claves mágicas para que los Sims estén bien en todos los ámbitos de la vida, Klapausius o Rosebud para abrir la ventanita del bienestar y agregar los dígitos que encaminan al ocio o “buen vivir” de un Sims. Sin duda estas claves liberan de la pesada carga de vivir a un Sims dentro del juego, pero hace que pierda esa magia que encierra el hacerse cargo de la complejidad de las necesidades del hombre, o mejor dicho, de un Sims.

Sin embargo, hacer avanzar el reloj de vez en cuando para que pasen días y más días de trabajo, aumenta las posibilidades de entrenarlo, incrementa sus habilidades, permite que obtenga un ascenso en el trabajo en breve plazo y le entreguen el famoso bono de mérito que les permita, por ejemplo, adquirir lo más preciado: ese cómodo sofá, un computador, una TV, ampliar la casa, construir una piscina, contratar servicios, pedir pizza, pagar las cuentas y mucho más.

The Sims, es uno de los juegos con más expansiones, entre las que podemos mencionar: Los Sims más vivos que nunca, Los Sims House Party, Los Sims Primera Cita, Los Sims de Vacaciones, Los Sims Animales a Raudales, Los Sims Super Star, Los Sims Magia Potagia, Los Sims Universitarios, Los Sims Noctámbulos, Los Sims Abren Negocios, Los Sims Mascotas, Los Sims y las Cuatro Estaciones, entre otros.

La última versión de los Sims, es más innovador y complejo, agrega a sus miembros un perfil psicológico, donde se añade una serie de características que definirán carácter, potencialidades, expectativas, etc. Wright, su creador, esta vez además quiso adjuntar temas actuales y contingentes como son la infidelidad, homosexualidad y bisexualidad.

Al parecer Sims City no muere y tiene mucho más que ofrecer, cada día los fanáticos jugadores esperan una nueva actualización o expansión, los que se pueden ser verificados en su web oficial http://thesims.ea.com, disponible en varios idiomas.

La creación se denomina “Las Meninas”, por un vocablo de origen portugués, usado para mencionar a los acompañantes de los niños de la realeza.

La escena transcurre en Madrid, el año 1656, dentro de un palacio, en una sala decorada con diversos cuadros. El personaje central es la Infanta Margarita, a su lado se encuentran, Isabel Velasco y Agustina Sarmiento: las meninas. Junto a Agustina están los enanos, María Bárbola y Nicolás Pertusato, en actitud de jugar con el perro que dormita a sus pies. Detrás de ellos, y en tono más opaco, aparecen Marcela Ulloa y un personaje que no ha podido ser identificado. A la izquierda se encuentra el mismo pintor, Diego Velásquez, con sus instrumentos de trabajo y delante de él un lienzo de gran tamaño. En el fondo del salón que se retrata, junto a una puerta entreabierta, se encuentra don José Nieto de Velásquez, mesonero de la reina, que es el centro perspectivo de la pintura. En el muro del fondo hay un espejo donde se reflejan las figuras de los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, los que en el fondo serían el cuadro.

Velásquez, ha recibido numerosos elogios, definitivamente es una pintura distinta y creativa. Por tal, se han hecho muchas interpretaciones de “Las Meninas”. Luca Giordano, lo definió como “la teología de la pintura”; Teófilo Gautier se preguntaba “¿Dónde está el cuadro? Las interpretaciones vienen de todos lados, desde el mundo de las matemáticas, político-moral, político, astrológico, entre otras disciplinas y ciencias. También se han hecho diversos estudios sobre cada uno de los elementos artísticos, compositivos y estilísticos.

El cuadro se mantuvo en las dependencias del Palacio de Madrid hasta el incendio que ocurrió en 1734; luego volvió al Palacio nuevo edificado sobre el solar del incendiado. Más tarde, fue trasladado al Real Museo de Pintura y Escultura, que actualmente se llama Museo Prado.

Técnicamente el cuadro parece insuperable, el número de perspectivas que se retratan parecen infinitas. Al observarlo, parece ser que hasta el aire fue retratado. La combinación de la perspectiva aérea y lineal es encantadora, ha fascinado a todos, expertos o no, desde el siglo XVII.

Para Velásquez, el momento más importante no era el acto de pintar sino la idea, el concepto y el pensamiento previo al hecho de aplicar pintura sobre el lienzo. En resumen, la superioridad del artista sobre el artesano; se es artista de corazón, por pasión, se siente, se crea, se vive; ese era el pensamiento de este artista.

Actualmente esta importante obra del siglo XVII se encuentra en el Museo Prado de Madrid.

Con el objetivo claro de triunfar en la música, en 1985, los chicos penquistas deciden radicarse en la capital de Chile, Santiago, donde además se cambiaron el nombre a “Los Tres”, como son conocidos hasta hoy. En 1988, se integró paradójicamente un cuarto integrante a la banda, Ángel Parra, que si bien aumentó la cantidad de integrantes del grupo se fusionó siendo un aporte sinérgico a “Los tres”, que siguieron siendo “Los tres”.

En 1991 la banda grabó su primer disco, denominado “Los Tres”, el cual alcanzó un gran número de ventas y, por cierto, popularidad, con temas hoy emblemáticos como “Amor Violento” y “Pájaros de Fuego”.

La pasión tras este logro no mermó, por lo que en 1993 lanzaron su segundo disco, llamado “Se Remata el Siglo”, bajo el sello de la multinacional Sony, en que destacan temas como: “Gato por Liebre” y “El Aval”. En este disco, ya más maduro, se pudo observar influencias de estilos importantes de la época como el Grunge.

Su tercer disco, editado en 1995, fue el que definitivamente los coronó. Titulado “La Espada & La Pared”, destaca canciones como: “Déjate Caer”, “La Espada y La Pared” y “Tírate”. Con esta producción, Los Tres, obtuvieron el Disco de Oro en tan sólo 25 días, y el Disco de Platino en 46. Además, este disco fue el que les abrió camino hacia la internacionalización de su carrera como músicos.

