Videojuego Pacman

El videojuego tiene exactamente 255 pantallas completamente jugables, siendo éste el mayor número que se puede expresar con ocho cifras en el sistema binario. Aún cuando técnicamente existe un nivel 256, de lograrlo el jugador apreciará una distorsión en la parte derecha de la pantalla, con caracteres incongruentes y haciendo que el juego sea prácticamente injugable. Los fanáticos de Pac-Man se refieren a este nivel como el “Nivel Final”, el “Nivel de la Pantalla Partida” (Split-Screen Level) o sencillamente como el final de Pac-Man.

Grandes jugadores

En diciembre de 1982, un niño de ocho años llamado Jeffrey R. Yee recibió una carta del entonces presidente de los Estados Unidos, Ronald Reagan, en que le felicitaba por haber conseguido el récord mundial de 6.131.940 puntos, una puntuación que sólo se puede conseguir si el jugador pasa por el nivel de la pantalla partida.
En 1999 Billy Mitchell jugó una partida perfecta de Pac-Man, es decir completó los 255 niveles con la puntuación máxima sin ser capturado ni una sola vez por los fantasmas. Obtuvo como puntuación 333.360 puntos.
A partir de esto Mitchell cuestionó la veracidad del puntaje obtenido por el niño y ofreció 100.000 dólares al que pudiera completar el nivel de la pantalla partida antes del 1 de enero de 2000, sin embargo nadie pudo lograrlo.
El 5 de junio de 2007 se celebró en Nueva York el campeonato mundial de Pac-Man, donde un mexicano, Carlos Daniel Borrego, se llevó a casa el torneo después de haber sido coronado y premiado por el mismísimo Toru Iwatani como el primer y único campeón mundial de Pac-Man. El campeonato fue promocionado por Bandai Namco y Microsoft; entre los premios se encontraban 100000 Microsoft Points y una consola Xbox 360 basada en Pac-Man con el autógrafo del creador.

Pac-Man y más

Su éxito llevó a sus creadores a idear nuevas versiones del juego, es así como se puede encontrar:

• Pac-Man (1980)
• Ms. Pac-Man (1981)
• Super Pac-Man (1982)
• Pac-Man Plus (1982)
• Jr. Pac-Man (1983)
• Pac & Pal (1983)
• Pac-Land (1984)
• Pac-Mania (1987)
• Pac-In-Time (1994, Nintendo Super Famicom)
• Pac-Man 2 – The New Adventures (1994, Nintendo Super Famicom y Sega Mega Drive)
• Pac-Man VR (1996)
• Pac-Man World (1999, Sony PlayStation)
• Pac-Man – Adventures in Time (2000, PC CD-ROM)
• Ms. Pac-Man Maze Madness (2000, Sony PlayStation)
• Ms. Pac-Man – Quest for the Golden Maze (2001, PC CD-ROM)
• Pac-Man All-Stars (2002, PC CD-ROM)
• Pac-Man Fever (2002, Sony PlayStation 2)
• Pac-Man World 2 (2002, Sony PlayStation 2, Nintendo GameCube, y Microsoft XBOX; 2004, PC CD-ROM)
• Pac-Man vs. (2003, Nintendo GameCube)
• Pac-Man World 3 (2005, Sony PSP, Sony PlayStation 2, Nintendo GameCube, Microsoft XBOX, PC CD-ROM, y Nintendo DS)
• Pac’n Roll (2005, Nintendo DS)
• Pac-Pix (2005, Nintendo DS)
• Pac-Man Championship Edition (2007, Xbox Live Arcade

