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El grupo de nacionalidad chilena, Los Tres, es considerado uno de los más exitosos del rock chileno. Su historia como banda se inicia en la ciudad de Concepción, el año 1982, en que se reunieron 3 jóvenes universitarios: Álvaro Henríquez, Roberto Lindl y Francisco Molina, se presentaban como “Dick Stones”, tocando temas de Chuck Berry, Gene Vicent, Elvis Presley, entre otros. Inicialmente, sus escenarios fueron universidades, peñas y bares locales.

Con el objetivo claro de triunfar en la música, en 1985, los chicos penquistas deciden radicarse en la capital de Chile, Santiago, donde además se cambiaron el nombre a “Los Tres”, como son conocidos hasta hoy. En 1988, se integró paradójicamente un cuarto integrante a la banda, Ángel Parra, que si bien aumentó la cantidad de integrantes del grupo se fusionó siendo un aporte sinérgico a “Los tres”, que siguieron siendo “Los tres”.

En 1991 la banda grabó su primer disco, denominado “Los Tres”, el cual alcanzó un gran número de ventas y, por cierto, popularidad, con temas hoy emblemáticos como “Amor Violento” y “Pájaros de Fuego”.

La pasión tras este logro no mermó, por lo que en 1993 lanzaron su segundo disco, llamado “Se Remata el Siglo”, bajo el sello de la multinacional Sony, en que destacan temas como: “Gato por Liebre” y “El Aval”. En este disco, ya más maduro, se pudo observar influencias de estilos importantes de la época como el Grunge.

Su tercer disco, editado en 1995, fue el que definitivamente los coronó. Titulado “La Espada & La Pared”, destaca canciones como: “Déjate Caer”, “La Espada y La Pared” y “Tírate”. Con esta producción, Los Tres, obtuvieron el Disco de Oro en tan sólo 25 días, y el Disco de Platino en 46. Además, este disco fue el que les abrió camino hacia la internacionalización de su carrera como músicos.

El 14 de septiembre de 1995, se concretó un sueño sentido por Los Tres y los chilenos, grabaron un disco unplugged para la cadena internacional de televisión MTV, que editado se convirtió en el disco “Los Tres MTV Unplugged”, el cual fue lanzado al mercado en abril de 1996. En éste, se incluyó un compilado de canciones de sus anteriores producciones, además de una canción inédita (Traje de Sastre) y 3 temas originales de Roberto Parra. Con este disco, Los Tres obtuvieron 4 Discos de Platino en tan sólo tres meses.

En 1996 lanzan al mercado una nueva producción, titulada “La Yein Fonda”, un disco grabado en vivo desde su propia fonda, donde tocan cuecas y cumbias. En 1998 editaron “Peineta”, disco con jazz huachaca y cuecas choras, como un homenaje a Eduardo Parra y a Roberto Parra. En estos discos el grupo desarrolló su acercamiento a la música tradicional chilena.

En 1997 editaron, su cuarto trabajo en estudio, llamado “Fome”. De este disco destacan las canciones “Bolsa de Mareo”, “Olor a Gas” y “La Torre de Babel”. En el álbum se aprecia una completa reinvención del grupo, con la creación de un rock más fino y elaborado siendo “Fome”, considerado por algunos, como el mejor disco de la trayectoria de Los Tres.

En la época de la grabación de “Fome”, ha trascendido, se habrían producido roces entre los integrantes del exitoso grupo musical, que se acentuaron en la grabación del disco “La Sangre en el Cuerpo”, el quinto trabajo en estudio de la agrupación, que salió a la venta en 1999, con canciones como “No Me Falles” y “La Respuesta”. Tras éste, el año 2000, la banda anunció su separación. Posterior a esto, cada uno de los miembros siguió la vida con proyectos individuales.

La masa los pedía incesantemente, en el año 2006, los organizadores del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, les ofreció una oferta millonaria, a la que Los Tres dio un no rotundo. Parecía que ya se había visto todo, la ilusión de los fans desaparecía, pero unos días después de rechazar la oferta y tras 6 años de distanciamiento, el 4 de marzo de 2006 anuncian el tan ansiado regreso, con 3 de los 4 integrantes originales: Álvaro Henríquez, Roberto Lindl y Ángel Parra, siendo Francisco Molina reemplazado por el músico Manuel Basualto.

El escenario escogido para reencontrase con el público fue el Festival Vive Latino, en Ciudad de México. Luego vino la presentación en sociedad de “Camino”, la canción del reencuentro y de la nueva cara del grupo chileno. Posteriormente, el 3 de julio de 2006, sacaron al mercado un nuevo álbum, esta vez bautizado como “Hágalo Usted Mismo”, que incluye 10 nuevos temas, dentro de las que destacan: “Camino”, “No es cierto” (dedicado a Augusto Pinochet) y “Bestia” (dedicado a Manuel Contreras). En tan sólo un día, el disco vendió más de diez mil copias.

Actualmente, esta famosa banda continúa trabajando, su éxito aumenta cada día y siguen tocando en diversos lugares del mundo.

Backstreet Boys

“Los Chicos de la Calle de Atrás”, como se traduce al español, nacieron gracias al deseo de Lou Pearlman, un fanático millonario de New kids on the Block (NKOTB), quien quiso ser parte de un proyecto similar al de este exitoso grupo pop. El Floridense Pearlman, se puso en contacto con los ex manager del ya extinto grupo juvenil, Johnny y Donna Wright, quienes aceptaron este nuevo desafío.