El 14 de septiembre de 1995, se concretó un sueño sentido por Los Tres y los chilenos, grabaron un disco unplugged para la cadena internacional de televisión MTV, que editado se convirtió en el disco “Los Tres MTV Unplugged”, el cual fue lanzado al mercado en abril de 1996. En éste, se incluyó un compilado de canciones de sus anteriores producciones, además de una canción inédita (Traje de Sastre) y 3 temas originales de Roberto Parra. Con este disco, Los Tres obtuvieron 4 Discos de Platino en tan sólo tres meses.

En 1996 lanzan al mercado una nueva producción, titulada “La Yein Fonda”, un disco grabado en vivo desde su propia fonda, donde tocan cuecas y cumbias. En 1998 editaron “Peineta”, disco con jazz huachaca y cuecas choras, como un homenaje a Eduardo Parra y a Roberto Parra. En estos discos el grupo desarrolló su acercamiento a la música tradicional chilena.

En 1997 editaron, su cuarto trabajo en estudio, llamado “Fome”. De este disco destacan las canciones “Bolsa de Mareo”, “Olor a Gas” y “La Torre de Babel”. En el álbum se aprecia una completa reinvención del grupo, con la creación de un rock más fino y elaborado siendo “Fome”, considerado por algunos, como el mejor disco de la trayectoria de Los Tres.

En la época de la grabación de “Fome”, ha trascendido, se habrían producido roces entre los integrantes del exitoso grupo musical, que se acentuaron en la grabación del disco “La Sangre en el Cuerpo”, el quinto trabajo en estudio de la agrupación, que salió a la venta en 1999, con canciones como “No Me Falles” y “La Respuesta”. Tras éste, el año 2000, la banda anunció su separación. Posterior a esto, cada uno de los miembros siguió la vida con proyectos individuales.

La masa los pedía incesantemente, en el año 2006, los organizadores del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, les ofreció una oferta millonaria, a la que Los Tres dio un no rotundo. Parecía que ya se había visto todo, la ilusión de los fans desaparecía, pero unos días después de rechazar la oferta y tras 6 años de distanciamiento, el 4 de marzo de 2006 anuncian el tan ansiado regreso, con 3 de los 4 integrantes originales: Álvaro Henríquez, Roberto Lindl y Ángel Parra, siendo Francisco Molina reemplazado por el músico Manuel Basualto.

El escenario escogido para reencontrase con el público fue el Festival Vive Latino, en Ciudad de México. Luego vino la presentación en sociedad de “Camino”, la canción del reencuentro y de la nueva cara del grupo chileno. Posteriormente, el 3 de julio de 2006, sacaron al mercado un nuevo álbum, esta vez bautizado como “Hágalo Usted Mismo”, que incluye 10 nuevos temas, dentro de las que destacan: “Camino”, “No es cierto” (dedicado a Augusto Pinochet) y “Bestia” (dedicado a Manuel Contreras). En tan sólo un día, el disco vendió más de diez mil copias.

Actualmente, esta famosa banda continúa trabajando, su éxito aumenta cada día y siguen tocando en diversos lugares del mundo.

“Los Chicos de la Calle de Atrás”, como se traduce al español, nacieron gracias al deseo de Lou Pearlman, un fanático millonario de New kids on the Block (NKOTB), quien quiso ser parte de un proyecto similar al de este exitoso grupo pop. El Floridense Pearlman, se puso en contacto con los ex manager del ya extinto grupo juvenil, Johnny y Donna Wright, quienes aceptaron este nuevo desafío.

La idea era encontrar un grupo de jovencitos con talento, buenos mozos, agraciados y por supuesto que cantaran y bailaran bien. Así y con estos requerimientos, comenzaron la convocatoria a través de periódicos, revistas y programas juveniles de televisión. De los cientos que acudieron a los casting, los primeros seleccionados fueron A.J. McLean, de 15 años; Howie Dorough, de 20; y Nick Carter, un chico ya conocido que apenas alcanzaba los 13 años.

La búsqueda no cesaba, la idea de Lou, era lograr la réplica perfecta del que había sido su grupo preferido NKOTV, para lo que faltaban 2 miembros. El cuarto integrante de los Backstreet Boys fue Kevin Richardson, de 22 años, quien propuso como quinto integrante a su primo Brian Littrell. El grupo se había conformado… comenzaron los ensayos y las presentaciones.

Si bien la historia del grupo se inicia en 1993, el éxito sólo logra concretarse en septiembre de 1995 con la aparición del single “We’ve got it goin’on”, procedente de su primer disco del mismo nombre. Dado que el reconocimiento partió en Europa, siguieron el camino a la fama en el viejo continente. Alemania, Inglaterra y España fueron sus primeros blancos antes de lanzarse a la fama; más tarde y para abrirse las puertas del mundo, grabaron dos temas en español: “Nunca te haré llorar” (I’ll never break you’re heart) y “Donde quieras yo iré” (Anywhere for you).

Su ingreso al mercado latino arremetió con fuerzas, incrementando firmemente sus ventas. En Agosto de 1997, el single “Quit Playing Games”, les da llave a la fama en su propio país. La gran dinámica del baile y melodía de “Everybody”, inspirado en la coreografía del video clip Thriller, de Michael Jackson, los hizo concretar esta fama en todo el mundo.

Los Backstreet Boys, fueron uno de los primeros en incorporar a su material videos, fotografías, entrevistas y biografías interactivas, los cuales adjuntaban a sus CDs, lo que los acercaba aún más a sus fans, aumentando así su boom.

Cuando todo parecía perfecto, el popular grupo tuvo que hacer un alto. Uno de sus integrantes, Brian Litterell, tendría que ser sometido a una operación al corazón, situación que obligó a los Backstreetboys a hacer una pausa en su carrera musical. Concretada ésta con éxito, la historia continúa con una gira por Latinoamérica, la que incluyó a Chile en el Festival de Viña del Mar del año 1998.