Curiosidades de Pac-Man
• En un capítulo de Futurama varios personajes de videojuegos invaden la ciudad, Fry y sus amigos entran a un cuartel militar en donde sale Pac-Man (sólo que con un sombrero militar y es llamado el General Colin Pac-man). Luego, cuando uno de los disparos de los Space Invaders golpea a Pac-man y éste desaparece. Ms. Pacman llora a su esposo.
• En la serie animada Padre de Familia, Peter reflexiona: “Es como si Pac-Man se divorciara de Ms. Pac-Man”, en ese momento sale una escena donde Pac-Man está fumando y los fantasmas lo tratan de animar.
• En South Park el gobierno planea bombardear la imaginación, se puede ver una escena donde va a comenzar una guerra de personajes imaginarios, entre la multitud se puede ver a Pac-Man y a los fantasmas detrás de él.
• En Mansión Foster para Amigos Imaginarios, en “La Casa de Blue, 2º parte”, cuando el extremazaurio persigue a Blue por el basurero se observa desde arriba a Pac-Man persiguiendo al fantasma.
• En la serie animada Drawn Together, en el episodo “Reventón gay”, aparece Pac-Man conversando con Xander (personaje de la serie de profesión aventurero de videojuegos inspirado en Link de la saga Zelda), y revelando que él mismo es Ms. Pac-Man, travistiéndose cuando se pone un lazo rosa.
• En Mortal Combat 1 de sega génesis, en el segundo escenario de combate se ve un símbolo de pacman en el muro de la derecha de arriba.
• En el juego de Play Station Klonoa -Door To Phantomile- Klonoa el personaje principal tiene una gorra con un Pac-Man comiendo una pastilla

El creador de la popular serie animada Kagaku Ninja-Tai Gatchaman -Fuerza G- fue el japonés Tatsuo Yoshida. El comic comenzó a ser emitido en dicho país en octubre de 1972 hasta septiembre del año 74. Su primer productor fue Sandy Frank y fue el reconocido Hanna-Barbera quien adaptó la serie al inglés, comenzando la emisión de ochenta y cinco de los 105 episodios originales japoneses, en la primavera de 1978, para occidente.

Los personajes de la serie

Ken
G-1:Owashi Ken (Aguila Ken)
Su nombre real era Ken Washio. Este héroe de 18 años, de ojos azules y pelo castaño, había nacido el 4 de abril de 1984.
Ken era el personaje principal del quinteto que conformaba Fuerza G. Con un gran temple al comienzo de la serie, fue perdiéndolo tras la muerte de su padre, Impulso Rojo. Más tarde descubriría que estaba vivo.
Fue el doctor Nambu quien lo crió desde sus tempranos ocho años. Ken cultiva desde su niñez múltiples amistades siendo el más importante Joe, relación similar al de un hermano que va creciendo con el tiempo.

Joe
G-2: Cóndor Joe
Joe Asakura, nacido el 15 de noviembre de 1984, era un corredor de autos. A diferencia de su amigo Ken, que es un joven racional, Joe es de acción: “dispara primero y hace preguntas después”. Es esta forma de ser la que provoca quiebres en la relación del equipo.
A Joe le estimula la venganza, ello debido a que de niño fue testigo del asesinato de sus padres a manos de Galactor, pero al igual que Ken, fue salvado y criado por el doctor Nambu, que lo entrenó como un Ninja. Con la colaboración de Ken, Joe averigua que sus padres también eran discípulos de Galactor y fueron asesinados por traicionar a la organización.

Jun
G-3: Shiratori Jun (Jun el Cisne)
La joven Jun, 2 años menor que Ken y Joe, con 16 años y ojos verdes, fue descubierta por el doctor Nambu en un orfanatorio. Tras insistir logró reclutarla, junto con Jinpei, también del orfanato.
Jun es experta en explosivos y electrónica, lo que en muchas ocasiones la pone en riesgo obligando al equipo a ir en su rescate. Ella quiere a Jinpei como su hermano pequeño y tiene sentimientos especiales para con Ken que superan su amistad.

Jinpei (Avesilla)
G-4: Tsubakuro Jinpei (Golondrina Jinpei)
Jinpei, el pequeño de 10 años, fue acogido por el doctor Nambu dada la insistencia de Jun. Si bien es el más joven del equipo, es un gran luchador: ágil, rápido en batalla y exacto con sus armas. Ryu es su amigo y compañero (y el primero en golpear Jinpei en la cabeza cuando se lo merece). Al ser el más pequeño, es menos respetado que Ken o Joe.