La idea era encontrar un grupo de jovencitos con talento, buenos mozos, agraciados y por supuesto que cantaran y bailaran bien. Así y con estos requerimientos, comenzaron la convocatoria a través de periódicos, revistas y programas juveniles de televisión. De los cientos que acudieron a los casting, los primeros seleccionados fueron A.J. McLean, de 15 años; Howie Dorough, de 20; y Nick Carter, un chico ya conocido que apenas alcanzaba los 13 años.

La búsqueda no cesaba, la idea de Lou, era lograr la réplica perfecta del que había sido su grupo preferido NKOTV, para lo que faltaban 2 miembros. El cuarto integrante de los Backstreet Boys fue Kevin Richardson, de 22 años, quien propuso como quinto integrante a su primo Brian Littrell. El grupo se había conformado… comenzaron los ensayos y las presentaciones.

Si bien la historia del grupo se inicia en 1993, el éxito sólo logra concretarse en septiembre de 1995 con la aparición del single “We’ve got it goin’on”, procedente de su primer disco del mismo nombre. Dado que el reconocimiento partió en Europa, siguieron el camino a la fama en el viejo continente. Alemania, Inglaterra y España fueron sus primeros blancos antes de lanzarse a la fama; más tarde y para abrirse las puertas del mundo, grabaron dos temas en español: “Nunca te haré llorar” (I’ll never break you’re heart) y “Donde quieras yo iré” (Anywhere for you).

Su ingreso al mercado latino arremetió con fuerzas, incrementando firmemente sus ventas. En Agosto de 1997, el single “Quit Playing Games”, les da llave a la fama en su propio país. La gran dinámica del baile y melodía de “Everybody”, inspirado en la coreografía del video clip Thriller, de Michael Jackson, los hizo concretar esta fama en todo el mundo.

Los Backstreet Boys, fueron uno de los primeros en incorporar a su material videos, fotografías, entrevistas y biografías interactivas, los cuales adjuntaban a sus CDs, lo que los acercaba aún más a sus fans, aumentando así su boom.

Cuando todo parecía perfecto, el popular grupo tuvo que hacer un alto. Uno de sus integrantes, Brian Litterell, tendría que ser sometido a una operación al corazón, situación que obligó a los Backstreetboys a hacer una pausa en su carrera musical. Concretada ésta con éxito, la historia continúa con una gira por Latinoamérica, la que incluyó a Chile en el Festival de Viña del Mar del año 1998.

La juerga no tenía fin, en mayo de 1999 la banda publicó su tercer disco, “Millennium”, que contenía románticas canciones escritas por ellos mismos. Para promocionar el álbum, partieron en gira rumbo a Centro y Sudamérica, donde contaban con un gran número de seguidores y tenían un número no menor de discos vendidos: el éxito estaba en sus manos y los chicos no podían detenerse. En noviembre del año 2000, finalizada su gira mundial, presentan su cuarta producción, el álbum bautizado “Black and Blue”, en el que también incluyen letras propias.

La agitada vida de Backssteet Boys se detuvo de pronto debido a los problemas de adicción al alcohol y las drogas de A.J. McLean, quien luego de asumir esta contrariedad, ingresó a una clínica de desintoxicación en Arizona. Luego de este impasse que caló hondo en el grupo, las revoluciones bajaron en demasía, por lo que finalmente a mediados de 2001 el grupo decidió tomarse un descanso.

El 2005, el grupo ya más maduro, decide reencontrarse con sus fans, lanzando un nuevo álbum, el cual sería el último, llamado “Never Gone”, con el que volvieron a llenar estadios con miles de personas que aún recordaban y coreaban las viejas canciones, reafirmando así su fama, la cual no se había desvanecido.

Actualmente, cada uno de los que conformaron el grupo vive su vida por separado; Nick Carter, junto a sus hermanos, recientemente participaron de un reality de su propia familia; Brian Littel, es padre de familia y sacó un disco de música cristiana llamado “Welcome Home”; Kevin Richardson está felizmente casado; A.J. McLean, cumplirá este año su cuarto año de limpieza, sin drogas ni alcohol; y Howie Dorough, siguió en el camino de la música pop como solista.

Sin duda, los fans no olvidarán sus discos: BackStreet Boys, BackStreet Back, Millenium, Black and Blur y Never Gone, además del álbum compilado de sus grandes éxitos, Chapter One.

Grande Pa!

La serie argentina que marcó el histórico ranking de 62 puntos en su país, debutó el 2 de enero de 1991 en el canal Telefé. Lo que comenzó como una típica serie de verano, dado su éxito, prolongó su estadía en la pantalla chica hasta 1995, penetrando además otros mercados televisivos latinoamericanos.

La familia del Grande Pa! estaba conformada por el actor Arturo Puig, quien daba vida al atractivo padre viudo, Arturo Arauz; sus tres hijas o chancletitas llamadas Jose (Nancy Anka), Angie (Julieta Frazzari) y Flo (Gabriela Allegue). A esta particular familia se suma la nana María (María Leal), quien en su rol protagónico no sólo soluciona los problemas domésticos de los Arauz, sino también las dificultades personales de cada uno de ellos.