La juerga no tenía fin, en mayo de 1999 la banda publicó su tercer disco, “Millennium”, que contenía románticas canciones escritas por ellos mismos. Para promocionar el álbum, partieron en gira rumbo a Centro y Sudamérica, donde contaban con un gran número de seguidores y tenían un número no menor de discos vendidos: el éxito estaba en sus manos y los chicos no podían detenerse. En noviembre del año 2000, finalizada su gira mundial, presentan su cuarta producción, el álbum bautizado “Black and Blue”, en el que también incluyen letras propias.

La agitada vida de Backssteet Boys se detuvo de pronto debido a los problemas de adicción al alcohol y las drogas de A.J. McLean, quien luego de asumir esta contrariedad, ingresó a una clínica de desintoxicación en Arizona. Luego de este impasse que caló hondo en el grupo, las revoluciones bajaron en demasía, por lo que finalmente a mediados de 2001 el grupo decidió tomarse un descanso.

El 2005, el grupo ya más maduro, decide reencontrarse con sus fans, lanzando un nuevo álbum, el cual sería el último, llamado “Never Gone”, con el que volvieron a llenar estadios con miles de personas que aún recordaban y coreaban las viejas canciones, reafirmando así su fama, la cual no se había desvanecido.

Actualmente, cada uno de los que conformaron el grupo vive su vida por separado; Nick Carter, junto a sus hermanos, recientemente participaron de un reality de su propia familia; Brian Littel, es padre de familia y sacó un disco de música cristiana llamado “Welcome Home”; Kevin Richardson está felizmente casado; A.J. McLean, cumplirá este año su cuarto año de limpieza, sin drogas ni alcohol; y Howie Dorough, siguió en el camino de la música pop como solista.

Sin duda, los fans no olvidarán sus discos: BackStreet Boys, BackStreet Back, Millenium, Black and Blur y Never Gone, además del álbum compilado de sus grandes éxitos, Chapter One.

La serie argentina que marcó el histórico ranking de 62 puntos en su país, debutó el 2 de enero de 1991 en el canal Telefé. Lo que comenzó como una típica serie de verano, dado su éxito, prolongó su estadía en la pantalla chica hasta 1995, penetrando además otros mercados televisivos latinoamericanos.

La familia del Grande Pa! estaba conformada por el actor Arturo Puig, quien daba vida al atractivo padre viudo, Arturo Arauz; sus tres hijas o chancletitas llamadas Jose (Nancy Anka), Angie (Julieta Frazzari) y Flo (Gabriela Allegue). A esta particular familia se suma la nana María (María Leal), quien en su rol protagónico no sólo soluciona los problemas domésticos de los Arauz, sino también las dificultades personales de cada uno de ellos.

Siempre rodeados de muchas visitas: Teo, interpretado por el vetusto actor argentino, Alberto Fernández de Rosa, amigo íntimo de Arauz; la Tía Norma (la actriz Estela Maris Closas), hermana de la ex esposa de Arauz y tía de las nenas, quien pasa horas en la casa muchas veces soportando la locuras de la chicas y muchas otras entrometiéndose. Entre otros muchos personajes que dan vida a esta entretenida serie.

La historia es muy vieja: María la mucama, poco a poco se integra a esta familia donde las chancletas eran “sus nenitas”, casi sus hijas; cariño que las niñas responden de igual manera. María es la solución a todo y media en las peleas que sostienen entre ellas, las penas de la edad, las dificultades con amigos y compañeros y las apoya en este “descubrir el mundo”. Cada niña encuentra en María el apoyo que su madre no pudo brindarles y que papá intenta cubrir pero le es difícil lograrlo. La niñera, entonces, es además un nexo entre padre e hijas, y como era de esperar, se enamora del patrón.

Arauz es un tipo exitoso desde lo profesional y físicamente atractivo, es por esto que muchas mujeres se interesan por él, las que en su mayoría no son aceptadas por las niñas quienes se las arreglan por hacerles la vida insoportable. Saben, eso sí, que su padre al igual que ellas necesita el afecto de una mujer, de una pareja, lo que finalmente -y después de un largo desfile de pretendientes- se define a favor de María a quien elije como compañera de vida. Una vez más la historia de la cenicienta no falla.

El impacto de esta serie fue internacional y básicamente se debe a las temáticas tratadas donde se desnudaba la cotidianeidad de una familia otorgándole la misma importancia a la perra de Flo, llamada Rita, como a los amores y desamores de Jose. Las niñas de caracteres distintos y marcados, a través de la serie demuestran a su padre y a los teleespectadores, que son las experiencias de la niñez y la juventud –buenas o malas– las que forjarán el carácter de cada una de ellas para el futuro.

Grande Pa! permitió que los padres vieran con un prisma distinto a sus hijos, los niños en cambio pudieron ver adultos vulnerables, que se equivocan, que aman y esperan que los amen, que intentan elegir lo mejor para ellos entendiendo que la mejor de las herramientas no es decidir por los hijos sino guiarlos por el camino correcto, que puede no ser el más fácil.

Esta entretenida y vista comedia marcó a muchos, muchos también han heredado parte de su temática, con objeto de replicar o alcanzar una victoria similar en la vida, o en el rating, pero sin duda esto último es lo que más costará alcanzar.

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“Elige la vida. Elige un empleo. Elige una carrera. Elige una familia. Elige un televisor grande que te cagas. Elige lavadoras, coches, equipos de compact disc y abrelatas eléctricos. Elige buena salud, colesterol bajo y seguro dental. Elige hipoteca a interés fijo. Elige un piso piloto. Elige a tus amigos. Elige ropa deportiva y maletas a juego. Elige pagar a plazos un traje de marca en una amplia gama de putos tejidos. Elige bricolaje y preguntarte quién coño eres los domingos por la mañana. Elige sentarte en el sofá a ver teleconcursos que embotan la mente y aplastan el espíritu mientras llenas tu boca de puta comida basura. Elige pudrirte de viejo cagándote y meándote encima en un asilo miserable, siendo una carga para los niñatos egoístas y hechos polvo que has engendrado para reemplazarte. Elige tu futuro. Elige la vida… ¿pero por qué iba yo a querer hacer algo así? Yo elegí no elegir la vida: elegí otra cosa. ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?”.