Ryu
G-5: Mimizuku Ryu (Gran Búho Astado Ryu)
El joven Ryu, de 17 años, es el piloto de la nave Fénix y el único miembro del equipo que cuenta con una familia, lo que lo obliga a desentenderse de muchas de las misiones que emprenden, aunque es un gran luchador. Proviene de un pueblo de pescadores, lo que lo convierte en el menos sofisticado del grupo, pero de una gran sensibilidad.

Nambu (Profesor Mente Brillante)
Nacido en 1962, este inteligente científico fue por años entrenado en la Ciencia Ninja. Se centra en sus estudios en el Proyecto del Manto, un plan para crear una fuente casi ilimitada de energía libre de polución, plan que tiende a hacerle el blanco de los ataques de Galactor. Él es un miembro ampliamente respetado del ISO, aunque su notoriedad le ha proporcionado una serie de rivales.

Kentaro Washio (Impulso Rojo)
Le fue encargada por el ISO una misión de espionaje confidencial a la nación de Huntworl. Falsificó su muerte, cambió su identidad y confió su hijo al cuidado de su amigo el Doctor Nambu; a pesar de entender la necesidad de mantener la misión y estar lejos de su pequeño, la añoranza por estar cerca de él lo marca profundamente.

Los antagonistas

Señor X o Soosai X es un nativo de un planeta lejano, quien fue llamado a la Tierra por doctor Rafael después de la destrucción de su planeta. Decidió destruir la Tierra y su plan era dirigir al sol en un curso de colisión con la Tierra. Si bien su plan no funcionó, X continuó esperando y haciendo la vida miserable a los terrícolas.
No se distingue a ciencia cierta si X es una computadora muy inteligente o quizás una energía que cuenta con la habilidad de crear nuevas formas a voluntad (como visto en Gatch F). Sin embargo, X es un ser poderoso cuya gran habilidad es manipular el material genético humano con el tiempo (haciendo así a Berg Katse y Gel Sadra).

Galactor
Berg Katse, de 28 años, fue creado por X como un experimento uniendo a dos gemelos, un niño y una niña. Katse, producto de esto, sufrió en su niñez por los constantes cambios de varón a hembra, en una base anual. Posteriormente Katse gana la habilidad de controlar estos cambios, volviéndose el líder de Galactor, sólo informando a Soosai X.
Como hembra, Katse es un líder muy inteligente, cuidadoso e interesado. En forma de varón, es menos inteligente y más arrogante y esa excesiva confianza es la que lo lleva de vez en cuando a la derrota por la Fuerza G. El nombre de Katse es bastante indicativo de su naturaleza dual: Berg es un nombre masculino, mientras Katze es un nombre femenino.

Goons
Recogidos de prisiones y organizaciones terroristas internacionales, a ellos se les enseña que la organización lo es todo, por sobre los intereses individuales y la vida de cualquiera y, por lo tanto, deben trabajar en equipo para derrotar a la Fuerza G..

Este guión de Jennifer Chambers Lynch, quien además dirigió la película, está protagonizado por Julian Sands quien en el film representa a Nick Cavanaugh, un exitoso cirujano jefe de un hospital, quien es visto como un hombre inteligente, trabajador y curiosamente soltero a pesar de que ya ha pasado los cuarenta. Es la muerte de su madre lo que provoca que Nick reflexione acerca de su vida y su futuro… y acerca del amor, donde Nick vive acosado por el recuerdo de una breve aventura con una mujer.
Si bien la crítica especializada no acompañó a la demencial Boxing Helena, la historia de esta obsesión de Julian Sands tiene todos los elementos que, más o menos criticables, hacen de ésta una película de culto: un guión poco convencional, saltos temporales en el film donde se mezcla la realidad y la imaginación de una mente enferma y, por supuesto, la belleza de Helena -quien cautiva en la mansión del médico – es idolatrada por Nick quien decide amputarle sus miembros con el fin de tenerla ahí, siempre …
La polémica película se hizo famosa antes de su estreno, ello debido a que Kim Basinger, quien había confirmado su participación en el film, se negara a protagonizarla por las escenas de sexo que contenía éste, siendo sustituida por Sherilyn Fenn, conocida por su actuación en la serie “Twin Peaks”. Tras su estreno, sin embargo, su impacto fue bajo y gracias al film su directora Jennifer Chambers Lynch ostentó el premio de la Peor Directora en los Premios Razzers.