Siempre rodeados de muchas visitas: Teo, interpretado por el vetusto actor argentino, Alberto Fernández de Rosa, amigo íntimo de Arauz; la Tía Norma (la actriz Estela Maris Closas), hermana de la ex esposa de Arauz y tía de las nenas, quien pasa horas en la casa muchas veces soportando la locuras de la chicas y muchas otras entrometiéndose. Entre otros muchos personajes que dan vida a esta entretenida serie.

La historia es muy vieja: María la mucama, poco a poco se integra a esta familia donde las chancletas eran “sus nenitas”, casi sus hijas; cariño que las niñas responden de igual manera. María es la solución a todo y media en las peleas que sostienen entre ellas, las penas de la edad, las dificultades con amigos y compañeros y las apoya en este “descubrir el mundo”. Cada niña encuentra en María el apoyo que su madre no pudo brindarles y que papá intenta cubrir pero le es difícil lograrlo. La niñera, entonces, es además un nexo entre padre e hijas, y como era de esperar, se enamora del patrón.

Arauz es un tipo exitoso desde lo profesional y físicamente atractivo, es por esto que muchas mujeres se interesan por él, las que en su mayoría no son aceptadas por las niñas quienes se las arreglan por hacerles la vida insoportable. Saben, eso sí, que su padre al igual que ellas necesita el afecto de una mujer, de una pareja, lo que finalmente -y después de un largo desfile de pretendientes- se define a favor de María a quien elije como compañera de vida. Una vez más la historia de la cenicienta no falla.

El impacto de esta serie fue internacional y básicamente se debe a las temáticas tratadas donde se desnudaba la cotidianeidad de una familia otorgándole la misma importancia a la perra de Flo, llamada Rita, como a los amores y desamores de Jose. Las niñas de caracteres distintos y marcados, a través de la serie demuestran a su padre y a los teleespectadores, que son las experiencias de la niñez y la juventud –buenas o malas– las que forjarán el carácter de cada una de ellas para el futuro.

Grande Pa! permitió que los padres vieran con un prisma distinto a sus hijos, los niños en cambio pudieron ver adultos vulnerables, que se equivocan, que aman y esperan que los amen, que intentan elegir lo mejor para ellos entendiendo que la mejor de las herramientas no es decidir por los hijos sino guiarlos por el camino correcto, que puede no ser el más fácil.

Esta entretenida y vista comedia marcó a muchos, muchos también han heredado parte de su temática, con objeto de replicar o alcanzar una victoria similar en la vida, o en el rating, pero sin duda esto último es lo que más costará alcanzar.

“Elige la vida. Elige un empleo. Elige una carrera. Elige una familia. Elige un televisor grande que te cagas. Elige lavadoras, coches, equipos de compact disc y abrelatas eléctricos. Elige buena salud, colesterol bajo y seguro dental. Elige hipoteca a interés fijo. Elige un piso piloto. Elige a tus amigos. Elige ropa deportiva y maletas a juego. Elige pagar a plazos un traje de marca en una amplia gama de putos tejidos. Elige bricolaje y preguntarte quién coño eres los domingos por la mañana. Elige sentarte en el sofá a ver teleconcursos que embotan la mente y aplastan el espíritu mientras llenas tu boca de puta comida basura. Elige pudrirte de viejo cagándote y meándote encima en un asilo miserable, siendo una carga para los niñatos egoístas y hechos polvo que has engendrado para reemplazarte. Elige tu futuro. Elige la vida… ¿pero por qué iba yo a querer hacer algo así? Yo elegí no elegir la vida: elegí otra cosa. ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?”.

Con este monólogo se da inicio a la película que en 1996 dirigió Danny Boyle, basada en la novela del mismo nombre escrita por Irvine Welsh, cuya trama principal se basa en un grupo de adictos a la heroína que viven en Edimburgo, y que no tienen ningún tipo de aspiraciones para la vida.
El título de la película hace referencia al hobby de mirar el paso de los trenes, bastante popular en el Reino Unido, cuyo término anglosajón es justamente Trainspotting.
En la película, xxiste una dualidad brutal en la vidas de estos adictos por un lado, está la placentera sensación de la droga, y por otro, el oscuro abismo y excitación que el adicto enfrenta ante la necesidad de ésta para estar bien. El personaje principal de Traispotting lo encarna Ewan McGregor, con el nombre de Mark Renton. Mark se cuestiona la vida, no sabe para qué elegirla… seguir a la masa no es nada fácil, hacer lo que todos hacen y deben hacer le parece confuso, complicado.

Mark vive la vida del adicto, no trabaja, no cumple horarios, no tiene pareja, no posee mayores responsabilidades que buscar la forma de satisfacer su adicción. En su afán de hacerse de este efímero bienestar se concentra en encontrar lo que sea, con el único requisito que se pueda vender para alcanzar su objetivo final: la droga.

A pesar de que el perfil de un drogo es bastante individualista, Mark, comienza a cuestionarse acerca de esta soledad elegida y obligada a la vez,  y decide cambiar el rumbo de su vida para terminar con esta sumisión y acabar con la monotonía de cada ciclo que enfrenta. “Cambia, todo cambia” dice una canción, y Mark no podía cambiar. Mil intentos y encierros, pero nada se equilibraba en la balanza de la droga, nada podía alejarlo del placer… eso nunca se le olvidó, eso nunca cambió.