Con este monólogo se da inicio a la película que en 1996 dirigió Danny Boyle, basada en la novela del mismo nombre escrita por Irvine Welsh, cuya trama principal se basa en un grupo de adictos a la heroína que viven en Edimburgo, y que no tienen ningún tipo de aspiraciones para la vida.
El título de la película hace referencia al hobby de mirar el paso de los trenes, bastante popular en el Reino Unido, cuyo término anglosajón es justamente Trainspotting.
En la película, xxiste una dualidad brutal en la vidas de estos adictos por un lado, está la placentera sensación de la droga, y por otro, el oscuro abismo y excitación que el adicto enfrenta ante la necesidad de ésta para estar bien. El personaje principal de Traispotting lo encarna Ewan McGregor, con el nombre de Mark Renton. Mark se cuestiona la vida, no sabe para qué elegirla… seguir a la masa no es nada fácil, hacer lo que todos hacen y deben hacer le parece confuso, complicado.

Mark vive la vida del adicto, no trabaja, no cumple horarios, no tiene pareja, no posee mayores responsabilidades que buscar la forma de satisfacer su adicción. En su afán de hacerse de este efímero bienestar se concentra en encontrar lo que sea, con el único requisito que se pueda vender para alcanzar su objetivo final: la droga.

A pesar de que el perfil de un drogo es bastante individualista, Mark, comienza a cuestionarse acerca de esta soledad elegida y obligada a la vez,  y decide cambiar el rumbo de su vida para terminar con esta sumisión y acabar con la monotonía de cada ciclo que enfrenta. “Cambia, todo cambia” dice una canción, y Mark no podía cambiar. Mil intentos y encierros, pero nada se equilibraba en la balanza de la droga, nada podía alejarlo del placer… eso nunca se le olvidó, eso nunca cambió.

Traisnpotting causó gran polémica, el vox poluli, decía que promovía el consumo de drogas entre los jóvenes. Aún así, esta película se ha declarado como unas de las cinco mejores cintas británicas de todos los tiempos. Una mezcla perfecta entre estética y contenido llenan la pantalla, junto a atrevidos diálogos que desvisten el humano tema de la adicción a la droga.
El sueño de su creador era esperar que los actores envejecieran y con los mismos poder montar una nueva cinta, diez años más tarde; los que ya han transcurrido, y nada se ha si quiera rumoreado de esto.

Trainspotting, tiene una excelente banda sonora, en la que destacan temas tales como: “Lust for”, Iggy Pop; “Deep Blue Day”, Brian Eno; “Trainspotting”, Primal Scream; “Atomic Atomic”, Sleeper”; “Perfect Day”, Lou Reed; “Nightclubbing”; entre otros.

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Bruce Lee, artista marcial y actor, nació en San Francisco, California, el 27 de noviembre de 1940. Si bien su padre era chino y su madre chino-alemana,  el destino quiso que naciera Bruce en mitad de una gira de la compañía cantonesa de teatro chino donde su padre era actor, en los Estados Unidos.
Lee fue llamado Bruce por una enfermera que consideró más oportuno un nombre occidental para el pequeño, sin embargo su nombre chino fue Lee Jun Fan, por lo que Bruce nunca fue usado dentro de su familia y sólo recobró fuerza cuando fue matriculado en el Colegio La Salle donde estudio hasta los 12 años, en Hong Kong; y luego en una nueva escuela católica llamada Colegio San Francisco Javier.
De pequeño participó en una serie de filmes, aún cuando ninguno estuvo relacionado con las artes marciales. Su primera aparición fue a sus tempranos dos meses de edad en “Goleen Gate Girl”, película de la cual no existen registros. A los seis años, dado su carácter resuelto y su carisma participo en otros tantos films, siendo el más conocido “The Orphan”.
Ya un poco mayor, el espigado joven es nombrado campeón de Cha-cha-chá en Hong Kong y comienza a estudiar el Tai-Chi con su padre, dirigiendo tempranamente su atención hacia la variedad de Kung Fu denominada Wing Chun Gung Fu, más asociado a la defensa personal, imprescindible para él por su capacidad natural en protagonizar altercados en su juventud.
Bajo las enseñanzas del maestro Yip Man, se perfiló como un reconocido exponente a nivel mundial de esta tradicional disciplina china, dedicándole la vida nuevos aires en busca de la perfección y la verdad. Sin embargo derivó hacia un estilo propio que él mismo denominó como Jeet Kune Do (JKD) o “camino del puño que intercepta”.

A los 18 años, Lee retornó a los Estados Unidos debido a una solicitud echa por su padre que quería liberarlo de la serie de líos en que el joven se metía. Así comenzó su vida de estudiante de la Universidad de Washington, en Seattle, donde él mismo trabajando como asistente de cocina en un restaurante chino financió su carrera de filosofía.
Luego descubrió que podía traspasar su disciplina y comenzó a impartir clases de boxeo chino en la universidad; además conoció en ese entonces a Linda Emery, quien en 1963 se convirtió en su esposa.