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El actor Hal Linden era el presentador de Animales, animals, animals y quien, a través de entretenidos diálogos y canciones, introducía a los temas que trataba esta verdadera enciclopedia animal. Se detallaban mediante historias datos sobre diferentes especies animales, dedicando cada capítulo a un animal específico.

El programa contaba con la participación de expertos en animales, además de cortos animados con anécdotas (con la precaria tecnología de esos años) y canciones compuestas por una dulce joven estilo hippie llamada Lynn Kellog, las cuales eran entondas por ella misma y su guitarra.

Lo más recordado por muchos eran las animaciones y la música, especialmente la introductoria al programa, que era una pegajosa cancioncita country.
En Chile la serie fue emitida por varios años en Televisión Nacional de Chile a comienzo de los 80´s.

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Primera Temporada: Luego del estreno y el éxito rotundo de tres telefilmes del personaje, la ABC produjo una serie a partir de enero de 1974. Caidin se mostró disconforme con el cariz que tomaron las historias pues mayormente convertían a su criatura en un aventurero al estilo James Bond pero biónico. Pero cuando la serie comenzó el personaje cambió (gracias a un retoque de Harve Bennett, el productor ejecutivo de la serie) se recuperó una cierta credibilidad y sensatez. Hasta Caidin estuvo conforme y pidió que su nombre reapareciese en los títulos de crédito. Durante esa primera temporada se desarrollaron los cliches que seguirían durante toda la serie. Por ejemplo, las escenas en las que el héroe corría eran siempre mostradas en cámara lenta (supuestamente corría a una gran velocidad y el público perpetuamente lo veía en cámara lenta, una interesante ironía). Otro aspecto particular era el de la vista biónica (que incluía una grilla que permitía ajustar el foco), todo esto con el peculiar sonido biónico que se hizo famoso entre los chicos de todo el mundo. Con el comienzo de la serie el personaje de Oliver Spencer (Darren McGavin), que era el jefe de OSI (Oficina de Información Estratégica), fue reemplazado por el de Oscar Goldman (Richard Anderson). En cuanto al personaje de Rudy Wells se mantuvo, aunque el actor (Martin Balsam) fue reemplazado por Alan Oppenheimer. Sus caracteres fueron más deshumanizados y Austin fue mostrado como un tipo sencillo y convencido de sus ideales. Además las historias solían enfrentarlo a peligros de potencias enemigas y conspiraciones internacionales. Curiosamente el ráting no fue lo esperado y ese año la serie no se ubicó en los primeros 25 puestos del ranking.