Traisnpotting causó gran polémica, el vox poluli, decía que promovía el consumo de drogas entre los jóvenes. Aún así, esta película se ha declarado como unas de las cinco mejores cintas británicas de todos los tiempos. Una mezcla perfecta entre estética y contenido llenan la pantalla, junto a atrevidos diálogos que desvisten el humano tema de la adicción a la droga.
El sueño de su creador era esperar que los actores envejecieran y con los mismos poder montar una nueva cinta, diez años más tarde; los que ya han transcurrido, y nada se ha si quiera rumoreado de esto.

Trainspotting, tiene una excelente banda sonora, en la que destacan temas tales como: “Lust for”, Iggy Pop; “Deep Blue Day”, Brian Eno; “Trainspotting”, Primal Scream; “Atomic Atomic”, Sleeper”; “Perfect Day”, Lou Reed; “Nightclubbing”; entre otros.

Bruce Lee
Bruce Lee, artista marcial y actor, nació en San Francisco, California, el 27 de noviembre de 1940. Si bien su padre era chino y su madre chino-alemana,  el destino quiso que naciera Bruce en mitad de una gira de la compañía cantonesa de teatro chino donde su padre era actor, en los Estados Unidos.
Lee fue llamado Bruce por una enfermera que consideró más oportuno un nombre occidental para el pequeño, sin embargo su nombre chino fue Lee Jun Fan, por lo que Bruce nunca fue usado dentro de su familia y sólo recobró fuerza cuando fue matriculado en el Colegio La Salle donde estudio hasta los 12 años, en Hong Kong; y luego en una nueva escuela católica llamada Colegio San Francisco Javier.
De pequeño participó en una serie de filmes, aún cuando ninguno estuvo relacionado con las artes marciales. Su primera aparición fue a sus tempranos dos meses de edad en “Goleen Gate Girl”, película de la cual no existen registros. A los seis años, dado su carácter resuelto y su carisma participo en otros tantos films, siendo el más conocido “The Orphan”.
Ya un poco mayor, el espigado joven es nombrado campeón de Cha-cha-chá en Hong Kong y comienza a estudiar el Tai-Chi con su padre, dirigiendo tempranamente su atención hacia la variedad de Kung Fu denominada Wing Chun Gung Fu, más asociado a la defensa personal, imprescindible para él por su capacidad natural en protagonizar altercados en su juventud.
Bajo las enseñanzas del maestro Yip Man, se perfiló como un reconocido exponente a nivel mundial de esta tradicional disciplina china, dedicándole la vida nuevos aires en busca de la perfección y la verdad. Sin embargo derivó hacia un estilo propio que él mismo denominó como Jeet Kune Do (JKD) o “camino del puño que intercepta”.

A los 18 años, Lee retornó a los Estados Unidos debido a una solicitud echa por su padre que quería liberarlo de la serie de líos en que el joven se metía. Así comenzó su vida de estudiante de la Universidad de Washington, en Seattle, donde él mismo trabajando como asistente de cocina en un restaurante chino financió su carrera de filosofía.
Luego descubrió que podía traspasar su disciplina y comenzó a impartir clases de boxeo chino en la universidad; además conoció en ese entonces a Linda Emery, quien en 1963 se convirtió en su esposa.