Luego del matrimonio y con la conformación de su escuela oficial de artes marciales, Lee comenzó a tener problemas con la comunidad china residente, quienes se negaban a traspasar las enseñanzas de ese arte a occidentales. Sin hacer caso a lo anterior, en 1964 asistió como invitado a la exhibición del fundador de la Tempo Karate en Estados Unidos, Ed Parker, demostrando habilidades que dejaron sorprendidos al público asistente, entre ellos a un productor de TV llamado William Dossier quien le solicitó que se presente a algunos castings para sus proyectos televisivos. 
Ya en 1966, Bruce Lee aceptó un papel ofrecido para la serie televisiva “The Green Hornet” o “Avispón Verde”, donde su rol secundario de un chofer japonés llamado Kato, le permite lucirse al demostrar una innovadora técnica de lucha desconocida para el público estadounidense, acostumbrado a peleas de boxeo. Para sorpresa de todos, la serie que terminó al año siguiente, tuvo similar éxito en Hong Kong.
En 1967, para poder financiarse Lee retomó sus proyectos de escuela de Kung Fu y adiestró a muchas personalidades del cine. Hizo además una gran amistad con Dan Innosanto, un americano de ascendencia filipina, experto en el arte del palo corto llamado Kali.
Otra serie que se le ofreció fue “Kung Fu”, participando activamente en la idea original de ésta, sin embargo se designó a David carradine para protagonizarla lo que consideró Lee una discriminación a su ascendencia china lo cual no fue bien visto por los americanos. 
Si bien Bruce lee se hizo conocido por la serie televisiva el Avispón Verde, el salto hacia la pantalla grande fue recién en 1971. Estando en Hong Kong, el productor Raymond Chow, de la Golden Harvest ofreció a Bruce la participación en uno de sus proyectos cinematográficos cuyo film se llamó Big Boss (Karate a muerte en Bangkok o El Gran Jefe), el cual fue de inmediato un tremendo éxito en Hong Kong acopiando beneficios de millones de dólares. Bruce Lee se ganó el top de la popularidad china quienes lo consideraba un héroe nacional.
El mismo año participó de su segundo film de artes marciales llamado “Fist of Fury” (Furia Oriental o Puños de Furia) donde se explotó la supuesta superioridad del Kung Fu sobre el Karate japonés, como una forma literal de explotar el sentimiento de inferioridad de los chinos frente a los japoneses. El éxito de este film superó toda expectativa y Bruce Lee se transformó en una consolidada estrella de films de artes marciales.
En 1972, como actor, guionista, co-productor y director, participó en el film “The Way of the Dragon” (El furor del Dragón o el Camino del Dragón) filmado en Roma junto a Chuck Norris. El film fue otro éxito de taquilla dentro del circuito chino. Esta película es considerada un clásico de las artes marciales y la lucha en el Coliseo es una de las más memorables de la filmografía de Bruce Lee, la que se conoció como el combate del siglo. Como dato curioso en el tema central de la banda sonora, él se encargó de tocar la percusión.
Lee trabajó en una película que quedaría inconclusa llamada “Game of Death” (Juego de la Muerte) junto a sus amigos y discípulos Dan Inosanto y Kareem Abdul-Jabbar, de la cual están rodados sólo 11 minutos.
Una nueva oferta coparticipativa entre una productora americana y china para desarrollar la película “Enter the Dragon” (Operación Dragon) le fue ofrecida a Lee, quien aceptó con entusiasmo como codirector de las escenas de lucha y actor principal. En esta película Bruce Lee se granjeó una fama póstuma entre el público estadounidense y es considerada la obra cumbre de Lee. Fue finalizada en abril de 1973, 4 meses antes de su muerte y exhibida un par de meses después de su deceso con un éxito de taquilla abrumador.
El 20 de julio de 1973, Lee en la cumbre del éxito, muere en misteriosas circunstancias a los 32 años en un apartamento en Hong Kong. A las 14 horas de ese día, en el departamento de su amiga  Betti Ting Pei, Lee sintió un profundo y agobiante dolor de cabeza que le hizo tumbarse en la cama y Betti, según su versión que es considerada como oficial, le proporcionó un analgésico. Lee se sumió en una profunda inconsciencia de la cual ya no volvería, entró en estado de coma. Fue llevado a un hospital, en el que ingresó ya fallecido.
Actualmente todavía se especula sobre las causas de la muerte de Bruce, pues no hay un diagnóstico certero que despeje las dudas. La más real es que pudo haber muerto por una complicación derivada de un ataque de epilepsia, efecto que sólo después de 20 años de su muerte la medicina parece haber descubierto. Filkins, un médico de gran prestigio afirmaba que la explicación oficial en torno a la causa de la muerte de Lee es errónea, puesto que en las reacciones alérgicas a los fármacos se suelen presentar indicios como hinchazón irregular en el cuello o insuficiencia respiratoria. En vez de eso, Filkins piensa que Lee murió a causa de un síndrome de muerte súbita inesperada, derivada de la epilepsia Sudep, síndrome que no se identificó hasta 1995.
Lee tenía casi 33 años y los médicos aseguraron que su cuerpo -admirablemente formado- no representaba más de 18 años biológicos. Su muerte sorprendió al público de Hong Kong y en un principio se atribuyó como falsa la información.
Se ha sabido que antes de su muerte Lee había sufrido unos extraños desmayos anteriores de los que se había recuperado. La autopsia de Lee demostró que su cerebro se había inflamado masivamente comprimiéndose dentro de la caja craneana.
El funeral que siguió fue apoteósico en Hong Kong; la multitud de admiradores fue tan impresionante que el ambiente donde estaba el ataúd de Lee era sofocante. Fue enterrado en Lake View en Capitol Hill, Seattle, EE.UU. Tuvo con su esposa Linda Emery (ahora conocida como Linda Lee Cadwell), dos hijos: Shannon Lee y Brandon Lee. Este último, al igual que su padre, falleció en un extraño accidente en el rodaje de la película The Crow (El Cuervo)
Sus participaciones cinematográficas, su carisma y la influencia lograda en el mundo occidental, contagiaron la pasión por las artes marciales a los habitantes de Estados Unidos, Europa e incluso en Latinoamérica. Una gran cantidad de seguidores de todo el mundo disfrutaron de su técnica, que dejó una huella que aún perdura en el tiempo.

Películas
• The Big Boss (”El Gran Jefe”, “Karate a muerte en Bangkok”) (1971)
• Fist of Fury (”Puños de Furia”, “La Conexión China”, “Furia Oriental”) (1972)
• Way of the Dragon (”El Camino del Dragón”, “El Regreso del Dragón”, “El furor del Dragón”) (1972)
• Enter the Dragon (”Entra el Dragón” u “Operación Dragón”) (1973)
• Game of Death (”Juego de la Muerte” o “Juego con la Muerte)- inconclusa (estrenada en 1978).