Segunda Temporada: A mediados de la segunda temporada (1975-76) los productores dieron la nota en la tecla y comenzaron a dotar las historias con más ciencia ficción y monstruos (que era lo que el público quería ver, pero lo poco de credibilidad que quedaba en los argumentos se fue al tacho). Durante esta temporada hizo su primer ataque Barney Miller, el Hombre de 7 Millones de Dólares (Monte Markham), que había sido un campeón automovilístico antes de sufrir un terrible accidente. Pero Oscar Goldman autorizó el reemplazo biónico, pero Barney queda mentalmente inestable y se convence de que debe ser el único hombre biónico. Este primer combate biónico no fue el último (Miller regresó en la tercer temporada). Sin embargo este no fue el único agregado biónico. Al final de la temporada se presentó en el episodio doble The Bionic Woman la historia de Jamie Sommers (Lindsay Wagner), antigua novia de Steve con quien planea casarse hasta que un severo accidente de ski acuático deja a Jamie al borde de la muerte. Al final, previsiblemente, se produce el reemplazo biónico, pero víctima del rechazo biológico, Jamie fallece (o eso es lo que Steve y el público creen). El capítulo tuvo el mayor ráting de la temporada y el público respondió en masa ante tal injusticia, enviando cientos de cartas que bogaban por la continuidad de Jamie. Los telespectadores querían que Jamie se salvase y querían a Lindsay en el papel, no aceptarían a otra mujer biónica en su reemplazo. Así que gracias a la magia de la televisión, Jamie fue revivida a comienzos de la tercera temporada. En el primer episodio (The Return of the Bionic Woman) se reveló que Jamie no murió sino que fue mantenida en animación suspendida por el Dr. Michael Marchetti (asistente de Rudy Wells). Habiéndose recuperado, Jamie sufre amnesia y no recuerda nada de su relación con Steve. Es notable ver un “crossing” (raros en TV) ya que el episodio doble Welcome Home, Jamie dio origen a la serie de la Mujer Biónica en enero de 1976.

Tercera Temporada: Los rátings habían comenzado a subir precipitadamente (la serie se ubicó en el puesto 7 del Ranking Nielsen durante la temporada 1975-76 y 1976-77). El éxito de la Mujer Biónica como personaje de la serie, la catapultó a su propia serie, seguida por millones de televidentes (que la ubicaron por encima del ráting del Hombre Nuclear en un principio). Las historias de ciencia ficción fueron marcando una decadencia de la que jamás se llegó a recuperar. Durante las temporadas finales las historias fueron en general mediocres y los guionistas debían esmerarse con episodios dobles para levantar el nivel. En uno de estos apareció el personaje de Bigfoot o Sasquatch (Piegrande, interpretado por Ted Cassidy, Largo de Los Locos Addams), que era un extraterrestre que asediaba a los protagonistas en varios episodios. También cruzaban episodios de ambas series, con el objeto de atrapar las diversas audiencias. En esta temporada también el actor Martin E. Brooks (más recordado) reemplazo a Oppenheimer en el papel de Rudy Wells.

Últimas Temporadas: Al principio de la cuarta temporada, en el episodio doble The Bionic Boy, se introdujo otro personaje biónico (interpretado por Vincent Van Patten), que era un chico parapléjico que busca vengar la muerte de sus padres luego del consabido implante biónico. Durante la última temporada los episodios mediocres eran salteados con episodios dobles que no generaron mayor interés. Sin embargo hubo algunos episodios con historias realmente buenas, el final ya estaba decretado. La nueva generación de efectos especiales (como los de Superman o La Guerra de las Galaxias) reducían los de las series biónicas a trucos fuera de moda. El último episodio se emitió en marzo de 1978 y el espacio (domingos a las 20 hs.) fue reemplazado con otra serie más volcada a lo que el público quería: Battlestar Galactica (Galáctica).

Presentacion de la serie

Fuente: www.quintadimension.com

Producidos durante los comienzos de la guerra fría, éstos filmes trataban de eliminar los temores de la población hacia la bomba. En ésos tiempos existía una especie de “halo misterioso” al rededor de la bomba. La gente no sabía realmente que era, salvo que era lo más destructivo jamás hecho. Sin duda alguna éstos filmes que contiene el documental son un pedazo de historia.

En 1985, con sólo 10 años, Pablito Ruiz (como era nombrado entonces) se dio a conocer con canciones para preadolescentes como Mi chica ideal, para luego dar paso a otros éxitos tales como Oh! Mamá, Cachetada, Océano, Linda como un ángel, Lady Lady y La malagueña, canción reeditada del mariachi al género pop, entre otras.