Luego del matrimonio y con la conformación de su escuela oficial de artes marciales, Lee comenzó a tener problemas con la comunidad china residente, quienes se negaban a traspasar las enseñanzas de ese arte a occidentales. Sin hacer caso a lo anterior, en 1964 asistió como invitado a la exhibición del fundador de la Tempo Karate en Estados Unidos, Ed Parker, demostrando habilidades que dejaron sorprendidos al público asistente, entre ellos a un productor de TV llamado William Dossier quien le solicitó que se presente a algunos castings para sus proyectos televisivos. 
Ya en 1966, Bruce Lee aceptó un papel ofrecido para la serie televisiva “The Green Hornet” o “Avispón Verde”, donde su rol secundario de un chofer japonés llamado Kato, le permite lucirse al demostrar una innovadora técnica de lucha desconocida para el público estadounidense, acostumbrado a peleas de boxeo. Para sorpresa de todos, la serie que terminó al año siguiente, tuvo similar éxito en Hong Kong.
En 1967, para poder financiarse Lee retomó sus proyectos de escuela de Kung Fu y adiestró a muchas personalidades del cine. Hizo además una gran amistad con Dan Innosanto, un americano de ascendencia filipina, experto en el arte del palo corto llamado Kali.
Otra serie que se le ofreció fue “Kung Fu”, participando activamente en la idea original de ésta, sin embargo se designó a David carradine para protagonizarla lo que consideró Lee una discriminación a su ascendencia china lo cual no fue bien visto por los americanos. 
Si bien Bruce lee se hizo conocido por la serie televisiva el Avispón Verde, el salto hacia la pantalla grande fue recién en 1971. Estando en Hong Kong, el productor Raymond Chow, de la Golden Harvest ofreció a Bruce la participación en uno de sus proyectos cinematográficos cuyo film se llamó Big Boss (Karate a muerte en Bangkok o El Gran Jefe), el cual fue de inmediato un tremendo éxito en Hong Kong acopiando beneficios de millones de dólares. Bruce Lee se ganó el top de la popularidad china quienes lo consideraba un héroe nacional.
El mismo año participó de su segundo film de artes marciales llamado “Fist of Fury” (Furia Oriental o Puños de Furia) donde se explotó la supuesta superioridad del Kung Fu sobre el Karate japonés, como una forma literal de explotar el sentimiento de inferioridad de los chinos frente a los japoneses. El éxito de este film superó toda expectativa y Bruce Lee se transformó en una consolidada estrella de films de artes marciales.
En 1972, como actor, guionista, co-productor y director, participó en el film “The Way of the Dragon” (El furor del Dragón o el Camino del Dragón) filmado en Roma junto a Chuck Norris. El film fue otro éxito de taquilla dentro del circuito chino. Esta película es considerada un clásico de las artes marciales y la lucha en el Coliseo es una de las más memorables de la filmografía de Bruce Lee, la que se conoció como el combate del siglo. Como dato curioso en el tema central de la banda sonora, él se encargó de tocar la percusión.
Lee trabajó en una película que quedaría inconclusa llamada “Game of Death” (Juego de la Muerte) junto a sus amigos y discípulos Dan Inosanto y Kareem Abdul-Jabbar, de la cual están rodados sólo 11 minutos.
Una nueva oferta coparticipativa entre una productora americana y china para desarrollar la película “Enter the Dragon” (Operación Dragon) le fue ofrecida a Lee, quien aceptó con entusiasmo como codirector de las escenas de lucha y actor principal. En esta película Bruce Lee se granjeó una fama póstuma entre el público estadounidense y es considerada la obra cumbre de Lee. Fue finalizada en abril de 1973, 4 meses antes de su muerte y exhibida un par de meses después de su deceso con un éxito de taquilla abrumador.
El 20 de julio de 1973, Lee en la cumbre del éxito, muere en misteriosas circunstancias a los 32 años en un apartamento en Hong Kong. A las 14 horas de ese día, en el departamento de su amiga  Betti Ting Pei, Lee sintió un profundo y agobiante dolor de cabeza que le hizo tumbarse en la cama y Betti, según su versión que es considerada como oficial, le proporcionó un analgésico. Lee se sumió en una profunda inconsciencia de la cual ya no volvería, entró en estado de coma. Fue llevado a un hospital, en el que ingresó ya fallecido.
Actualmente todavía se especula sobre las causas de la muerte de Bruce, pues no hay un diagnóstico certero que despeje las dudas. La más real es que pudo haber muerto por una complicación derivada de un ataque de epilepsia, efecto que sólo después de 20 años de su muerte la medicina parece haber descubierto. Filkins, un médico de gran prestigio afirmaba que la explicación oficial en torno a la causa de la muerte de Lee es errónea, puesto que en las reacciones alérgicas a los fármacos se suelen presentar indicios como hinchazón irregular en el cuello o insuficiencia respiratoria. En vez de eso, Filkins piensa que Lee murió a causa de un síndrome de muerte súbita inesperada, derivada de la epilepsia Sudep, síndrome que no se identificó hasta 1995.
Lee tenía casi 33 años y los médicos aseguraron que su cuerpo -admirablemente formado- no representaba más de 18 años biológicos. Su muerte sorprendió al público de Hong Kong y en un principio se atribuyó como falsa la información.
Se ha sabido que antes de su muerte Lee había sufrido unos extraños desmayos anteriores de los que se había recuperado. La autopsia de Lee demostró que su cerebro se había inflamado masivamente comprimiéndose dentro de la caja craneana.
El funeral que siguió fue apoteósico en Hong Kong; la multitud de admiradores fue tan impresionante que el ambiente donde estaba el ataúd de Lee era sofocante. Fue enterrado en Lake View en Capitol Hill, Seattle, EE.UU. Tuvo con su esposa Linda Emery (ahora conocida como Linda Lee Cadwell), dos hijos: Shannon Lee y Brandon Lee. Este último, al igual que su padre, falleció en un extraño accidente en el rodaje de la película The Crow (El Cuervo)
Sus participaciones cinematográficas, su carisma y la influencia lograda en el mundo occidental, contagiaron la pasión por las artes marciales a los habitantes de Estados Unidos, Europa e incluso en Latinoamérica. Una gran cantidad de seguidores de todo el mundo disfrutaron de su técnica, que dejó una huella que aún perdura en el tiempo.

Películas
• The Big Boss (“El Gran Jefe”, “Karate a muerte en Bangkok”) (1971)
• Fist of Fury (“Puños de Furia”, “La Conexión China”, “Furia Oriental”) (1972)
• Way of the Dragon (“El Camino del Dragón”, “El Regreso del Dragón”, “El furor del Dragón”) (1972)
• Enter the Dragon (“Entra el Dragón” u “Operación Dragón”) (1973)
• Game of Death (“Juego de la Muerte” o “Juego con la Muerte)- inconclusa (estrenada en 1978).

Escenas de la pelicula “Fist of Fury”

Capitan Centella (1970)

Esta serie infantil de los 70´s se tituló originalmente “Seigi no Asiru Mono Gekko Kamen” y fue conocida con múltiples denominaciones como Moonlight Maskman, Moon Mask Rider y Gekko Kamen. En 1958 el japonés Kohan Kawauchi creó el original Capitan Centella, una película para televisión en vivo, destinada a competir con los héroes occidentales Superman y Batman.

El éxito del film fue increíble: pronto un libro con más historias del primer superhéroe de

la TV japonesa fue publicado y al año se estrenó una segunda película del ya famoso Capitán Centella, quien estableció el estándar para los posteriores “competidores” salvadores del mundo.