Escenas de la pelicula “Fist of Fury”

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Esta serie infantil de los 70´s se tituló originalmente “Seigi no Asiru Mono Gekko Kamen” y fue conocida con múltiples denominaciones como Moonlight Maskman, Moon Mask Rider y Gekko Kamen. En 1958 el japonés Kohan Kawauchi creó el original Capitan Centella, una película para televisión en vivo, destinada a competir con los héroes occidentales Superman y Batman.

El éxito del film fue increíble: pronto un libro con más historias del primer superhéroe de

la TV japonesa fue publicado y al año se estrenó una segunda película del ya famoso Capitán Centella, quien estableció el estándar para los posteriores “competidores” salvadores del mundo.

La televisión hacia esos años era nueva en Japón, así que muchos niños que no tenían TV se reunían en las casas de sus amigos o vecinos; era tal la admiración por el Capitán, por lo que compraban capas, visores, máscaras, pistolas y jugaban a ser Centella en el patio de la escuela y patios traseros. Como todo superhéroe, eso sí, los niños japoneses (y también los estadounidenses), tuvieron accidentes cuya responsabilidad se les atribuyó al Capitán Centella y sus mortales técnicas.

El slogan de nuestro héroe: “No odies ni mates, perdona a tu enemigo”, provocó muy favorable reacción en el público y en 1970 Capitán Centella fue adoptado para la conocida serie animada, que no solamente conquistó a la teleaudiencia del Japón sino también causó furor en occidente. Más de 30 países la convirtieron instantáneamente en la favorita de los niños y su música, creada especialmente para la serie, fue grabada en un longplayque vendió más de un millón quinientos mil dólares sólo en los primeros tres años.

Esta serie cuenta las aventuras de un súper héroe enmascarado llamado Centella, el cual viste un traje de blanco con capucha blanca, unos visores como anteojos y un casco también albo con una media luna dorada al frente. Sus principales armas son unas estrellas que lanza al estilo ninja, un látigo, un par de pistolas y unas medialunas que lanza como un boomerang.

Su capa la utiliza muchas veces como escudo protector contra gases u objetos que le son lanzados en su lucha contra la adversidad; su vehículo es una motocicleta blanca con un diseño especial, el frente se asimila a un faro con una especie de cúpula tipo bala de color rojo.

Sus principales enemigos son el Doctor Dogma,

La Garra de Satán, El Dragón y Godán, quienes junto a un sinnúmero de otros personajes ofrecen la entretención y la aventura capítulo tras capítulo.

La ambientación de este anime es oscura, tal vez porque centella sólo aparecía de noche ya que de día es un inspector de una agencia de detectives llamado Juro Iwai. Cada vez que centella luchaba contra sus enemigos, este fondo oscuro cambia a diversos colores sicodélicos al estilo de la moda de los años 60´s y, los momentos en que afortunadamente se imponía sobre sus enemigos, comenzaba a sonar el tema principal de la serie y su famoso eslogan: “Yo soy Centella, el defensor de la justicia; has hecho daño al mundo, así que te las verás conmigo”.

También, como buen superhéroe cuenta con un cómico asistente llamado Gorohachi Fukuro, su amigo el inspector Matsuda, y los niños Shigeru, Kaboko y Fujiko que ignoran la identidad pero que admiran al enmascarado.

La serie, fue exhibida entre el 24 de febrero de 1958 y el 5 de julio de 1959, con un total de 130 ó 131 capítulos divididos en cinco segmentos

Coincidiendo con la serie de anime fueron producidas algunas películas donde el protagónico fue interpretado por Fumitake Omura. Todas las películas (las cuales están en blanco y negro, como las series de TV) son básicamente adaptaciones de las historias del programa y fueron filmadas en “ToeiScope”.

Una nueva película fue producida en 1981 y denominada Tokusatsu Moonlight Mask, a cargo de Purumie International/Herald Enterprises y distribuida por Nippon Herald Pictures. Fue lanzada al cine el 14 de marzo de ese año como respuesta japonesa al Llanero Solitario (lanzada en el mismo año). Esta versión actualizada tuvo un enorme éxito en las taquillas japonesas. Daisuke Kuwahara  interpretó a George Owara (el nuevo alter ego de Centella) y el resto del elenco estuvo conformado por Sue Shihomi, Daijiro Harada y Takayuki Godai. Ninguno de los personajes originales apareció.

En 1999 surgió la serie gag-anime, una versión cómica del héroe enmascarado producida por Tokyo Movie Shinsha y transmitida por TV Tokyo del 3 de octubre de 1999 al 26 de marzo de 2000, con un total de 25 episodios. El tema de inicio es una versión actualizada y fue cantada por COA.

Capítulos

Serie “

La Garra de Satán” (Episodios 1-13)
En esta serie

La Garra de Satán es una presencia maligna y perversa que con distintas apariciones impone sus designios, no dudando en matar cruelmente a sus lacayos cuando fallan en su objetivo; al final adopta una apariencia perfectamente demoníaca en su enfrentamiento con Centella.

Serie “Rey Kong” (Episodios 14-26)

Inicia prometedoramente con la fuga de una gran cantidad de presos sentenciados a muerte o cadena perpetua gracias a la ayuda del Doctor Dogma, y la aparición de un gorila gigante manso y amistoso que se gana la simpatía de los niños del Japón y que el Doctor Dogma mata y posteriormente lo revive como un monstruo gigante.

Serie “Colmillo de Dragón” (Episodios 27-39)

La serie se centra en la constate búsqueda por parte de El Dragón y su secuaz Godam de los cristales H-O, pequeños cristales catalizadores de asombrosas propiedades, que pueden ser utilizados para hacer un gran bien a la humanidad purificando el agua contaminada y convirtiéndola en oxigeno e hidrógeno o como arma mortal, provocando la inmediata deshidratación de los animales y plantas en su cercanía.

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El reality show Protagonistas de la Fama fue el primero y el más exitoso de los realities llevados a cabo en Chile. El año 2003, entre los meses de enero y abril, y bajo el alero del canal de televisión de la Universidad Católica, 14 jóvenes dieron rienda suelta a sus sueños que en 68 episodios cautivaron el interés de chilenos de distintas generaciones.