Si bien sus letras no se caracterizaban por su osadía lingüística ni por convertirse en un profundo alegato sobre las pasiones y desengaños de la infancia, debemos recordar que se trataba simplemente de un niño cantando para niños (o niñas, en el mejor de los casos).

En esa época el dinero entraba a raudales, gracias a la candidez de su rostro y voz combinada con el furor del “children pop” de aquel momento. A esa altura de los 80´s, dado el impulso de la economía, el nuevo escenario permitía nuevos nichos de mercado inexplorados hasta entonces, lo que fue rápidamente descubierto por los representantes artísticos y los sellos discográficos que supieron explotar la mina de oro que podía ser el pop para niños y adolescentes.

Así en toda América Latina, pudimos ver grupos y solistas que acapararon los mercados con su contagiosa música y Argentina no se marginó de este boom, por lo que en 1984 presentó su apuesta: un niño cantor con el mismo nombre y apellido que el pintor Picasso, Pablo Ruiz, aunque en realidad su verdadero nombre era Pablo Coronel.

Pablito Ruiz–niño vendió discos y cariño a sus fans que al igual que con Luis Miguel y otros ídolos de la década, le dedicaban besos, abrazos y hasta concursos de “un dia con…”, todo para conocer a la persona detrás del cantante partiendo de la premisa de que era el mejor, el sueño de toda mujer (o niña, en realidad). De esa época es el spot de Yogu Up, donde tras sorprender a una embobada fans, finaliza bebiendo esa ochentera bebida-yogurt.

Del ’87 al ’97 Pablito Ruiz grabó siete discos, entre los que se cuentan “Pablo Ruiz”, “Un Ángel”, “Océano”, “Espejos azules”. A principios de los ’90, cuando el cantante contaba con unos quince o dieciséis años, decidió irse a un mercado mayor: México, a fin de engrosar su lista de fans y una cuenta bancaria que iba engordando proporcionalmente.

En 1991, tras un receso mediático, retornó con un nuevo disco cuya canción más conocida fue Paraíso prohibido. Ya en 1995 y cada vez con menos fama, sus singles más escuchados fueron Anoche no dormí y en 1997, Lola y Si tú te vas. En lo sucesivo participó además de otros discos y del programa de la diva argentina Susana Jiménez, en su sección El Circo de los Famosos o El Circo de las Estrellas.

El otrora niño prodigio archivó su carrera como cantante y se dedicó a la actuación y comedia musical en estos últimos años. Trabajó en obras como “Anastasia”, “La Cenicienta” o “La Máscara del Zorro”. Sin embargo, al igual que los zapatos de plataforma, los pantalones Oxford o los políticos latinoamericanos todo vuelve en la vida, más aún en esta época de revisionismo retro. Pablito decidió relanzar su carrera vocal con un nuevo disco, bajo el mismo sello que Cristian Castro y grabado en México, Nueva York y Los Ángeles.

Para el año ’97, sin embargo, las cosas ya no eran las mismas. Pablito rondaba poco más de veinte años y sufrió un cambio de voz en forma más brusca de lo normal. Su sello de entonces decidió lavarse las manos. De un momento al otro, Pablito Ruiz ya no tenía carrera y tampoco cuerdas vocales.

Cuando Ruiz, bordeando los treinta años de edad, se disponía a dar la noticia bomba al mundo, un escándalo se le adelantó por escasas horas. Un programa de TV mexicano mostró unas presuntas fotos en las que el cantante aparecía travestido, junto a otros acompañantes vestidos a tono.

Las imágenes y los titulares recorrieron el mundo: “Pablito Ruiz se hizo travesti”. Al mirar las fotos parecía imposible dudar sobre la identidad del cantante. Sin embargo, tanto el sello como el artista negaron muy presurosos el vínculo. Al parecer se trataba de un travesti muy conocido en el ámbito cultural mexicano, idéntico a Ruiz.