La televisión hacia esos años era nueva en Japón, así que muchos niños que no tenían TV se reunían en las casas de sus amigos o vecinos; era tal la admiración por el Capitán, por lo que compraban capas, visores, máscaras, pistolas y jugaban a ser Centella en el patio de la escuela y patios traseros. Como todo superhéroe, eso sí, los niños japoneses (y también los estadounidenses), tuvieron accidentes cuya responsabilidad se les atribuyó al Capitán Centella y sus mortales técnicas.

El slogan de nuestro héroe: “No odies ni mates, perdona a tu enemigo”, provocó muy favorable reacción en el público y en 1970 Capitán Centella fue adoptado para la conocida serie animada, que no solamente conquistó a la teleaudiencia del Japón sino también causó furor en occidente. Más de 30 países la convirtieron instantáneamente en la favorita de los niños y su música, creada especialmente para la serie, fue grabada en un longplayque vendió más de un millón quinientos mil dólares sólo en los primeros tres años.

Esta serie cuenta las aventuras de un súper héroe enmascarado llamado Centella, el cual viste un traje de blanco con capucha blanca, unos visores como anteojos y un casco también albo con una media luna dorada al frente. Sus principales armas son unas estrellas que lanza al estilo ninja, un látigo, un par de pistolas y unas medialunas que lanza como un boomerang.

Su capa la utiliza muchas veces como escudo protector contra gases u objetos que le son lanzados en su lucha contra la adversidad; su vehículo es una motocicleta blanca con un diseño especial, el frente se asimila a un faro con una especie de cúpula tipo bala de color rojo.

Sus principales enemigos son el Doctor Dogma,

La Garra de Satán, El Dragón y Godán, quienes junto a un sinnúmero de otros personajes ofrecen la entretención y la aventura capítulo tras capítulo.

La ambientación de este anime es oscura, tal vez porque centella sólo aparecía de noche ya que de día es un inspector de una agencia de detectives llamado Juro Iwai. Cada vez que centella luchaba contra sus enemigos, este fondo oscuro cambia a diversos colores sicodélicos al estilo de la moda de los años 60´s y, los momentos en que afortunadamente se imponía sobre sus enemigos, comenzaba a sonar el tema principal de la serie y su famoso eslogan: “Yo soy Centella, el defensor de la justicia; has hecho daño al mundo, así que te las verás conmigo”.

También, como buen superhéroe cuenta con un cómico asistente llamado Gorohachi Fukuro, su amigo el inspector Matsuda, y los niños Shigeru, Kaboko y Fujiko que ignoran la identidad pero que admiran al enmascarado.

La serie, fue exhibida entre el 24 de febrero de 1958 y el 5 de julio de 1959, con un total de 130 ó 131 capítulos divididos en cinco segmentos

Coincidiendo con la serie de anime fueron producidas algunas películas donde el protagónico fue interpretado por Fumitake Omura. Todas las películas (las cuales están en blanco y negro, como las series de TV) son básicamente adaptaciones de las historias del programa y fueron filmadas en “ToeiScope”.

Una nueva película fue producida en 1981 y denominada Tokusatsu Moonlight Mask, a cargo de Purumie International/Herald Enterprises y distribuida por Nippon Herald Pictures. Fue lanzada al cine el 14 de marzo de ese año como respuesta japonesa al Llanero Solitario (lanzada en el mismo año). Esta versión actualizada tuvo un enorme éxito en las taquillas japonesas. Daisuke Kuwahara  interpretó a George Owara (el nuevo alter ego de Centella) y el resto del elenco estuvo conformado por Sue Shihomi, Daijiro Harada y Takayuki Godai. Ninguno de los personajes originales apareció.

En 1999 surgió la serie gag-anime, una versión cómica del héroe enmascarado producida por Tokyo Movie Shinsha y transmitida por TV Tokyo del 3 de octubre de 1999 al 26 de marzo de 2000, con un total de 25 episodios. El tema de inicio es una versión actualizada y fue cantada por COA.

Capítulos

Serie “

La Garra de Satán” (Episodios 1-13)
En esta serie

La Garra de Satán es una presencia maligna y perversa que con distintas apariciones impone sus designios, no dudando en matar cruelmente a sus lacayos cuando fallan en su objetivo; al final adopta una apariencia perfectamente demoníaca en su enfrentamiento con Centella.

Serie “Rey Kong” (Episodios 14-26)

Inicia prometedoramente con la fuga de una gran cantidad de presos sentenciados a muerte o cadena perpetua gracias a la ayuda del Doctor Dogma, y la aparición de un gorila gigante manso y amistoso que se gana la simpatía de los niños del Japón y que el Doctor Dogma mata y posteriormente lo revive como un monstruo gigante.

Serie “Colmillo de Dragón” (Episodios 27-39)

La serie se centra en la constate búsqueda por parte de El Dragón y su secuaz Godam de los cristales H-O, pequeños cristales catalizadores de asombrosas propiedades, que pueden ser utilizados para hacer un gran bien a la humanidad purificando el agua contaminada y convirtiéndola en oxigeno e hidrógeno o como arma mortal, provocando la inmediata deshidratación de los animales y plantas en su cercanía.

Protagonistas de la Fama

El reality show Protagonistas de la Fama fue el primero y el más exitoso de los realities llevados a cabo en Chile. El año 2003, entre los meses de enero y abril, y bajo el alero del canal de televisión de la Universidad Católica, 14 jóvenes dieron rienda suelta a sus sueños que en 68 episodios cautivaron el interés de chilenos de distintas generaciones.