El 5 de enero fue lanzado al aire el primer capítulo de este show televisivo. Los jóvenes, de entre 18 y 27 años, entraron a una casa estudio donde serían filmados durante las 24 horas del día realizando todas sus actividades, desde las más cotidianas a las asociadas a las competencias desarrolladas para definir quién obtendría la fama que entraron buscando.
El premio final para los participantes era un automóvil y un contrato para participar en una telenovela producida por el canal, cuestión que finalmente fue un tema de menor interés para los televidentes e incluso para los concursantes.

Durante los 3 meses de encierro los jóvenes fueron sometidos diariamente a un estricto sistema de clases de actuación, con una dinámica que incluía una Prueba de Talento el día jueves, donde los jóvenes exhibían representaciones teatrales a un jurado que calificaba a los estudiantes, siendo el más aventajado el Protegido de la semana y el peor desempeño el Amenazado por Talento.

Luego, en un Cara a Cara, se realizaba un segundo tipo de selección pero esta vez por parte de los miembros de la casa estudio, en el cual cada participante debía nominar a uno de sus compañeros (a excepción del protegido y del amenazado por talento) para abandonar la casa estudio. Aquél que recibiera más votos sería el Amenazado por Convivencia.
Durante el fin de semana, a través de votación popular (llamadas telefónicas), el público elegía al Eliminado de la semana entre el Amenazado por Talento y el Amenazado por Convivencia.
Las clases de actuación fueron realizadas por dos connotados actores nacionales: Fernando Gajardo y Vasco Moulián, mientras que el coreógrafo Ángel Torres dispuso la preparación física desde el baile alos jóvenes integrantes del reality. También se insertaron visitas periódicas de personajes de TV.

Para darle más dinamismo al programa y provocar situaciones nuevas, a mediados del programa y por votación popular, reingresaron dos participantes anteriormente eliminados: Juan Ignacio y Francesca. A estas alturas en Protagonistas ya se habían gestado una serie de situaciones personales que hacían más sabrosa la historia: la relación entre Aline y Jorge, el joven resentido social; el complejo y exhibicionista Ballero y Janis Pope (quien más tarde lo despreciaría al comprobar que su amado pretendía también a Bono); Catalina y Francisco Moller, los más conservadores del grupo, quienes a pesar de las trampas de Ballero lograron mantenerse juntos hasta después del reality, entre otras.

Protagonistas de la Fama junto a la telenovela Machos, permitieron revivir a Canal 13 luego de una mala racha en rating que redundó en una seria crisis económica. Los capítulos, transmitidos a las 23.30, batían récords de sintonía, en un horario prácticamente olvidado para los canales de televisión. Los martes (eliminación) y viernes (”cara a cara”), se transmitían a las 22.00 en horario prime superando siempre los 40 puntos de sintonía.

Para lo anterior se levantaron una serie de programas anexos tales como Encuentros Cercanos, conducido por Sergio Lagos, el cual se transmitía tras el capítulo del martes para recibir al eliminado. Amenaza Real, transmitida el viernes a las 23.00 y conducida por el propio Lagos, donde se analizaba el capítulo anterior y la votación popular para elegir al eliminado y, Protagonistas de la Fama en Bruto, transmitido durante la tarde y que mostraba situaciones sin edición (al contrario de la edición central).

El éxito del reality se extendió a todos los ámbitos de la vida chilena. El principal tema de conversación eran las peleas entre los participantes, las confabulaciones en las votaciones de convivencia y las relaciones amorosas dentro de la casa estudio. Los diarios titulaban con los últimos acontecimientos del programa, e incluso el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar del año 2003 fue influido por el efecto-reality, presentando un video durante la transmisión en el que se veía a los participantes cantando el tema central del programa: “La Meta Final” del grupo Polémika-Miró.

El martes 8 de abril se realizó en directo la final del programa frente a miles de personas y con todo Chile tras el televisor, resultando ganadores Catalina Bono, la dulce y religiosa niña buena y Álvaro Ballero, por sobre los otros dos finalistas: Aline Blanc y Óscar Garcés.
Álvaro, cuya finalidad era el reconocimiento (y el auto nuevo) más que el premio por actuación, renunció al contrato pactado con Canal 13 para participar en la siguiente novela de la casa televisiva, y se lo cedió a Óscar quien obtuvo un pequeño papel en la telenovela Machos. Ballero fue sin duda el más popular tras el encierro y firmó un contrato publicitario con Telefónica CTC Chile por más de 120 millones de pesos, sin embargo, su fama pronto terminó por decaer, al igual que la mayoría de sus compañeros de reality.

Catalina participó en la telenovela Hippie con un papel secundario, y luego en la telenovela Quiero. Logró sacar un disco homónimo y cantó la canción principal de Protagonistas de la Música el reality que más tarde –durante el mismo 2003- emuló al anterior pero en una versión musical, producida igualmente por Nicolás Quesille y bajo la conducción de Sergio Lagos. No tuvo tanto éxito como su antecesor.

Tras el éxito de Protagonistas de la Fama, los canales de la competencia decidieron lanzar sus propias versiones de reality show: Televisión Nacional de Chile lanzó Tocando las Estrellas (protagonizado por aspirantes a animadores de televisión), que fue un fracaso. Y Mega compró la franquicia de Operación Triunfo, con igual resultado que la versión del canal estatal, aún así Canal 13 reaccionó lanzando Protagonistas de la Música, el 4 de junio de 2003.

Participantes en orden de eliminación:
Carlalí Villalba, periodista.
Juan Ignacio Reyes, maquillador.
Juan José Alvear, músico.
Consuelo Inostroza, estudiante de Ingeniería Civil Industrial.
Francesca Rojas, productora de eventos.
Janis Pope, bailarina clásica y estudiante de Comunicación Audiovisual.
Jorge Olivares, estudiante de Derecho.
Francisco Moller, estudiante de Ingeniería Comercial
Elizabeth Hernández, Profesora general básica.
Gerardo del Lago, actor.
Óscar Garcés, actor y profesor de Educación Física.
Aline Blanc, actriz.
Catalina Bono, actriz.
Álvaro Ballero, estudiante de Administración Pública.