El escándalo le dio una presencia mediática importante, en Chile sin ir más lejos los ya establecidos canales de farándula (inexistentes cuando se conoció Ruiz en Chile), analizaron la información y lo invitaron a responder las dudas. Memorable fue su participación en un estelar del canal Chilevisión, donde una deslenguada Geisha lo invitó a salir del clóset frente a cientos de fans que la abuchearon.

Hoy, más under, Pablo Ruiz ha venido a Chile a revivir sus éxitos como icono kitsch en la mítica discoteque Blondie donde fue la cara visible de un disco cuyo compilado incluye a artistas tan o más curiosos como René de La Vega.

Pablo Ruiz (1985)
1: Bongiorno, my love, te amo
2: Mi locura especial
3: Todo por tu amor
4: El amor esta de moda
5: Te amo, te amo
6: Sol de verano
7: Mi chica ideal
8: Somos jóvenes
9: Rock de la inquietante Susy
10: Por favor ámame

Un ángel (1987)
1: Silbando por la calle
2: Orgullosa nena
3: Lady lady
4: Los juegos del amor
5: Otro momento, otro lugar
6: Linda
7: Oh! mamá
8: Linda
9: Quédate
10: Nena estoy enamorado
11: Cachetada

Océano (1989)
1: Océano
2: Soñando bajo la lluvia
3: La chica de la tele
4: Este mundo
5: Mi corazón se fue
6: Quiero tu amor
7: Hawaii
8: Ámame pronto
9: Hey Valentina
10: Papá
11: Malagueña

Espejos azules (1991)
1: Manías
2: Nuestro amor
3: Espejos azules
4: Fantasmas en tu habitación
5: Pregúntale a la luna
6: No sé qué pasará
7: Loco por ti
8: Carcajadas
9: Manías RMX

Irresistible (1993)
1: Por ella
2: Amo a las chicas
3: El rincón prohibido
4: Aprendiendo a vivir
5: Porqué te fuiste con él
6: Aventura
7: Me gusta verte bailar
8: Evangelina
9: A mi madre
10: Irresistible
11: Por ella (INSTRUMENTAL)
12: El rincón prohibido (INSTRUMENTAL)

60/90 (1995)
1: Presumida
2: Muñequita
3: Anoche no dormí
4: Lucy
5: Maybellene
6: Johnny ven
7: Chica alborotada
8: Quiero ser libre
9: La plaga
10: Medley 60/90 (popurrí)

Aire (1997)
1: Aire
2: Lola
3: Te quiero junto a mí
4: La mar de tu piel
5: Cuerpo a cuerpo
6: Morir de pie
7: Amando amando
8: A flor de piel
9: El viento me lleva a tu corazón
10: Regresa a mi corazón
11: Gota a gota
12: Lola RMX

Was it something that i didn’t say? (1999)
1: Conmigo volarás
2: The love of your life
3: Lost without you
4: All that you want
5: I won’t let you down
6: I can’t get over you
7: El deseo de ti
8: Just let me go
9: Agua de manantial
10: Por ti
11: Just for tonight
12: Indecible
13: Was it something that i didn’t say?
14: El deseo de tí (grupera)

Jamás (2001)
1: Hablame de amor
2: Obsession
3: Jamás
4: Tell me
5: No me tortures
6: A cambio de tu amor
7: I take it back
8: Yo dudo que con él
9: Give me a chance
10: El amor que no te di
11: Mentiras
12: Yo no quiero ser el último
13: No me tortures (salsa)
14: Yo dudo que con él (grupera)
15: Jamás (grupera)

Necesito tus besos (2003)
1: Amor primero
2: Laberinto
3: Necesito tus besos
4: Bendita vida
5: Un sol para los chicos
6: ¿Qué tienes tú?
7: La voy a buscar
8: Agua de lluvia
9: Quiero que vuelva
10: Arréglame el corazón
11: Quisiera poder olvidarme de ti
12: La oportunidad
13: Arrepentimiento