El 5 de enero fue lanzado al aire el primer capítulo de este show televisivo. Los jóvenes, de entre 18 y 27 años, entraron a una casa estudio donde serían filmados durante las 24 horas del día realizando todas sus actividades, desde las más cotidianas a las asociadas a las competencias desarrolladas para definir quién obtendría la fama que entraron buscando.
El premio final para los participantes era un automóvil y un contrato para participar en una telenovela producida por el canal, cuestión que finalmente fue un tema de menor interés para los televidentes e incluso para los concursantes.

Durante los 3 meses de encierro los jóvenes fueron sometidos diariamente a un estricto sistema de clases de actuación, con una dinámica que incluía una Prueba de Talento el día jueves, donde los jóvenes exhibían representaciones teatrales a un jurado que calificaba a los estudiantes, siendo el más aventajado el Protegido de la semana y el peor desempeño el Amenazado por Talento.

Luego, en un Cara a Cara, se realizaba un segundo tipo de selección pero esta vez por parte de los miembros de la casa estudio, en el cual cada participante debía nominar a uno de sus compañeros (a excepción del protegido y del amenazado por talento) para abandonar la casa estudio. Aquél que recibiera más votos sería el Amenazado por Convivencia.
Durante el fin de semana, a través de votación popular (llamadas telefónicas), el público elegía al Eliminado de la semana entre el Amenazado por Talento y el Amenazado por Convivencia.
Las clases de actuación fueron realizadas por dos connotados actores nacionales: Fernando Gajardo y Vasco Moulián, mientras que el coreógrafo Ángel Torres dispuso la preparación física desde el baile alos jóvenes integrantes del reality. También se insertaron visitas periódicas de personajes de TV.

Para darle más dinamismo al programa y provocar situaciones nuevas, a mediados del programa y por votación popular, reingresaron dos participantes anteriormente eliminados: Juan Ignacio y Francesca. A estas alturas en Protagonistas ya se habían gestado una serie de situaciones personales que hacían más sabrosa la historia: la relación entre Aline y Jorge, el joven resentido social; el complejo y exhibicionista Ballero y Janis Pope (quien más tarde lo despreciaría al comprobar que su amado pretendía también a Bono); Catalina y Francisco Moller, los más conservadores del grupo, quienes a pesar de las trampas de Ballero lograron mantenerse juntos hasta después del reality, entre otras.

Protagonistas de la Fama junto a la telenovela Machos, permitieron revivir a Canal 13 luego de una mala racha en rating que redundó en una seria crisis económica. Los capítulos, transmitidos a las 23.30, batían récords de sintonía, en un horario prácticamente olvidado para los canales de televisión. Los martes (eliminación) y viernes (“cara a cara”), se transmitían a las 22.00 en horario prime superando siempre los 40 puntos de sintonía.

Para lo anterior se levantaron una serie de programas anexos tales como Encuentros Cercanos, conducido por Sergio Lagos, el cual se transmitía tras el capítulo del martes para recibir al eliminado. Amenaza Real, transmitida el viernes a las 23.00 y conducida por el propio Lagos, donde se analizaba el capítulo anterior y la votación popular para elegir al eliminado y, Protagonistas de la Fama en Bruto, transmitido durante la tarde y que mostraba situaciones sin edición (al contrario de la edición central).

El éxito del reality se extendió a todos los ámbitos de la vida chilena. El principal tema de conversación eran las peleas entre los participantes, las confabulaciones en las votaciones de convivencia y las relaciones amorosas dentro de la casa estudio. Los diarios titulaban con los últimos acontecimientos del programa, e incluso el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar del año 2003 fue influido por el efecto-reality, presentando un video durante la transmisión en el que se veía a los participantes cantando el tema central del programa: “La Meta Final” del grupo Polémika-Miró.

El martes 8 de abril se realizó en directo la final del programa frente a miles de personas y con todo Chile tras el televisor, resultando ganadores Catalina Bono, la dulce y religiosa niña buena y Álvaro Ballero, por sobre los otros dos finalistas: Aline Blanc y Óscar Garcés.
Álvaro, cuya finalidad era el reconocimiento (y el auto nuevo) más que el premio por actuación, renunció al contrato pactado con Canal 13 para participar en la siguiente novela de la casa televisiva, y se lo cedió a Óscar quien obtuvo un pequeño papel en la telenovela Machos. Ballero fue sin duda el más popular tras el encierro y firmó un contrato publicitario con Telefónica CTC Chile por más de 120 millones de pesos, sin embargo, su fama pronto terminó por decaer, al igual que la mayoría de sus compañeros de reality.

Catalina participó en la telenovela Hippie con un papel secundario, y luego en la telenovela Quiero. Logró sacar un disco homónimo y cantó la canción principal de Protagonistas de la Música el reality que más tarde –durante el mismo 2003- emuló al anterior pero en una versión musical, producida igualmente por Nicolás Quesille y bajo la conducción de Sergio Lagos. No tuvo tanto éxito como su antecesor.

Tras el éxito de Protagonistas de la Fama, los canales de la competencia decidieron lanzar sus propias versiones de reality show: Televisión Nacional de Chile lanzó Tocando las Estrellas (protagonizado por aspirantes a animadores de televisión), que fue un fracaso. Y Mega compró la franquicia de Operación Triunfo, con igual resultado que la versión del canal estatal, aún así Canal 13 reaccionó lanzando Protagonistas de la Música, el 4 de junio de 2003.