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Filme cuyo guión, dirección y producción estuvo a cargo del genial actor Charles Chaplin quien, por si fuera poco, fue el protagonista de esta película que hacia 1936 impactó a todo el mundo por su ácida crítica al entorno social de la época.

La realización se desarrolló en el traspaso del cine mudo a un cine sonoro, por lo que incluyó efectos como música, cantantes, voces provenientes de radios y altavoces, así como la sonorización de la actividad de las máquinas. Puede incluso escucharse, en el final, la voz de Chaplin que interpreta una versión de la canción Je cherche aprés Titine.

Tiempos Modernos, donde también intervienen los actores Paulette Goddard, Henry Bergman, Stanley Sandford y Chester Conklin, refleja las condiciones de la clase obrera del período de la Gran Depresión, sus desesperadas condiciones laborales y de calidad de vida dadas por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena.

La película incorpora escenas de corte futurista de la factoría en la que trabaja Charlotte (Chaplin), que sin duda recibe una influencia directa del filme de cine mudo Metrópolis, de Fritz Lang.
La historia relata el día a día de Charlotte, un hombrecillo que trabaja en una línea de producción en serie donde su función específica es el atornillar dos tuercas a la vez a gran velocidad, lo que le produce un tic inicial y recurrente que lo lleva al desquiciamiento total. Comienza a partir de entonces a ejecutar esta acción dentro y fuera del trabajo con objetos y personas, lo que sin duda provoca desconcierto en su entorno social.
En una de esas andanzas Charlotte persigue a una mujer con unas llaves en la mano, lo que provoca la reacción de la policía; posteriormente, dentro de la fábrica desata el caos al ser arrastrado por los engranajes de la imponente maquinaria.
Finalmente y tras una serie de dificultades es recluido en un hospital siquiátrico de donde sale más tarde para encontrarse con una realidad muy distinta, donde su fábrica y todas las demás ya no funcionan: es la crisis del 29 que sume en la miseria a los trabajadores no sólo de Estados Unidos sino de todo el mundo capitalista.

Con Tiempos Modernos, Charles Chaplin orienta su obra superando la tragedia individual que caracterizaron a filmes como The Kid, para elevarse a los grandes temas del mundo contemporáneo. Entendió que el escenario social había cambiado y lo seguiría haciendo, con un mundo menos humano y cada vez más focalizado en la acumulación de riquezas.
Si bien se ha criticado la inconexión de las escenas de la película, escenas memorables son el encuentro de Charlotte con una manifestación de obreros despedidos, donde inconscientemente alza una bandera roja de un vehículo que lo convierte en el líder involuntario de ésta, sin darse cuenta era el líder de la causa sin tener claramente conciencia de cuál era ésta.
“Tiempos modernos” es la caricatura de la humanidad degradada en el mundo laboral de la fábrica. Charlotte no es un trabajador regular o medio sino un retrato de la miseria de la condición proletaria. Se reconoce en Chaplin como principal recurso cómico, la dignidad de Charlotte, quien es un vagabundo que se cree un caballero y cuya pretensión no es más que una noble reivindicación de la dignidad humana.

La película “Tiempos modernos”, obra genial de Charles Chaplin, es una alegoría consecuente por la actitud humanista e identificación del autor con las grandes mayorías oprimidas, válida para los tiempos modernos en los 30 y para los tiempos contemporáneos en el actual Siglo XXI. Y es un instrumento legítimo para que la humanidad se mire en ese espejo y se analice desde la perspectiva de lo humano.

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Clásico infantil fue “Hugo”, programa animado por Ivette Vergara y que trataba básicamente de un espacio enfocado en un juego interactivo. La gente se comunicaba con el canal y luego a través de su teléfono jugaba en diferentes etapas. Otros programas interactivos de éste tipo, eran “Sega Acción” con Jennifer Warner y “Nintendo Manía” con Julián Efelbein.

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La competencia que tenia “Patio Plum” era “Pipiripao”, programa transmitido por UCV-TV entre los años 1984 y 1997. El espacio fue conducido por Roberto Nicolini y se convirtió rápidamente en el más popular de todos. Es decir, quien no se acuerde del Robot Tonga o del Fantasma Ble simplemente no tuvo infancia.

La escenografía del programa era muy simple, no contaba con efectos especiales ni nada de eso, a lo más se utilizaba un croma para hacer aparecer al Fantasma Ble en un castillo; y es que era tan rudimentario el efecto que a veces se notaban los pies de la persona que estaba detrás del fantasma, pero eso se suplía frente al gran plus de Pipiripao que eran los monitos animados como Jet marte, El Festival de los Robots, Centella y tantos otros.

Intro de Pipiripao

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En el Chile de los 80 en cambio se desarrolló una crisis económica, estudiantes universitarios protestaban y el gobierno agudizó la represión contra sus opositores. En este escenario de efervescencia social los niños de entonces no tenían idea de lo que pasaba a su alrededor (afortunadamente para muchos) y rápidamente –gracias al mundial de fútbol- tuvieron la posibilidad de pasar horas frente al popular televisor marca RTU.

Los programas infantiles que daban en ese entonces eran pocos pero variados, pero acaparaban toda la atención de la audiencia que no se veía bombardeada ni por el cable, ni por Internet ni menos aún por la televisión satelital. Los favoritos de entonces eran: “Patio Plum”, “Pipiripao”, “Cachureos”, “El Profesor Rosa” y “Mazapán”.

“Patio Plum” partió en 1983 en el entonces canal RTU (hoy Chilevisión). El programa era una especie de vecindad (estilo Chavo del Ocho), que contaba con la participación estelar de un perro llamado Lenteja, del que muy pocos saben que la persona detrás del mono era Juan Carlos Olmos, responsable de introducir el término “cachilupi” al léxico urbano de esa época, que quería decir algo así como “buena onda” o “bakán”.

También se recuerda a un joven Samuel Villaroel quien interpretaba al amigo Sam que era acompañado además por Manolo, Pelusa y las marionetas Don Simón, y Temistocles.

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