Demasiado tarde (2005)
1: Alguien como tú
2: Prefiero perderte
3: Demasiado tarde
4: Que te ah dado él
5: Quisiera
6: Tras de mí
7: Hoy
8: Ayúdame
9: Te quiero, te quiero
10: Baila conmigo
11: Demasiado tarde (grupera)
12: Alguien como tú (grupera)
13: Demasiado tarde (salsa)

Rezsô Seress, es el compositor de “Gloomy Sunday”, nombre que bautiza a la supuesta canción maldita, que tomó vida a principios del siglo pasado. La historia dice que muchas personas que han tenido penas de amor y que en un momento de nostalgia han escuchado esta composición, de alguna forma se han visto afectados o incluso hipnotizados, y han optado por quitarse la vida, durante o después de haberla oído.

Esta creación de origen húngaro se hizo conocida en los años 30, cuando la interpretó por primera vez Billie Holliday. Popularmente, “Gloomy Sunday”, es conocida como la “canción húngara del suicidio”. Tal fue el impacto que causó por su relación con múltiples suicidios, que en 1936, las autoridades húngaras prohibieron toda producción e interpretación del conjunto de acordes que la componen.

Se estima que en el mundo se han registrado alrededor de 100 suicidios que se podrían tener algo que ver la unión de aquellas notas musicales.

“Gloomy Sunday” se ha convertido en una tradicional y mítica leyenda urbana. Desde su creación y a través del tiempo ha sido interpretada por varios cantantes, entre los que destacan: Billie Holliday, quien logró masificarla; Bjork, Sara Brightman, Sinead O´Connor, Diamanda Galas, entre otros.

“Sunday is gloomy,
My hours are slumberless
Dearest the shadows
I live with are numberless
Little white flowers
Will never awaken you
Not where the black coaches
Sorrow has taken you
Angels have no thoughts
Of ever returning you
Wouldn’t they be angry
If I thought of joining you?

Gloomy sunday

Gloomy is sunday,
With shadows I spend it all
My heart and i
Have decided to end it all
Soon there’ll be candles
And prayers that are said I know
But let them not weep
Let them know that I’m glad to go
Death is no dream
For in death I’m caressin’ you
With the last breath of my soul
I’ll be blessin’ you

Gloomy sunday

Dreaming, I was only dreaming
I wake and I find you asleep
In the deep of my heart here
Darling I hope
That my dream never haunted you
My heart is tellin’ you
How much I wanted you
Gloomy Sunday”.

Mi Pequeño Pony, es un juguete que nació en los años 80. Se le atribuye el diseño a Bonnie D. Zacherle, Charles Muechinger y Steve D, quienes lo abrían entregado a la empresa Hasbro a comienzos de 1981. De esta forma nació el primer “My Little Pony” más conocido en un principio como “My Pretty Pony”.

A fines de 1982 fueron lanzados al mercado con gran éxito, vendiendo más de 10 millones de los tiernos juguetes en el mundo. En 1983 Hasbro decidió innovar creando los “Earth Ponies”, con nuevas poses y colores más vivos: unicornios, pegasos, entre otros. Así la línea de ponies, se convirtió en un potente referente para millones de niños disfrutaron de ropa de vestir, ropa de cama, una serie de dibujos animados y hasta una película de “Mi Pequeño Pony”.

Actualmente, Hasbro está tratando de reinventar su producto “My Little Pony” para las nuevas generaciones, sin perder el estilo pero adecuándose a los nuevos tiempos agregando accesorios más actuales para las niñas de hoy.

Algunos de los episodios de la serie de dibujos animados en su primera
temporada fueron:

The Ghost of Paradise Estate
The Glass Princess
Bright Lights
The Return of Tambelon
The Magic Coins
Fugitive Flowers
ony Puppy
Sweet Stuff and the Treasure Hunt
Little Piece of Magic
Would Be Dragonslayer
La segunda temporada contó con:

The Quest of the Princess Ponies
The Golden Horseshoes
Flight To Cloud Castle
Somnambula
Spike’s Search
The Ice Cream Wars
The Prince and the Ponies