Participantes en orden de eliminación:
Carlalí Villalba, periodista.
Juan Ignacio Reyes, maquillador.
Juan José Alvear, músico.
Consuelo Inostroza, estudiante de Ingeniería Civil Industrial.
Francesca Rojas, productora de eventos.
Janis Pope, bailarina clásica y estudiante de Comunicación Audiovisual.
Jorge Olivares, estudiante de Derecho.
Francisco Moller, estudiante de Ingeniería Comercial
Elizabeth Hernández, Profesora general básica.
Gerardo del Lago, actor.
Óscar Garcés, actor y profesor de Educación Física.
Aline Blanc, actriz.
Catalina Bono, actriz.
Álvaro Ballero, estudiante de Administración Pública.

Tiempos Modernos

Filme cuyo guión, dirección y producción estuvo a cargo del genial actor Charles Chaplin quien, por si fuera poco, fue el protagonista de esta película que hacia 1936 impactó a todo el mundo por su ácida crítica al entorno social de la época.

La realización se desarrolló en el traspaso del cine mudo a un cine sonoro, por lo que incluyó efectos como música, cantantes, voces provenientes de radios y altavoces, así como la sonorización de la actividad de las máquinas. Puede incluso escucharse, en el final, la voz de Chaplin que interpreta una versión de la canción Je cherche aprés Titine.

Tiempos Modernos, donde también intervienen los actores Paulette Goddard, Henry Bergman, Stanley Sandford y Chester Conklin, refleja las condiciones de la clase obrera del período de la Gran Depresión, sus desesperadas condiciones laborales y de calidad de vida dadas por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena.

La película incorpora escenas de corte futurista de la factoría en la que trabaja Charlotte (Chaplin), que sin duda recibe una influencia directa del filme de cine mudo Metrópolis, de Fritz Lang.
La historia relata el día a día de Charlotte, un hombrecillo que trabaja en una línea de producción en serie donde su función específica es el atornillar dos tuercas a la vez a gran velocidad, lo que le produce un tic inicial y recurrente que lo lleva al desquiciamiento total. Comienza a partir de entonces a ejecutar esta acción dentro y fuera del trabajo con objetos y personas, lo que sin duda provoca desconcierto en su entorno social.
En una de esas andanzas Charlotte persigue a una mujer con unas llaves en la mano, lo que provoca la reacción de la policía; posteriormente, dentro de la fábrica desata el caos al ser arrastrado por los engranajes de la imponente maquinaria.
Finalmente y tras una serie de dificultades es recluido en un hospital siquiátrico de donde sale más tarde para encontrarse con una realidad muy distinta, donde su fábrica y todas las demás ya no funcionan: es la crisis del 29 que sume en la miseria a los trabajadores no sólo de Estados Unidos sino de todo el mundo capitalista.

Con Tiempos Modernos, Charles Chaplin orienta su obra superando la tragedia individual que caracterizaron a filmes como The Kid, para elevarse a los grandes temas del mundo contemporáneo. Entendió que el escenario social había cambiado y lo seguiría haciendo, con un mundo menos humano y cada vez más focalizado en la acumulación de riquezas.
Si bien se ha criticado la inconexión de las escenas de la película, escenas memorables son el encuentro de Charlotte con una manifestación de obreros despedidos, donde inconscientemente alza una bandera roja de un vehículo que lo convierte en el líder involuntario de ésta, sin darse cuenta era el líder de la causa sin tener claramente conciencia de cuál era ésta.
“Tiempos modernos” es la caricatura de la humanidad degradada en el mundo laboral de la fábrica. Charlotte no es un trabajador regular o medio sino un retrato de la miseria de la condición proletaria. Se reconoce en Chaplin como principal recurso cómico, la dignidad de Charlotte, quien es un vagabundo que se cree un caballero y cuya pretensión no es más que una noble reivindicación de la dignidad humana.

La película “Tiempos modernos”, obra genial de Charles Chaplin, es una alegoría consecuente por la actitud humanista e identificación del autor con las grandes mayorías oprimidas, válida para los tiempos modernos en los 30 y para los tiempos contemporáneos en el actual Siglo XXI. Y es un instrumento legítimo para que la humanidad se mire en ese espejo y se analice desde la perspectiva de lo humano.

Hu Hu Hu Hugo

Clásico infantil fue “Hugo”, programa animado por Ivette Vergara y que trataba básicamente de un espacio enfocado en un juego interactivo. La gente se comunicaba con el canal y luego a través de su teléfono jugaba en diferentes etapas. Otros programas interactivos de éste tipo, eran “Sega Acción” con Jennifer Warner y “Nintendo Manía” con Julián Efelbein.

Pipiripao

La competencia que tenia “Patio Plum” era “Pipiripao”, programa transmitido por UCV-TV entre los años 1984 y 1997. El espacio fue conducido por Roberto Nicolini y se convirtió rápidamente en el más popular de todos. Es decir, quien no se acuerde del Robot Tonga o del Fantasma Ble simplemente no tuvo infancia.

La escenografía del programa era muy simple, no contaba con efectos especiales ni nada de eso, a lo más se utilizaba un croma para hacer aparecer al Fantasma Ble en un castillo; y es que era tan rudimentario el efecto que a veces se notaban los pies de la persona que estaba detrás del fantasma, pero eso se suplía frente al gran plus de Pipiripao que eran los monitos animados como Jet marte, El Festival de los Robots, Centella y tantos otros.

Intro de Pipiripao